El director noruego Joachim Rønning (PIRATAS DEL CARIBE: LA VENGANZA DE SALAZAR, Kon-Tiki: Un viaje fantástico) reunió un logrado equipo de creativos que le ayudó a dar vida a su visión, e incluye al director de fotografía Henry Braham, BSC, a Patrick Tatopoylos en el diseño de producción, a la diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick, al compositor Geoff Zanelli, a los editores Laura Jennings y Craig Wood, ACE, a Gary Brozenich en la supervisión de los efectos especiales, al diseñador de maquillaje Paul Gooch y a David White en el diseño de los efectos especiales de maquillaje, además de los coordinadores de dobles y escenas de riesgo Simon Crane y Jo McLaren.
Diseño de Escenografía y Producción
MALÉFICA: DUEÑA DEL MAL es una historia llena de
acción que transcurre en un universo épico, exuberante y espectacular
supervisado por Patrick Tatopoulos. El diseñador de producción ganador de
varios premios, cuyos créditos incluyen producciones como Día de la
Independencia y Liga
de la justicia, se sintió atraído por la película porque está basada en un
cuento de hadas. “Es diferente de todo lo que hice hasta ahora”, dice. “Hice
una gran cantidad de películas de ciencia ficción y superhéroes con personajes
como Batman y Superman, pero nunca hice el diseño de un cuento de hadas”.
Si
bien el director, Joachim Rønning, nunca había trabajado con Tatopoulos, sabía
que podía bosquejar y dibujar, algo que le resultaba muy atractivo. “No porque
quisiera participar”, explica Tatopoulos. “Tenía más que ver con sentir que
podíamos dialogar más fácilmente bosquejando y hablando”.
Rønning
quería abrir la historia para que fuera más realista y tuviera más alcance. “Quería
que fuera más grande y mejor, pero al mismo tiempo debíamos respetar lo que al
público le encantó sobre la primera película”, dice. “Pero nuestro objetivo era
crear un universo grande y rico, para que sintiéramos que realmente estábamos
dentro de la película”.
“Lo
genial de esta película fue que pude seguir los detalles del diseño de la
primera, pero también tuve la oportunidad de diseñar cosas nuevas”, dice
Tatopoulos. “El Páramo era algo que habíamos visto en la primera película, así
que ya había una estética para eso, pero el mundo fuera de él es muy diferente.
Hay un castillo nuevo y un pueblo nuevo, y el mundo de las Hadas Oscuras
también es nuevo. Y este paisaje, estos entornos, eran una parte importante del
guion”.
“No
intentamos que hubiera un mismo escenario en toda la película”, continúa
Tatopoulos. “De hecho, definimos cuatro mundos en esta película”. Son el mundo
de las hadas de El Páramo, con el castillo de Aurora, el pueblo de Ulstead, el
castillo de la Reina
Ingrith y el mundo de las Hadas Oscuras.
La filmación de MALÉFICA: DUEÑA DEL MAL tuvo
lugar en los afamados Pinewood Studios, en las afueras de Londres, entre mayo y
agosto de 2018. La mayoría de las escenografías se construyeron prácticamente en
seis estudios interiores acustizados y en el enorme estudio de filmación en
exteriores, y luego se complementaron con efectos visuales en la etapa de
posproducción. La producción también pasó una semana de filmación en locaciones
dentro o en los alrededores del Reino Unido, como en Syon House Lake, Burnham
Beeches y Windsor Great Park.
La escenografía más grande que se construyó en
los estudios exteriores fue la ciudad de Ulstead, con su plaza, pero allí
también se construyó la escenografía del exterior del castillo de Ulstead,
incluidos sus jardines principales, la puerta principal y el río que lo rodea.
En los enormes estudios interiores de Pinewood Studios se alojaron las
escenografías del interior del castillo de Ulstead, incluido su salón
principal, la capilla real, la recámara del rey, el vestidor de la reina, la
recámara de huéspedes y el balcón.
Dar vida a estos sorprendentes
mundos como escenarios prácticos mejoró el entorno para los actores, ya que les
permitió sumergirse completamente en ese universo. “Fue un lujo como cineasta
poder moverme entre estos mundos creados por Patrick”, dice Rønning. “Por supuesto que además teníamos muchos cromas azules y verdes y
tomas de efectos visuales, pero atesoro los días en los que filmábamos en las
escenografías”.
Las escenografías
del castillo de Ulstead se extendían a lo largo de cinco estudios cubiertos
diferentes debido a lo enormes que eran. El castillo es un monolito que
simboliza el deseo del reino humano de grandeza y posteridad. “Queríamos que
fuera grande y tuviera una presencia omnisciente, y la escala nos ayudó mucho”,
dice Tatopoulos.
“Originalmente, la
idea era que fuera del período Gótico, pero luego decidimos no hacerlo
puramente gótico de los siglos 11, 12 o 13, sino crear una estética especial”,
continúa Tatopoulos. “Es un castillo medieval con reminiscencias góticas, algo
que uno vería durante un cambio de siglo”.
El comedor es un espacio enorme y majestuoso, con
techos abovedados de casi treinta metros de altura, una mesa de comedor de dieciocho
metros de largo y un trono que tiene una altura de más de siete metros. “Todo
tenía que ser a escala más grande para que combinara con el castillo. No se
puede tener una mesa normal o un trono normal, o un estandarte de tamaño
normal”, dice Tatopoulos. “En un castillo tan grande, todo tiene que
representar la escala. La
Reina Ingrith quiere que uno se sienta pequeño, porque eso la
hace sentir más grandiosa y mejor acerca de sí misma”.
Un
ejército de carpinteros y artesanos habilidosos trabajó sin descanso, codo a
codo, para ayudar a dar vida a estos mundos. “Estas películas de Disney siempre
son grandiosas y hermosas. Es uno de los motivos por los que me siento
privilegiada de ser parte”, dice Angelina Jolie. “Pero en este caso Joachim la
imaginó como una ópera, una ópera potente e intensa, a gran escala, y hay
nuevos mundos interesantes para ver”.
En total, hay tres
castillos en la película, los otros dos son el castillo de hadas de Aurora en
El Páramo y el castillo de Maléfica. Maléfica creó el suyo, y Tatopoulos supo
instintivamente que debía seguir su estética. El resultado es un castillo sin
líneas rectas, construido a partir de elementos del bosque, como hojas, raíces
y enredaderas.
El Páramo fue
construido en un estudio cerrado de Pinewood, con dos ríos y cascadas, plantas
exóticas y flores reales. Como todo era real, la temperatura en el estudio era
controlada y precisa, y se debía regar todo constantemente. Esta escenografía
práctica una vez más le aportó al elenco texturas y realismo, porque podían
realmente sentir y oler sus elementos.
Jolie agradece el
cuidado que se puso en respetar la apariencia original de las escenografías
ampliando las existentes para incluir mundos nuevos. “La película original
tenía una escenografía hermosa, al igual que esta”, dice Jolie. “Fue bueno regresar
a El Páramo, pareció que volvía al mismo lugar de hace seis años, y al mismo
tiempo tenía cosas nuevas que están construidas de una manera hermosa. Su
textura y calidad son tan preciosas que son un espectáculo, y al mismo tiempo
es real”.
El
diseñador de producción trabajó estrechamente con el director de fotografía,
Henry Braham, especialmente en la iluminación de las escenografías. “Pudimos
crear atmósferas completamente únicas con diferentes configuraciones de
iluminación para los diferentes mundos que creábamos en pantalla”, dice.
A
través de su trabajo conjunto con la diseñadora de vestuario, Ellen Mirojnick,
Tatopoulos creó una estética para cada personaje. “Diseñó algo para la Reina Ingrith que me
pareció absolutamente precioso y me hizo querer cambiar de dirección de lo que
estábamos haciendo con nuestro mundo de la reina”, explica. “Tenemos que
armonizar nuestro trabajo, y cuando estábamos diseñando el vestidor de la
reina, el lugar donde se viste, la estética y la arquitectura debían reflejar
el estilo de sus trajes”.
Vestuario
La
diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick (El
gran showman, Behind the Candelabra)
creó aspectos distintivos para cada una de las tres mujeres hermosas, poderosas
e independientes que son el centro de la historia. Su departamento está conformado
por algunos de los artesanos más talentosos de hoy e incluye cortadores,
encargados de teñir y dar aire de época a los trajes, artistas textiles,
diseñadores de utilería, creadores de joyas y compradores. Además de la enorme
cantidad de atuendos creados para Maléfica, Aurora y la Reina Ingrith, su
departamento también estuvo a cargo de vestir a los casi 600 extras que hacían
de pueblerinos.
Desde
el primer día Mirojnick imaginó el reino de Ulstead como un reino más nuevo, animado
y citadino. Con eso en mente, se preguntó qué aspecto tendría un cuento de
hadas más moderno en un período no precisado entre la Edad Media y el
Renacimiento, con una vuelta de tuerca renovada. “Con la libertad de crear una
nueva era, ampliamos nuestro uso de composiciones, colores y siluetas
diferentes”, dice.
Comenzó por el personaje de Maléfica,
interpretado por Angelina Jolie, con quien ya había trabajado antes. “Angie es
muy pero muy inteligente, y tiene una visión integral y la capacidad de transitar
una historia de manera excepcional”, dice Mirojnick. “Maléfica es un personaje
complicado y difícil de definir, con un arco narrativo muy amplio que es el que
en definitiva la devuelve a la senda del amor”.
Como el personaje más fuerte de la película,
Maléfica debe destacarse del resto, no integrarse con el resto y tener siempre
su silueta y formas personales. “Maléfica es un personaje icónico”, explica
Mirojnick. “Y una tiene que partir de esa idea y subir un poco la apuesta. Es
la estrella en blanco y negro del mundo de hadas de la película, y es la imagen
con la que empezamos. Su piel es muy blanca, sus labios son rojos y su cuerpo
tiene una silueta con formas muy definidas. Sus accesorios comienzan siendo
orgánicos y van evolucionando para incorporar hueso y oro, y con el tiempo
diamantes negros y esmeraldas”.
Mirojnick continúa: “Su vestido en la primera
escena tiene una tonalidad verde con dorado, con un sutil diseño de reptil. En
esta película tiene alas todo el tiempo, así que sus trajes están hechos con
telas fluidas y vaporosas que se ven preciosas cuando se mueven con el viento”.
“En aquellos momentos
en los que una respeta lo clásico, pero busca que los personajes sean
familiares, allí Ellen encuentra el equilibrio”, dice Jolie. “Esta película es
una secuela, y entonces uno quiere mantener lo que funcionó, aquello a lo que
respondió el público, y al mismo tiempo que evolucione. Es muy buena para
lograr eso”.
El vestuario de
Aurora es etéreo, con algo de sofisticación, ideal para alguien que reina en el
mundo de criaturas místicas. Su apariencia es la de un cuento de hadas más
moderno, con una paleta de colores impresionistas donde predominan los azules y
rosados pálidos. “Sabía que como Reina de El Páramo era esencial que iniciara
su viaje con un vestido azul con un diseño de cuento de hadas orgánico, como
surgido del bosque. El resultado es la apariencia de un vestido de hojas hecho
a mano por las hadas”, dice Mirojnick. “Necesitábamos que se viera
completamente diferente de sus vestidos cortesanos”.
La apariencia de la Reina Ingrith contrasta completamente por su seriedad. Su apariencia es majestuosa y a la vez moderna, y sugiere un aire de riqueza y privilegio. Tiene ocho vestidos diferentes, todos parecidos en cuanto a su forma, pero de diferentes telas y con diferentes accesorios. “Usamos colores platino, oro y champagne, combinados con una gran cantidad de joyas para que realmente se destacara”, dice Mirojnick. “Tiene una presencia blanda y fuerte a la vez, y sus colores no dan ninguna pista sobre su maldad… de hecho, logran el efecto contrario”.
Al
principio, el público ve a la
Reina Ingrith con un vestido de tono champagne pálido y
blanco crema, que usa con un enorme collar en cascada de perlas. Para la escena
de la comida entre consuegras, usa un vestido de noche color platino con su
canesú y falda decorados con un enorme panel de diamantes y perlas. Cuando
pelea, su vestido es impactante, transmite poder, belleza y audacia. “Es un
conjunto con reminiscencias de armadura, con guantes y hombreras decoradas con
perlas y plata. Parece hecho de metal, pero es un tipo muy especial de platino
que se incorporó al hilado del diseño”, dice Mirojnick.
Peinado y Maquillaje
El
diseñador de peinado y maquillaje, Paul Gooch (DUMBO, ALICIA A TRAVÉS DEL
ESPEJO), en MALÉFICA: DUEÑA DEL MAL supervisó un departamento conformado
por 44 artistas. Además del peinado y del maquillaje de los protagonistas y
actores de reparto, el equipo se ocupó también de preparar a cientos de extras
para la cámara.
El concepto del maquillaje de Angelina Jolie fue
creado por la maquilladora personal de la actriz, Toni G., que también trabajó
con ella en la primera película. La apariencia glamorosamente malvada incluye pómulos
tallados, la piel pálida y cejas perfectamente arqueadas y una característica
destacada de la película animada: los labios rojos glamorosos del personaje. Para
llevar a cabo esa transformación eran necesarias tres horas al día en la silla
de maquillaje para Jolie.
Toni G. imaginaba una Marlene Dietrich clásica de los
años cuarenta y probó diferentes rojos hasta decidirse por el labial mate Russian Red de MAC, que tiene un color
intenso y un acabado semi-mate aterciopelado, complementado por un brillo y
delineador labiales al tono.
La paleta de colores para los ojos de Maléfica incluyó
un delineador integrado con una sombra profunda y pestañas número siete con
media profundidad en la mitad del ojo. Esto complementó las prótesis de los
pómulos, aplicadas por Arjen Tuiten, aprendiz de Rick Baker, el cerebro detrás
de la apariencia característica de Maléfica.
La apariencia de las Hadas Oscuras, esas
criaturas aladas con cuernos como los de Maléfica, es más primitiva, ya que se
adaptaron y evolucionaron de diferentes formas según la geografía de sus biomas
(selva, tundra, bosque y desierto). Construyen nidos, como si fueran parte aves
y parte humanos, pero no fabrican herramientas ni armas, y encuentran todo lo
que necesitan en la naturaleza. Esto inspiró un enfoque singular en términos de
utilería, escenografía y vestuario.
“Lo
que me resultó maravilloso de este reto fue la sencillez y, por consiguiente,
la elegancia que logramos por no usar nada hecho por el hombre”, dice la
diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick. “Todo, incluidas sus alas y sus
cuernos, era puro, natural y proveniente de la tierra”.
Los pómulos y las líneas
bien definidas que caracterizan a Maléfica se trasladan también a las Hadas
Oscuras, al igual que sus alas y cuernos. Dice Mirojnick: “La paleta del hada
de la selva tiene mucho color. La del desierto se ve seca y resquebrajada, y
sus alas son de un color muy seco, al igual que su piel. Las del hada de la
tundra son blancas como la nieve y con muchas plumas de colores azules y grises
pálidos, y el hada del bosque tiene alas verdes y marrones con cualidades muy
orgánicas, que se asemejan a las de un árbol”.
“Lo hermoso de las Hadas
Oscuras es que representan la verdadera diversidad”, añade Jolie. “No
diversidad de la manera que la interpretamos hoy, en términos de dividir a las
personas por su raza, sino por biomas. Cuando una mira a este grupo, conformado
por jóvenes y viejos que representan los diferentes aspectos de la naturaleza,
lo sorprendente no es su apariencia, sino lo que se siente al mirar al mundo desde
esa perspectiva”.
El
diseñador de producción, Patrick Tatopoulos, comenzó a desarrollar la
morfología y la cultura de las Hadas Oscuras en preproducción, y creó bocetos
de las hadas y sus entornos al mismo tiempo. Trabajó estrechamente junto a
Mirojnick, que tomó el diseño para crear los trajes, mientras que el diseñador
de maquillaje de efectos especiales David White (La momia, GUARDIANES DE LA GALAXIA) creó efectos
de maquillaje prácticos.
White y su equipo de 60 o 70 artistas
supervisaron el proceso de preparar todos los días a las Hadas Oscuras para la
cámara. Debían elaborar cada aspecto de su apariencia, incluido el cabello, la
piel, el pelaje, las alas y los cuernos. Y cada una de las hadas tenía su
propia apariencia y personalidad, con prótesis individualizadas y lentes de
contacto de color en función de sus diferentes biomas, para ayudar a
diferenciarlas.
White diseñó a
Conall, el hada guerrera del bosque interpretada por Chiwetel Ejiofor, para que
se viera oscura y malhumorada, con grandes cuernos de guerrera. “Conall tenía
el equilibrio perfecto”, dice White. “Le colocamos prótesis en los pómulos y
algunos tatuajes alrededor de la zona del pecho y una peluca fabulosa que le
aportaba un marco agradable con forma de diamante”.
Con Borra, el hada
oscura del desierto interpretada por Ed Skrein, el actor ya tenía una
estructura ósea increíble. “No tuvimos que crear pómulos tan angulosos como los
de Maléfica, y sus cuernos son extraespeciales”, dice White. Tiene los cuernos
más largos del desierto, y son bastante singulares, para aportarle mayor
individualidad, y además tiene prótesis a lo largo de la frente y por el cuello
hasta sus hombros y su cuerpo, y mucho color en los pómulos”.
Los realizadores crearon una tecnología totalmente nueva combinando técnicas de acción real con herramientas de realidad virtual e imágenes digitales fotorrealistas
El director, Jon Favreau, dirigió el éxito de taquilla de 2016 EL LIBRO DE LA SELVA, que ganó el premio Óscar® a Mejores Efectos Visuales. Los resultados deslumbrantes de la tecnología utilizada en esa película motivaron al director a aspirar a más con EL REY LEÓN.
Los personajes clásicos vuelven a la
pantalla grande como nunca antes
Para el director Jon Favreau, la selección del elenco de EL
REY LEÓN representó una oportunidad clave para introducir nuevos
enfoques a los personajes clásicos, y les dio la bienvenida a famosos artistas
del mundo de la televisión, el teatro y la música, cada uno de los cuales les
insufla más vida a los adorados personajes.
“Jon tiene un gran respeto por los
actores”,
opina la productora Karen Gilchrist. “Eligió a cada actor sabiendo que aportaría su talento único
a la película. Es genial ver lo que resulta de combinar estos talentos
increíbles”.
Los
cineastas usaron la técnica que ellos llaman “caja negra” para capturar a los actores
representando una actuación de forma tradicional, pero en un espacio no
tradicional. El productor Jeffrey Silver dice: “Cuando empezamos, sabíamos que no
trabajaríamos con actores en escena, así que tuvimos que hacer algo
fundamentalmente diferente sobre la forma en que captábamos las actuaciones de
los actores. Entonces, Jon Favreau —que también es actor— estuvo muy atento para mantener la
película enraizada en las emociones humanas reales. Empleó el teatro de caja
negra para no tener actores parados delante de los atriles con lentes de
lectura y guiones. Lo llevamos al siguiente nivel y construimos un anfiteatro
para que los actores se involucraran y expresaran sus sentimientos”.
El
supervisor de efectos visuales Rob Legato explica: “La idea de la caja negra es ayudar a
que los actores se sientan desinhibidos. Podían caminar, improvisar alguna
cosa, reaccionar al otro. Y la interpretación que se obtiene de eso es mucho
mejor u otra iteración de la actuación”.
“Fotografiamos con múltiples cámaras para que los animadores
pudieran ver la intención de los actores, aunque no se traduce directamente
porque no son animales”, continúa Legato. “Pero cuando hacen una pausa y miran, y los ves pensar, sabes
que eso es lo que impulsa la interpretación. Lo traduces: ¿qué hace un león
para hacer lo mismo? Es mucho más informado que solo las voces. Y las voces son
incorpóreas; leer de un papel es muy diferente a interactuar en escena y probar
tu idea con otra persona. Si cometes un error y yo lo cubro, tal vez, eso sea
más interesante. Es como un accidente feliz nuevamente que aprovechas todo el
tiempo en una película de acción real”.
Favreau afirma que, en última instancia, las actuaciones —ricas, estratificadas, provocadoras y conmovedoras— no solo lo ayudaron a lograr su visión, sino que lo ayudaron a darle forma. “Es el sueño de todo director —señala— reunir un equipo talentoso como este para darle vida a esta clásica historia. Fui muy afortunado al haber podido ver desde primera fila las maravillosas actuaciones y de colaborar con personas que tienen tanto talento y de las que aprendí mucho con solo mirarlas”.
EL ELENCO
SIMBA está destinado a convertirse en un poderoso rey desde el
momento en que nació.
Es un cachorro confiado que no ve la hora de convertirse en rey y aprende de su
padre, Mufasa, y de su madre, Sarabi, a respetar el ciclo de la vida. Pero no
todos apoyan al futuro rey. Sin importar cuánto entrenamiento y consejos
reciba, ocupar su lugar en la Roca del rey y ocupar el puesto de su adorado
padre será mucho más difícil de lo que imaginaba. El diseñador de producción
James Chinlund afirma que, junto con el supervisor de animación Andrew R. Jones, obtuvieron inspiración para Simba de la
vida real el último día de su viaje de investigación en Masái Mara,
Kenia. “Nos
topamos con una manada de leonas y sus cachorros que acababan de darse un
banquete con un antílope eland”, cuenta. “Todos estaban muy llenos y soñolientos. Pero un cachorro se
despertó y comenzó a moverse entre la manada. De inmediato, nos dimos cuenta de
que el cachorrito era especial. Fue muy emocionante verlo tan de cerca”.
Donald Glover presta su voz en la versión original en inglés al
futuro rey. Su currículum incluye trabajos musicales ganadores de premios GRAMMY®®
bajo su nombre artístico, Childish Gambino. “Donald es un cantante increíble
y un improvisador fantástico, que es una de las cosas que me llevaron hacia él”, confiesa Favreau. “Él y yo tenemos raíces
similares en el mundo de la comedia. Donald trabajó con muchos actores con los
que yo también me relacioné en la escena de la improvisación de Chicago, como
el teatro-escuela UCB (Upright Citizens Brigade Theatre) y el mundo de Tina
Fey, por eso sabía que íbamos a compartir un mismo enfoque en lo que a comedia
e interpretación se refiere. Su éxito en innumerables proyectos, con un gran
talento en todas las áreas, sentí que era adecuado. Sabía que Donald le
aportaría dinamismo al personaje en lo que respecta a su compromiso creativo y
que el público quedaría cautivado”.
No fue nada difícil convencer a Glover que hiciera el papel. “Me siento muy conectado con la travesía de Simba”, plantea Glover. “EL REY LEÓN es una historia muy
humana y honesta sobre lo que todos nosotros atravesamos. Creo que la historia
es una manera hermosa de contar que la permanencia no es el objetivo. El objetivo
es estar aquí y ser responsables con el otro y amarnos entre nosotros.
Ocurrirán hechos traumáticos, el objetivo está en no permitir que consuman toda
tu vida. Se puede crecer y aprender de esa experiencia”.
Simba aparece en la historia como un cachorro recién nacido, por
eso Favreau necesitaba convocar a otro actor para darle vida a ese joven Simba.
JD McCrary, que es el artista más joven de la historia contratado por Hollywood
Records, colmó las expectativas. “Es fantástico”, comenta Favreau sobre McCrary. “Tuvimos la suerte de
encontrarlo. Y, además de ser una sensación en YouTube como cantante que ahora
tiene su propio sencillo, colaboró con Donald Glover en un álbum de Childish
Gambino. Cuando le conté a Donald que él participaría, estuvo encantado. Tener
a JD en el papel del joven Simba, y escucharlos cantar a ambos es maravilloso.
Su forma de cantar refleja una tremenda humanidad y personalidad. Me alegra
tener la oportunidad de contar con actores que se conectan de esa manera”.
McCrary, que estaba encantado de obtener este papel icónico, fue
transportado virtualmente a África para estar en el set. “Me puse el visor de realidad virtual y podía
mirar a mi alrededor y ver la Roca del rey y el cementerio de elefantes”, agregó. “Tenía unos controles
pequeños en ambas manos y podía recorrer todo hasta la cima del mundo. Podía
ver todo. Fue increíble”.
NALA se hace amiga de Simba cuando es cachorra. Juguetones,
competitivos, una pareja de iguales: se los ve como una pareja mucho antes de
que ellos mismos se den cuenta.
Nala, una cachorra fuerte y segura de sí misma, se convierte en una leona
poderosa que se preocupa por el futuro de las Tierras del reino. Cuando ella y
Simba se reencuentran, la esperanza regresa a estas tierras castigadas, y Nala,
audaz y determinada, intenta convencer a Simba de cumplir con su destino.
Beyoncé Knowles-Carter fue convocada para darle vida a esta
leona feroz e inteligente. “Si piensas en alguien que
te gustaría que interprete el papel de Nala, en especial las secuencias
musicales, Beyoncé es inigualable”, explica Favreau. “Cuando tienes hijos preadolescentes y adolescentes en casa, es
muy difícil agradarles porque les resultas irritante. Pero tener a Beyoncé en
mi película, sin dudas, me hizo ganar mucha credibilidad en casa tanto con mis
hijos como con sus amigos. Soy un gran fanático de su música, y me resultaba
muy emocionante explorar lo que ella era capaz de aportar”.
“También tiene hijos, y trabajar en EL
REY LEÓN es una experiencia que también puede compartir con su familia”, agrega Favreau. “Hacer estas películas,
que son tan divertidas, te da la oportunidad de compartir experiencias. Los
niños tienen sus opiniones bien definidas, y he tomado muy buenas decisiones en
estas películas familiares porque escuché a mi familia. Definitivamente no
temen decirme lo que piensan sobre lo que pienso hacer”.
Para el papel de la joven Nala, Favreau necesitaba una actriz
que fuera capaz de aportar una gran personalidad tanto a la actuación como al
canto. Allí es donde entra en escena Shahadi Wright Joseph, que representó a la
joven Nala en la producción de Broadway de El
Rey León. “No hubo mucho debate sobre quién interpretaría
a la joven Nala. Desde el comienzo, el papel era de ella. Recordaba de haberla
visto en TV, en Hairspray Live!”.
Al haber representado el personaje en Broadway, Wright Joseph
estaba familiarizada con la joven Nala. “Tiene tanto entusiasmo”, comenta de su personaje. “Es muy inteligente y tan
generosa. Creo que solo quiere compartir sus increíbles cualidades con el resto
del mundo. Me encanta ese aspecto de ella. Genera tanta inspiración”.
TIMÓN es una suricata graciosa que se encuentra con un Simba
afligido después de su huida de la Roca del rey en busca de una vida diferente. Timón y su amigo Pumba acogen a este
cachorro solitario y le enseñan a sobrevivir en su hábitat, donde no hace falta
cazar. Timón no es ningún tonto, sabe muy bien que tener a un león como amigo
puede ser muy útil, aunque este tenga un destino de grandeza.
El comediante y actor Billy Eichner hace la voz original en
inglés de Timón, que había sido interpretado por el legendario Nathan Lane en
la versión original. “Crecí en la ciudad de Nueva York y fui a
innumerables espectáculos de Broadway”, cuenta Eichner. “Nathan Lane era uno de mis héroes de la comedia cuando era niño”.
“Pero preferí no volver a mirar la película”, agrega Eichner. “Toda la película es tan
icónica que pensé que me iba a resultar más difícil darle mi toque personal si
la voz de Nathan comenzaba a resonar en mi cabeza. Lo único que deseo es haber
honrado su trabajo y haber aportado nuevos condimentos, y alguna que otra broma”.
PUMBA es un jabalí que siempre tiene gases y es el mejor amigo
de Timón, la suricata.
Tras los pasos de su compañero, Pumba se hace amigo del joven Simba, tan pronto
dejan en claro que este león no piensa comérselos. Pumba, cuyo nombre significa
“tonto” en suajili, tiene un gran corazón y un
alma sensible.
Favreau
eligió a Seth Rogen para que le diera vida a este adorado jabalí. “Ansiaba en secreto conseguir este papel”, revela Rogen. “Cuando Jon me escribió por correo
electrónico y me preguntó: ‘¿Te gustaría interpretar a Pumba?’. Le contesté: ‘¡Totalmente!’”.
Con su experiencia en improvisación, Favreau llegó a las
grabaciones de Rogen y Eichner, quienes tienen a su cargo gran parte de la
comedia de la película, con un gran nivel de entendimiento. “Por naturaleza, los comediantes son exigentes con ellos mismos”, explica Favreau. “Suelen ser un poco más
pragmáticos porque están acostumbrados a un gran éxito o un gran fracaso. Ya
sea que estés trabajando en un standup
o en una película que está a punto de estrenarse, todo se trata de cómo lo
comuniques, hacer reír al público y obtener una respuesta directa de la
audiencia. Te haces susceptible a eso. Por eso, fue tan bueno para mí haber
comenzado en el escenario porque allí obtienes un sentido del ritmo inherente
de lo que es entretenido. Sabes cuando las secuencias divertidas están
funcionando o no. Tienes una respuesta inmediata y lo puedes corregir. Billy y
Seth tenían esta actitud de ‘probemos otra’ o ‘repitamos la escena, tengo una idea’. Eso fue divertido y se sentía fresco, nuevo y diferente”.
MUFASA
es el rey inteligente y capaz de la Roca del rey, y padre de Simba. Mufasa es
el compañero gentil y amoroso de Sarabi, y siempre está listo para divertirse
con su pequeño cachorro. Está dispuesto a enseñarle a Simba todo lo que sabe
con la esperanza de que su hijo, algún día, dirija los destinos de las Tierras
del reino con compasión e integridad. Mufasa es un ferviente defensor del ciclo
de la vida y sabe que no vivirá para siempre. Su devoción por su familia y su
reino no tiene límites.
Según
el guionista Jeff Nathanson, el vínculo entre padre e hijo —y la sabiduría que imparte Mufasa—
era un hilo
fundamental de la película. “Mufasa le dice a Simba: ‘Mientras otros buscan lo que pueden
tomar, un verdadero rey busca lo que puede dar’. Este tema se refleja en toda nuestra
película”.
James Earl Jones vuelve a
prestar su voz a Mufasa en la versión original en inglés. “Cuando tuvimos que asignar el papel de Mufasa, James Earl Jones
era tan eterno que era imposible visualizar a otro actor en ese papel”, comenta Favreau. “Se trata del mismo personaje, el mismo hombre, pero James le
regala a Mufasa una visión algo diferente porque esta es otra etapa de su vida”.
La emotiva historia todavía
conmueve a Jones. “Es una historia sobre la relación universal de
padre e hijo”, afirma Jones. “La escena en la que muere
Mufasa y Simba intenta despertarlo me conmovió muchísimo. Estaban apenas
comenzando la relación más importante de sus vidas y, de repente, quedó
incompleta”.
SARABI es la esposa fuerte y
sofisticada de Mufasa, la adorada y sensata madre de Simba, y la respetada
reina de la Roca del rey. Al lado de todo gran león, hay una gran leona. Favreau aclara: “En la cultura del mundo
de los leones, las leonas ocupan un lugar esencial. Una actriz tan maravillosa
como Alfre Woodard, que hizo la voz original en inglés de Sarabi, le aportó
seriedad al personaje, la sensación de que es de la realeza, la reina y
compañera de Mufasa”.
Según Woodard, el enfoque
de Favreau dejará asombrado al público. “Nuestra mirada y nuestros
sentimientos adquieren un tono refinado en términos de lo que es posible y de
lo que se hace norma”, relata la actriz. “Sin dudas, los más
pequeños estarán fascinados. Pero para todos los que ya somos más grandes, no
sabíamos que se podía generar ese tipo de realismo en una película. Es lo que
aún puede sorprenderte. Es como probar helado por primera vez”.
ZAZÚ
es un toco de pico rojo y la mano derecha de Mufasa, por así decirlo. Es los
ojos y oídos del reino, se encarga de transmitir las buenas y no tan buenas
noticias del día. Su lealtad alcanza al pequeño Simba, aunque este leoncito
demasiado seguro de sí mismo no aprecia tanto como Mufasa los servicios de
Zazú.
Favreau
eligió a John Oliver para darle vida a esta entrometida ave. “Creo que Zazú es básicamente un ave a
la que le gusta el orden”, opina Oliver. “Solo quiere que todo sea como debe ser. Creo que hay ecos
británicos allí porque nosotros solemos favorecer la estructura en lugar de
reaccionar de manera emocional a cualquier suceso”.
RAFIKI es el sabio primate chamán y
consejero real de Mufasa. Está allí cuando nace Simba y también cuando el
futuro rey se encuentra en una encrucijada. Su risa, caracterizada por aires de
sabiduría y extravagancia, es desconcertante y contagiosa a la vez. Este
personaje fue el elegido para hacer una prueba piloto que mostraba el potencial
de la nueva técnica que estaban desarrollando los realizadores. “Estoy seguro de que, si tomaras la
prueba que se hizo con Rafiki y se la mostraras a la audiencia, dirían que se
trata de un video de un babuino de verdad”, comenta el productor Jeffrey Silver. “Si no hubiera sabido que estaba viendo
una prueba, me podrían haber engañado”.
El actor, director y
guionista sudafricano John Kani da su voz en la versión original en inglés a
este atractivo personaje. “Todos tienen un abuelo
que significaba muchísimo para ellos cuando eran pequeños”, explica el Dr. Kani. “Rafiki hace que todos
recordemos a ese pariente sabio y especial. Su sabiduría, humor y lealtad a la dinastía de
Mufasa es lo que hace que nos agrade. Siempre está feliz y hace bromas como
lecciones de vida y supervivencia”.
Según el guionista Jeff
Nathanson, crear el personaje de una forma más real no fue tarea fácil. “Rafiki presentó muchos desafíos —afirma Nathanson—, como la forma en que dibujaría la imagen de Simba cachorro en
el árbol. En nuestra realidad, esto sería imposible. Así que fue divertido
sentarme con Jon y su equipo para intentar resolver estos acertijos y, luego,
ver cómo pasaban de ser simples dibujos de desarrollos secuenciales a imágenes
totalmente producidas”.
SCAR
es el hermano ignorado y subestimado del rey Mufasa. Siempre creyó que era el
justo soberano de las Tierras del reino, si tan solo su hermano, de una nobleza
irritante, se hiciera a un lado. Cuando nace Simba, los sueños de Scar se
alejan todavía más. Por eso, este tío desdichado trama un plan para deshacerse
de Mufasa y del pequeño cachorro con la ayuda de sus secuaces, las hienas. Hay
un buen motivo por el que Scar nunca debió ser el soberano de la Roca del rey.
Chiwetel Ejiofor fue
seleccionado para interpretar a este tío malvado. Para Favreau, la
interpretación de Ejiofor es única. “Chiwetel Ejiofor es un
actor fantástico que nos trae un poco la cadencia del inglés transatlántico y
una nueva mirada del personaje”, cuenta el director. “Aporta la sensación de villano shakespeariano por su experiencia
como actor. Es maravilloso contar con un actor tan experimentado como Chiwetel,
le da un soplo de vida maravilloso a este personaje”.
Ejiofor ciertamente
disfrutó de este papel. “Scar es un personaje malvado y complejo, y,
por eso, muy divertido de interpretar”, explica. “Su vida no tiene nada de rutinaria. Quiere poder. Lo quiere
todo. Y no hay nada que no haría para conseguirlo. Traspasará todos los límites
y hará absolutamente todo lo que haga falta para alcanzar su objetivo. Su
personaje está escrito con astucia y un poco de picardía. Eso lo hace tan
interesante y divertido de abordar”.
“Todos los personajes tienen un desarrollo increíble”, agrega Ejiofor. “Son grandes héroes y
grandes villanos. Es una historia maravillosa con un sentido verdadero de
conciencia social en su corazón, y estos personajes te invitan a embarcarte en
un viaje emocional, complejo y extraordinario”.
LAS
HIENAS son las aliadas y soldados malvadas de Scar. Aunque le temen a Mufasa,
con su rugido intimidante e impresionante, las hienas no tardan en aliarse a
Scar cuando este les promete el prestigio y el respeto que anhelan. Los realizadores decidieron que el enfoque de las hienas
sería único en la nueva versión de la película. Favreau explica: “Dada la naturaleza fotorrealista de la película, tener una
mirada muy cómica de las hienas no coincidía con lo que estábamos haciendo. Por
eso, optamos por interpretaciones y textos que se basaran más en el interés de
la historia en lugar de en la comedia. Quisimos subir la apuesta con Shenzi y
darle ciertos momentos cómicos con Azizi y Kamari”.
SHENZI
es la líder de la manada. Shenzi, que significa “salvaje” en suajili, haría cualquier cosa por
ganar poder. Florence Kasumba fue convocada para hacer la voz original en
inglés del ambicioso personaje. “Shenzi quiere poder”, comienza Kasumba. “Ella entra en una habitación y todos se
quedan callados, le tienen miedo. Pero no se siente a gusto con su vida. No
percibí eso cuando vi la versión animada original. Esas hienas eran graciosas.
Estas son peligrosas”.
“En el papel de Shenzi, Florence le aporta una calidad
maravillosa”, destaca Favreau. “Su voz tiene una textura
hermosa, y ella tiene una concentración increíble. Nos dio un punto de partida
fantástico para construir a partir de allí”.
AZIZI
no adhiere al espíritu malvado de su manada. Las sutilezas, las metáforas y el
sarcasmo suelen pasar inadvertidos para él. Eric
André fue el elegido para darle vida a Azizi. “Me encanta interpretar cualquier
personaje que me permita reír a carcajadas”, explica. “Mi personaje entiende todo de manera literal y no comprende el
sentido figurado de las expresiones”.
KAMARI,
por el contrario, es inteligente e impulsivo. Su ingenio es tan filoso como sus
dientes. Keegan-Michael Key interpreta a Kamari y acompaña a la perfección al
Azizi de André. “Kamari siente que es el segundo al mando”, describe Key. “Piensa rápido y entiende cómo funciona
el sistema. Es un soldado leal de la causa de las hienas y le tiene mucha
paciencia a Azizi”.
Favreau explica: “Keegan-Michael Key y Eric
André tienen experiencia en la improvisación y en la comedia. Ambos son grandes
actores y se involucran en las historias. Al tenerlos juntos explorando e
improvisando, es como sazonar a gusto. Descubrimos cuánto humor podíamos
incorporar y en qué medida”.
Por sobre todas las
cosas, Favreau estaba decidido a permitirles a los actores adueñarse de los
personajes y de la historia, que, en última instancia, no era una tarea
difícil. Key comenta: “Creo que la razón por la que EL
REY LEÓN ha perdurado de esta forma es porque la historia nos inspira
de modo personal. Cuanto más personal, más universal se vuelve la historia”.
“Disney está contando una historia sobre madurar y convertirte en la persona que estás destinada a ser”, continúa Key. “Creo que es eso lo que resuena en las personas. Simba descubrió lo que debía hacer. Reconoció y aceptó su derecho de nacimiento. Como ciudadanos de este mundo, la raza humana conforma un gran rompecabezas, y cada uno de nosotros es una pieza única”.
Los realizadores viajaron a la sabana
africana para obtener referencias de la vida real y lograr un enfoque
fotorrealista
EL REY LEÓN, de Disney, dirigida por Jon Favreau,
lleva al público a la sabana africana, donde nace un futuro rey. Pero, antes de terminar el guion, antes de reunir al
elenco y antes de poder diseñar los sets
digitales, los realizadores se comprometieron a asegurar la autenticidad y
credibilidad de las criaturas y los hábitats que se crearían para la película.
“Investigamos muchísimo”, asegura Favreau. “Para que esta película pareciera fotorrealista, tuvimos que
asegurarnos de hacer bien todo. Lo bueno de la película de 1994 es que también
investigaron mucho en ese momento. Y, si bien es en 2D y estilizada, igualmente
puedes ver y comprender de dónde partían los dibujos. Intentamos volver al
material original y miramos los lugares que exploraron. Eso es lo bueno de
estar en Disney: tienes acceso a todo este material”.
La investigación tomó
varias formas y comenzó con estudios intensos de imágenes y películas. Los
realizadores miraron documentales que capturaban la migración de los animales
en África, entre otros fenómenos. El equipo fue invitado a Disney’s Animal Kingdom para estudiar a las estrellas de su película de
cerca (leones, hienas y jabalíes, entre otros) y lograr capturar sus
comportamientos y particularidades reales. Quizás el punto destacado de sus
esfuerzos fue un viaje de dos semanas a África, que demostró ser invaluable
para lograr los detalles que necesitarían para llevar el mundo de EL
REY LEÓN a la pantalla grande de una manera totalmente nueva.
DISNEY’S ANIMAL KINGDOM
Los realizadores trabajaron con el
Departamento de Ciencia Animal de Disney’s Animal Kingdom en Orlando, Florida,
para establecer un sistema de cámaras no invasivo a fin de grabar cerca del 75%
de los animales que estarían representados en la película. Luego, las imágenes
capturadas les servirían de referencia a los animadores de MPC Film.
También grabaron a los leones y otros
animales que habitan Disney’s Animal Kingdom para agregarle vocalizaciones auténticas a
la película. El equipo de sonido viajó al zoológico de Magdeburgo, Alemania,
para grabar audios de leones cachorros y, así, poder capturar el rugido de
Simba bebé, que cambia la trama.
Para experimentar el
mundo de EL REY LEÓN y sus habitantes salvajes, los realizadores
necesitaron viajar al segundo continente más grande del mundo, hogar de Kenia y
una enorme cantidad de hábitats con muchos animales. Favreau hizo un safari por
África seis meses antes de reunirse con Disney para hablar sobre EL
REY LEÓN. Durante ese viaje, se dio cuenta del impacto que tenían la
historia y los personajes sobre las personas de todo el mundo. Para honrar la
historia y el lugar donde transcurre, Favreau quería encontrar la manera de
transportar al público a la sabana para que experimente su majestuosidad. Pero
antes, tendría que enviar al equipo de producción.
“Jon Favreau nos envió en una misión a
África”,
cuenta el productor Jeffrey Silver. “Nos dijo: ‘Que se vea real’. Él quería que todo lo que se viera en la película tuviera
origen en la vida real. Sentía que, si empezábamos a mejorar la realidad,
empezaríamos una bola de nieve hacia una película poco creíble, sin emoción y
con la que las personas no podrían identificarse. Nuestra misión era mantener
todo lo más natural posible: las especies correctas, los colores de las rocas
correctos, la luz del amanecer y anochecer correctos, el cielo de noche
correcto, los tipos de plantas correctos”.
Entonces, a principios de 2017, trece
miembros clave del equipo de Favreau se embarcaron en un safari de dos semanas
para explorar Kenia con el objetivo de observar de primera mano el entorno
natural y los animales de las Tierras del reino, el escenario principal de EL
REY LEÓN. En el transcurso del viaje, el equipo observó todas las
especies de animales que formaron parte de la película original, visitó toda la
región de norte a sur, se hospedó en cinco alojamientos, usó tres helicópteros
diferentes y seis camionetas para safari. Necesitaron más de una tonelada de
equipos fotográficos para capturar la increíble cantidad de 12,3 TB de
fotografías.
Los miembros del equipo que viajaron a
África obtuvieron información valiosa e inspiración. Entre los asistentes, se
encontraban el diseñador de producción, James Chinlund; el director de
fotografía, Caleb Deschanel; el supervisor de efectos visuales, Rob Legato; el
supervisor de efectos visuales de MPC Films, Adam Valdez; y el supervisor de animación,
Andy Jones. “Andy pudo observar el comportamiento real de los leones en
su entorno natural”, dice la productora Karen Gilchrist. “Tenemos un video de referencia que
filmó de un león bebé. Nos gustó cómo caminaba el cachorro; se notaba todo en
su forma de andar, cuán llena estaba su barriga, el espesor de sus patas e,
incluso, la cantidad de moscas que le sobrevolaban”.
Según Jones, el equipo preparó el viaje
de investigación mirando muchos documentales. “Pero estar allí me abrió los ojos a
muchísimas posibilidades diferentes”, afirma. “Desde Masái Mara hasta el parque nacional de Amboseli y el
de Samburu, todos son terrenos variados y climas diferentes. Es increíble lo
extremas que pueden ser las temperaturas y lo seco que es por momentos. Los animales
aprenden a lidiar con todo eso y sobrevivir. Es realmente sorprendente”.
El productor Jeffrey Silver agrega: “Andy se convirtió en nuestro Dr.
Dolittle. Salió a buscar a cada animal bajo el sol, se despertaba al amanecer y
grababa hasta el anochecer, filmó rinocerontes, leones y cebras, y estudió la
forma de caminar de los animales y sus patrones de pastoreo y movimiento. Fue
una experiencia verdaderamente maravillosa para Andy ver tan de cerca a estos
animales, que luego influyeron tanto en la animación”.
Los realizadores se esforzaron por
capturar detalles que los ayudaran a lograr un mundo creíble y auténtico, no
perfecto. Silver comenta: “Queríamos el ejercicio de poner un lente en el paisaje
sabiendo cuáles eran los desafíos, así, cuando lo trajéramos a Los Ángeles,
podríamos capturar cómo es realmente en el mundo real con todos los desafíos
del mundo real. Si haces una película digital perfecta, le quitas la esencia.
Queríamos devolverle esa imperfección visual; el polvo y el aire, los destellos
del sol, todo lo que filmamos en África a modo de prueba nos sirvió de
información cuando creamos la película de forma digital”.
Los objetos de sus filmaciones les
dieron, tal vez las lecciones más importantes. Deschanel opina: “Lo extraordinario de Kenia es la
variedad de paisajes que tiene: desde la arena del desierto hasta las
increíbles montañas, lagos y arroyos, y la vegetación más hermosa y exuberante.
También hay, obviamente, la más extraordinaria variedad de animales salvajes
que puedas imaginarte. Fue una verdadera revelación”.
Chinlund fue a África con un objetivo
importante. “Jon [Favreau] está comprometido con transmitir la verdad de
África”,
dice Chinlund. “Creo que mi obligación era salir y ver qué partes del mundo
servirían para la historia”.
Silver agrega: “Él debía volver y crear el rompecabezas
que es la Roca del rey, las Tierras del reino, el exilio y el cementerio de
elefantes; todo armado a partir de fragmentos de lo que vio y experimentó en el
safari”.
Para Valdez, fueron los animales los
que más los impresionaron. “Tuvimos la suerte de poder sobrevolar todo en helicóptero.
En el norte, vimos camellos en el desierto, en lechos de lagos secos y
agrietados. En el sur, estaban las verdes planicies de Masái Mara. Todo es muy
diferente, pero había animales en todos lados, entremezclados con la población
humana. No importa la altitud o el tipo de paisaje, hay animales haciendo lo
suyo.
“Queríamos retratar a nuestros
personajes de la forma más natural posible”, continúa Valdez. “Si haces bien todos los detalles
pequeños, funcionan bien. Así que los observábamos desde el amanecer hasta el
anochecer”.
Según Valdez, el viaje les reveló lo
que se convertiría en uno de los desafíos y oportunidades más grandes para la
película. “Captar
el cielo africano es complicado”, explica. “Es muy dinámico y cambia segundo a segundo. Hay que
considerar el viento y el ángulo del sol, y es un sol ecuatorial brillante. La
atmósfera cambia según la hora del día”.
Si bien África fue, por lejos, la mayor
fuente de inspiración para los realizadores, ellos no temieron aprovechar zonas
más cercanas a sus hogares para visualizar el viaje de Simba de forma más
dinámica y convincente.
INSPIRACIONES:
LAS TIERRAS DEL REINO
Masái
Mara, en Kenia, que es parte del parque nacional Serengueti, fue la inspiración
para las Tierras del reino. Los realizadores fotografiaron praderas icónicas y
acacias, y también los cielos, que están en constante cambio. Entre los
animales había leones, leopardos, guepardos, ñus, búfalos cafre, cebras y
antílopes.
Los
montes Chyulu, en Kenia, son una cordillera que se encuentra en el sudeste del
país y que tiene praderas y bosques montañosos. La Roca del rey de la película
se inspiró en las formaciones de piedra encontradas allí.
Borana,
en la región norcentral de Kenia, sirvió de referencia para la zona que rodea
la Roca del rey.
Challenge
Beach, en Kenia, sirvió de referencia para los abrevaderos dentro de las
Tierras del reino.
Las
tobas del lago Mono, en California, proporcionaron una referencia
extraordinaria para el cementerio de elefantes.
Las
áreas geotérmicas de Dallol, Etiopía, fueron muy inspiradoras, pero
inaccesibles debido a los gases tóxicos que emanan. Entonces, los realizadores
visitaron el parque nacional de Yellowstone, en Wyoming, para fotografiar las
áreas geotérmicas.
LA ESTAMPIDA DE LOS ÑUS
El
cañón de Sesriem, en Namibia, fue una referencia perfecta para la escena
dramática de la película en la que Simba practica su rugido. El estrecho cañón
tiene casi un kilómetro de largo y 30 metros de profundidad.
EL ESCAPE DE SIMBA
Sossusvlei, en el desierto de Namib, en Namibia, y sus
espectaculares dunas sirvieron de referencia para la zona en la que se
encuentra Simba cuando se va de las Tierras del reino. Turkana, en Kenia, también sirvió como
inspiración.
El
monte Kenia, con su enorme flora, les ofreció a los realizadores el aspecto de
bosque nublado que necesitaban para que Simba creciera junto a Timón y Pumba.
Los lagos del lugar fueron la referencia perfecta para que Simba viera reflejos
de Mufasa.
Las
cataratas de Aberdare, incluidas las cataratas de Karuru —las más altas de Kenia—, sirvieron de referencia para el
regreso de Nala a la vida de Simba.
Según el supervisor de efectos
visuales, Rob Legato, la experiencia transcendió las necesidades de la
película. “Hay
algo espiritual en África”, cuenta. “Hay algo sobre el colectivo de la naturaleza, sobre cómo se
equilibra, cómo se comporta una criatura y cómo los demás animales o se
alimentan de ella o crean algo que permite funcionar a la ecología del lugar.
Nos dimos cuenta de que hay un gran diseño en algún lugar. No puedes terminar
un viaje como este sin una sensación espiritual sobre la cuna de toda la vida”.
BUENAS IMÁGENES
Los realizadores crean un mundo impactante inspirado en lugares
de la vida real que rinden homenaje a la película original
El objetivo del extenso
viaje de investigación a Kenia fue, sin lugar a dudas, captar la majestuosidad
y la belleza del paisaje, así como sus condiciones difíciles y, a veces, hasta
despiadadas. La película requería la creación de diversos entornos variados,
como las Tierras del reino lideradas por Mufasa, el cementerio de elefantes que
exploran Simba y Nala, el imponente cañón donde se produce la estampida de cientos
de ñus, el desierto y el bosque nublado hacia donde escapa Simba, y, por
supuesto, la Roca del rey, a la que el director de fotografía, Caleb Deschanel,
llama “el pilar de toda la historia”.
Según el diseñador de
producción, James Chinlund, fue importante que los realizadores pudieran partir
de la realidad para crear los entornos de la película. “Desde el comienzo,
nuestro objetivo fue crear un mapa del mundo que tuviera cohesión. Para ello,
nos aseguramos de que la ubicación de las Tierras del reino fuera coherente en
relación con el bosque nublado y con el cementerio de elefantes. Queríamos que
el espectador se sintiera seguro y anclado en un sentido estable de la
geografía”.
Todos los lugares tenían
que apoyar y respetar la narración de la historia, y, al mismo tiempo,
incorporar el estilo fotorrealista que promete diferenciar la película de
Favreau del clásico de 1994.
“Gran parte de la nueva tecnología es procedimental. Utilizas una
herramienta para poblar la sabana con los elementos o para crear texturas que
se repetirán y que, luego, podrán aplicarse en todos lados”, explica la supervisora de sets
de MPC, Audrey Ferrara. “Sin embargo, igualmente necesitas el ojo
humano para mantenerlo en orden porque puede complicarse rápidamente. A veces,
lo tienes frente a los ojos y te preguntas: ‘¿Es realidad o animación?
Realmente no distingo la diferencia en este momento’”.
Tanto artistas como
técnicos crearon y poblaron los entornos con vegetación auténtica de África,
montículos de termitas, peñas y tierra, elementos variados que tuvieron que ser
dibujados, modelados, duplicados, posicionados, iluminados y renderizados para
la versión final de la película.
ROCA DEL REY
La Roca del rey es un
lugar icónico que se encuentra arraigado en los recuerdos y los corazones del
público desde 1994. Por este motivo, los realizadores se propusieron crear una
versión que le hiciera justicia. Chinlund comenta: “En la película original,
la Roca del rey es una torre de roca en el medio de un enorme paisaje cubierto
por vegetación, totalmente desprovisto de colinas u otras rocas. Al construirla
en el mundo animado, nuestra preocupación era de dónde provenían esas rocas”.
La pregunta sirvió de
puntapié inicial para Chinlund y su equipo. “¿Cuánto más terreno, roca
o paisaje podíamos agregar para que la Roca del rey resultara familiar, como la
Roca del rey que conocemos y amamos, pero que, al mismo tiempo, estuviera
respaldada por la geología y el terreno a su alrededor para que el público la
aceptara visualmente? Si ves una formación rocosa en el medio de un paisaje
vacío, tus ojos harán sonar una alarma de inmediato porque algo no se siente
del todo bien. En general, mucho de lo que hicimos en esos espacios implicaba
intentar captar la calidad romántica de la película original sin dejar de lado
cierto fundamento en la realidad”.
“Por eso, encontrar una
manera de ubicar la Roca del rey en el terreno que resultara familiar y también
real fue todo un desafío”, continúa Chinlund. “Nuestras Tierras del
reino y la Roca del rey son amalgamas directas de cosas que vimos en Kenia. De
hecho, algunas rocas del paisaje provienen directamente de escaneos reales de
rocas que encontramos en Kenia, y el manantial está basado en un lugar que
encontramos allí. Las texturas, los colores y las características de la roca
que representa la Roca del rey se basaron directamente en formaciones rocosas
de Kenia”.
EL TOQUE MÁGICO
Los realizadores crean una técnica totalmente nueva combinando
técnicas de acción real con herramientas de realidad virtual e imágenes
digitales fotorrealistas
El director, Jon Favreau, dirigió el
éxito de taquilla de 2016 EL LIBRO DE LA
SELVA, que ganó el Óscar® a Mejores
Efectos Visuales. Los resultados deslumbrantes de la tecnología utilizada en
esa película motivaron al director a aspirar a más con EL REY LEÓN. “Teníamos a nuestra disposición la
tecnología que, en manos de los artistas, podía presentar a estos personajes
como si fueran animales de verdad”, cuenta Favreau, quien se propuso crear entornos y
personajes que se vieran y se sintieran reales. “Quería hacerlo de esta manera porque
estaba convencido de que el público no quería ver una versión tradicional
generada por computadora de EL REY LEÓN. La película animada
original aún se ve increíblemente bien”.
“Me pareció interesante que, a pesar de
que el público aprecia tanto la película animada, aceptara con tanto entusiasmo
la aclamada obra de teatro”, continúa Favreau. “La historia de la obra de teatro no se
apartó demasiado de la película animada. Creo que el público la aceptó porque
se trataba de una interpretación en un medio totalmente nuevo. Parte de nuestra
responsabilidad aquí era presentar esta versión en incluso otro medio nuevo,
contar la historia de un modo completamente distinto y hacer que la experiencia
se sienta diferente, aunque nos apeguemos a lo que es en realidad una historia
atemporal”.
Combinar
una historia excelente con innovación técnica es un sello distintivo de Walt
Disney, a quien Favreau admira desde siempre. “Se convierte en un enigma de cómo
colmar las expectativas de todo el mundo y, a la vez, sorprenderlos. Sentí que
debía usar el enfoque que Walt Disney siempre usó: apelar a las emociones. De
esta manera, te abres camino ante muchas miradas inquisidoras. Si puedes
conectar, si puedes hacer que el público sienta algo, apagas la parte crítica.
Apela a la parte inmersiva, empática, emocional, que, para mí, es el aspecto
clave de la experiencia cinematográfica. El otro truco que Walt usaba con tanta
eficacia era mantener una curiosidad constante, explorar tecnologías de
vanguardia”.
La idea era dejar al público
preguntándose qué fue exactamente lo que vio. ¿Es una animación? ¿Es real?
Favreau afirma: “Nos propusimos crear algo con estos arquetipos míticos que,
a la vez, se sintiera natural, hermoso y real. Miramos muchísimos documentales
de la naturaleza para ver lo hermoso que podía verse todo y lo artístico que
es, al fotografiar y editar cuidadosamente la naturaleza con buena música,
crear historias con imágenes de un documental”.
El enfoque por capas que eligió Favreau
para hacer la película incluyó una combinación asombrosa de técnicas
cinematográficas tradicionales de acción real, herramientas de realidad virtual
de vanguardia y animación generada por computadora del más alto nivel. El resultado
final fue un aspecto totalmente creíble y fotorrealista que transportará al
público a las Tierras del reino.
Junto a Favreau trabajaron Rob Legato,
supervisor de efectos visuales tres veces ganador del Óscar® ; Ben Grossman,
supervisor de producción virtual ganador de un Óscar® ; Andrew Jones,
supervisor de animación dos veces ganador del Óscar® ; James Chinlund,
diseñador de producción; y el director de fotografía Caleb Deschanel. MPC Film fue una parte
integral del proceso desde el comienzo. Los supervisores de efectos visuales de
MPC Adam Valdez (parte del equipo de efectos visuales ganador del Óscar® por EL
LIBRO DE LA SELVA) y Elliot Newman ayudaron en la elaboración de enfoques
sobre cómo podría hacerse la película. Su equipo de producción virtual trabajó
junto con los realizadores para desarrollar la tecnología de producción virtual
de EL
REY LEÓN.
PRODUCCIÓN
Luego del extenso viaje de
investigación del equipo, Favreau dispuso la producción de EL REY LEÓN dentro de una
instalación sin particularidades construida especialmente para la ocasión
ubicada en Playa Vista, California, un área que, recientemente, comenzó a ser
llamada “Silicon
Beach”
por su industria
de juegos y de alta tecnología.
La instalación era lo suficientemente
grande para albergar todo bajo un mismo techo, incluso un espacio de realidad
virtual. Con dos salas de proyección de vanguardia, llamadas “Simba” y “Nala”, el equipo de Los Ángeles podía
interactuar en tiempo real con el equipo de MPC Film en Londres para trabajar
en conjunto en la revisión de la animación y en los efectos visuales. “En EL
LIBRO DE LA SELVA, iba corriendo de un lugar a otro, y era complicado. Por
eso, concentramos todo y usamos la tecnología como base para que nos diera la
libertad de utilizar el tiempo con más eficiencia y para estar en estrecho
contacto con las personas con las que colaboramos en otros lugares. Allí
también teníamos la caja negra para grabar las interpretaciones, en la misma
sala que usábamos como espacio de realidad virtual, donde exploramos y filmamos
la película. Teníamos distintos sistemas de realidad virtual y una docena de
estaciones de realidad virtual diferentes en toda la zona de estaciones de
trabajo. Buscábamos que se pareciera más a una compañía tecnológica que a un
estudio de cine, así que creamos un ambiente de campus. Hacíamos que
estacionaran al frente los camiones de comida para el equipo o yo mismo
cocinaba arriba”, describe Favreau.
Tsavo Park , Kenya
La productora Karen
Gilchrist declara que la producción en sí era similar a la filmación de una
película de acción real.
“Se sentía mucho como una película
tradicional”,
afirma. “Teníamos
un cronograma de rodaje, un asistente de dirección, un director de fotografía
que trabajaba las ruedas, una dolly
(plataforma móvil para la cámara), una steadicam.
Si bien el diseño de arte y de producción se realizó en un motor de videojuego,
teníamos un departamento de arte y un supervisor de guion. Contábamos con un
sistema de repetición de escenas en video. Salvo por no tener que despertarnos
a las 5 de la mañana y trasladarnos a otro lugar o preocuparnos por el clima,
se sentía muy similar al set de una
película de acción real”.
Producción
virtual
Todo lo que, en última instancia, se
verá en pantalla fue creado en la computadora, pero lejos está de ser una
animación tradicional. Favreau explica: “Donde nos apartamos de la animación,
más allá del aspecto fotorrealista, fue en el momento en que normalmente
operarías los distintos planos de las cámaras en una computadora. Allí
detuvimos el proceso, llevamos toda la filmación a la realidad virtual, y
nuestro equipo de acción real desplegó verdadero equipo de cámaras”.
Legato asegura que este
enfoque único es revolucionario. “Tenemos personas que están estudiando la referencia a los
animales, y los animadores les están dando vida en estas plataformas digitales.
Tomamos un medio digital antiséptico y contamos con estas herramientas una de
las historias más emotivas de nuestra tradición. Esa dicotomía y tensión
subyacente crea muchas oportunidades creativas. Es lo más cercano que podrás
estar a una filmación práctica con una película animada”.
Los realizadores iniciaron la producción con una fase de
visualización previa utilizada habitualmente en la cinematografía animada. El supervisor de animación, Andrew Jones,
y el equipo de artistas crearon secuencias animadas simplificadas para que
funcionara en tiempo real en realidad virtual. Estas
versiones preliminares de los entornos y de los personajes se volvió parte del
sistema de juegos Unity. Favreau comenta: “En lugar de reproducirlo en
la pantalla de la computadora, podíamos entrar al lugar y pararnos al lado de
un león animado”.
Según el director, la producción virtual utilizada en EL REY LEÓN es una extensión de lo que hicieron en EL LIBRO DE LA SELVA. Favreau y su equipo podían ponerse visores de realidad virtual y caminar dentro del set virtual, y así preparar tomas, coreografiar movimientos, ajustar luces, personajes y piezas del set en tiempo real antes de enviar la versión de cada escena a edición.
Favreau relata: “Con EL REY LEÓN, estamos
poniendo literalmente a los realizadores dentro del monitor por medio de un
conjunto de herramientas de propiedad exclusiva que se comunican con el sistema
de realidad virtual HTC Vive y con el motor de juegos Unity”.
Ben Grossman trabaja con Magnopus, una
compañía que ayudó a reunir tecnologías, hardware
y software para crear una plataforma
para el juego de múltiples jugadores de cinematografía con realidad virtual
basada en motores de juegos. “Desde la llegada de los efectos digitales, los realizadores
han luchado por llevar esos elementos visuales al escenario para ver la imagen
completa en contexto”, comenta Grossman. “AVATAR abrió una pequeña ventana a este
escenario, ya que les permitió a los realizadores espiar ese mundo que estaban
creando. EL REY LEÓN da vuelta todo eso y pone a los realizadores —y los equipos que han usado durante
décadas— completamente
dentro del mundo que están construyendo para la película”.
En el motor de juegos, se construyó un
mundo que abarcaba cientos de millas. “Los dispositivos físicos están hechos a medida, y los
equipos tradicionales para cine fueron modificados para que los realizadores
pudieran ‘tocar’
sus equipos —cámaras, grúas, dollies— mientras trabajan en realidad virtual para permitirles usar
las habilidades que han desarrollado por décadas en los sets de acción real”, agrega Grossman. “Ya no tienen que señalar un monitor de computadora por
encima del hombro de un operador; cualquier realizador que haya estado en un set tradicional puede acceder a la
tecnología de próxima generación más sofisticada”.
Según Favreau, la idea detrás de
incorporar lenguaje de acción real en la película era para convencer al público
de que lo que están viendo es auténtico. “Mi generación, las personas que
crecimos con los videojuegos, es muy sensible a la fotografía y las tomas que
se ven totalmente digitales”, explica. “Puedes percibir la diferencia entre un efecto visual que se
agregó a un cuadro de acción real y otro que se generó por completo en una
computadora. ¿Cómo haces para que se vea como si hubiera sido filmado? El modo
en el que se diseñan las tomas cuando son digitales es mucho más efectivo. El
movimiento de la cámara se planifica con anterioridad. Los puntos de corte, de
edición, la actuación, los movimientos de la cámara, todo eso es meticuloso y
perfecto. Pero esa perfección provoca una sensación artificial. No todas las
generaciones de realizadores son igual de sensibles a esto. Con mi grupo de
pares compartimos el mismo estándar: queremos que se vea como algo que fue
fotografiado. Por eso, en lugar de diseñar el movimiento de la cámara como lo
harías en la visualización previa de una computadora, colocamos la plataforma dolly en el espacio virtual”.
“Por este motivo, a pesar de que el
sensor tiene el tamaño de un disco de hockey, lo montamos en una dolly y en el riel de una dolly de verdad”, continúa Favreau. “Tenemos un técnico especializado en dolly que lo va empujando. Este
interactúa con Caleb, nuestro cinematógrafo, quien hace funcionar ruedas
verdaderas que codifican esos datos y mueven la cámara en el espacio virtual.
Hay un montón de pequeñas idiosincrasias para las que nunca tendrías los
recursos necesarios si quisieras incluirlas en una toma digital. Lo mismo puede
decirse del trabajo de las grúas. También para las tomas aéreas”.
Favreau fue el operador de helicóptero
virtual designado en el equipo. “También desarrollamos plataformas nuevas para algo que imita
a una steadicam y algo que imita una
cámara manual estableciendo el peso y el equilibrio adecuados en este equipo”, agrega Favreau.
Legato comenta: “Cuando trabajas con fotografía real, el
cinematógrafo puede distinguir qué operador hizo determinada toma mientras
estás en la sutileza de observar las pruebas de rodaje (dailies). Buscamos heredar todos esos accidentes felices, todas
esas idiosincrasias humanas. ¿Cómo infundes emoción y humanidad? Bueno, eso
proviene de la propia humanidad de las personas que están operando los equipos”.
Si bien Deschanel nunca había filmado
una película creada totalmente dentro de una computadora, su experiencia en la
acción real era exactamente lo que necesitaba este proyecto. “Mi experiencia en fotografía es captar
imágenes de acciones reales”, explica. “En cierto modo, mi trabajo consiste en preservar el realismo
de lo que ocurre normalmente frente a cámara, entender lo que hace la
iluminación y cómo se comporta la cámara”.
“Cuando filmas animales salvajes,
obviamente no tienes idea de lo que van a hacer”, continúa Deschanel. “Para preservar esa realidad para los
animales que creamos dentro de la computadora, queríamos crear esa sensación de
que el operador de cámara se sorprende ante sus acciones. La interpretación es
diferente de lo que se podría haber esperado, y eso provoca un impacto
maravilloso de emoción y entendimiento del personaje”.
Para Deschanel, el viaje a África no
solo recopiló material que luego ayudaría a los artistas a crear personajes
auténticos, sino que también guio el movimiento de las cámaras que imitaría al
mundo real. “Hubo momentos en los que estaba siguiendo a un animal, y me
engañaba. Me equivocaba. Esos elementos terminaron formando parte de la
estructura de cómo hicimos la película”.
Favreau relata: “Por lo general, en las películas con
más tecnología, utilizarían la captura de movimientos para las actuaciones y,
luego, trabajarían las cámaras con herramientas esencialmente digitales porque
eso te da una libertad máxima. Pero nosotros no captamos actuaciones porque se
trata de animales y tiene fotogramas clave. Captamos el movimiento de las
cámaras. Todo nuestro trabajo se enfoca en capturar los datos de las cámaras y
en mostrar que la cámara virtual está siendo operada por personas, y, a la vez,
permitir que el naturalismo de las interpretaciones fluya a partir de la
habilidad artística de los animadores”.
El equipo de animación utilizó los
datos obtenidos durante la producción virtual. Las escenas y las grabaciones
fueron exportadas a edición como archivos de video, y a efectos visuales como
archivos de datos, lo que les brindó una orientación clara a los equipos de
efectos visuales de todo el mundo que diseñaron la estética fotorrealista de la
película. Preservar la mano invisible de los realizadores en todo momento
mantuvo el estilo de acción real de la película.
Animación
Una vez que se completaron las tomas de
cámara y se grabaron las voces, la producción pasó a la fase de animación. Para
el supervisor de animación, Andrew Jones, se trataba de mejorar el pasado. “En términos de realismo, creo que dimos
un gran paso al frente”, opina. “Alcanzamos cierto nivel con el que estaba satisfecho en EL LIBRO DE LA SELVA, pero queríamos dar
un paso más con EL REY LEÓN. Queríamos que los animales fueran más creíbles.
Queríamos tomar una historia hermosa que todos aman y contarla de manera única
y novedosa. Se parece un poco más a un estilo de documental porque no estás
anticipando todo lo que los personajes van a hacer o podrían hacer”.
Los efectos visuales de EL
REY LEÓN estuvieron a cargo de MPC Film, una compañía internacional de
efectos visuales. El supervisor de efectos visuales de MPC, Adam Valdez, cuenta
que llevó a sus hijos a ver la versión de 1994 y que le encantaba la idea de
acercar la historia a una nueva generación. “El lenguaje del tiempo en el que están
creciendo, la sofisticación a la que están acostumbrados en términos de calidad
visual, todo esto significa que es posible revivir historias viejas y hacerlas
accesibles para un público moderno. Si lo piensas desde el punto de vista
tecnológico, ahora podemos crear animales sofisticados y de aspecto muy real”.
“El truco mágico de Jon es tomar la
fascinación de los seres humanos por la naturaleza y representarla de una
manera muy directa, pero elaborada para la narrativa”, continúa Valdez. “No sé si antes se podía alcanzar este
grado de realismo que le permite al público creer tanto. Realmente marca una
diferencia en tu percepción de la historia, en cómo la lees e interactúas con
ella”.
Valdez reitera que los realizadores no
cambiaron la historia, sino que cambiaron las herramientas con las que
trabajaron. “La versión original de EL
REY LEÓN cambia con gran habilidad entre el drama y la comedia, el color y
los sentimientos”, afirma Valdez. “Hay algo en ese tratamiento visual que lo permitía. Cuando
adoptas un enfoque fotorrealista, no es posible cambiar de marcha con tanta
agilidad. Por eso, si bien perdemos algunas de las herramientas originales, las
reemplazamos con otras”.
Un equipo de 130 animadores de 30
países diferentes ayudó a darles vida a los animales de EL REY LEÓN. Cada
personaje, cuyo desarrollo total llevó alrededor de nueve meses, se basó en
arte conceptual, en referencias de la vida real y en los personajes
arquetípicos de la película original. “Se necesitó repensar todo el trabajo para trasladar un
personaje animado a una criatura fotorrealista”, confiesa el diseñador de producción,
James Chinlund. “Ahondar en las investigaciones y en nuestras experiencias de
exploración [en África] siempre fue el punto de partida. Jon [Favreau] y el
equipo encontraban un grupo de imágenes clave que captaba el sentimiento que
estábamos buscando, y eso servía de modelo para los ilustradores de los
personajes. Hicieron dibujos y esculturas en 3D de nuestros personajes, que
pasaron rondas de revisión de Jon y el equipo. Luego, cuando nos acercamos a la
etapa final, hacíamos una impresión en 3D del personaje para una revisión final
con nuestra propia impresora 3D”.
Una vez que se aprobaban los diseños
del personaje, los artistas de MPC le daban forma en la computadora y prestaban
especial atención a la anatomía, las proporciones adecuadas, el pelaje o las
plumas. Para lograrlo, aplicaban texturas y color, les daban tono a los ojos y
se aseguraban de que el movimiento fuera fiel a sus pares en la vida real. El equipo de investigación y desarrollo de MPC, conformado
por más de 200 ingenieros de software,
desarrolló nuevas herramientas de software
para simular mejor los músculos, la piel y el pelaje.
Mientras que el trabajo de crear y animar
personajes auténticos podía basarse en la realidad, hacerlos hablar y cantar
requería otros métodos. “Intentamos inclinar sus cabezas hacia abajo para no dirigir
nuestras miradas directamente a sus bocas”, explica Jones. “Al mismo tiempo, nos
esforzamos para no agregar atributos corporales en lo que respecta a los
movimientos físicos que cada animal es capaz de hacer con la boca. El control
muscular que tenemos alrededor de la boca les permite moverla solo del modo que
podrían hacerlo en la vida real. Allí recurrimos al playback: hacer que las bocas se movieran de una forma que, por
ejemplo, un gato podría hacerlo realmente e intentar producir sonidos que se
adaptaran a esas formas”.
Jones explica que los artistas también
trabajaron para regular la respiración de los personajes con su diálogo. “Contrajimos los músculos
del abdomen y del diafragma para que parezca que el animal expulsa aire de su
boca mientras habla, al compás de determinadas sílabas”.
“En el caso de las leonas, que tienen los cuellos
descubiertos porque no tienen melena, agregamos movimientos particular en el
esófago y en el cuello para vender la idea de que están hablando, mediante el
movimiento de la lengua y de la laringe”, describe Jones.
En total, los artistas de efectos visuales de
MPC Film, con sede en Londres, les dieron vida a 86 especies diferentes para EL
REY LEÓN, desde los personajes icónicos de la película, como Simba,
Nala, Rafiki, Mufasa, Pumba y Timón, Scar y las hienas, hasta las criaturas más
pequeñas de la sabana.
EL REY LEÓN RUGE
La banda sonora original de
la película incluye “Never Too Late”, la nueva canción compuesta por Elton John y Tim Rice, e
interpretada por Elton John; con música del compositor Hans Zimmer
Cuando el director Jon Favreau decidió retomar EL REY LEÓN, sabía que la música de la nueva película tendría que estar a la altura de su presencia y potencia en la primera película. “Solo escuchar esa música te conmueve profundamente”, afirmó Favreau. “Incluso si no conoces la película o la obra de teatro, tiene una fortaleza espiritual. Pero si conoces la película y creciste con esta música, puede evocar la historia en sí de manera repentina e inmediata, así como todas las emociones y los recuerdos relacionados que tienes de tu propia experiencia anterior con EL REY LEÓN o del momento de la vida en el que estabas, tu niñez o los acontecimientos de la vida con que está conectada”.
La música de la película animada de
1994 ganó dos premios de la Academia (Mejor Canción Original y Mejor Música
Original), cuatro premios GRAMMY® y dos Globos de Oro. La banda sonora ocupó el
primer puesto de la lista Billboard de los 200 mejores álbumes durante 10
semanas no consecutivas y obtuvo el disco de Diamante de la asociación
Recording Industry Association of America (RIAA) por la venta de 10 millones de
unidades.
La superestrella ganadora
de premios Óscar® y GRAMMY® Elton
John afirma que su experiencia en EL REY
LEÓN hizo que su carrera avanzara en otra dirección y describe la banda
sonora original como un enfoque nuevo a la música en una película animada. “Las canciones eran más pop”, declara. “‘Can You Feel the Love Tonight’, ‘Circle of Life’ y ‘I Just Can’t Wait to Be King’
eran canciones pop
más tradicionales que combinamos con la hermosa música africana que compuso
Lebo M; en realidad, eso no había sucedido antes. Modernizó todo el producto”.
La película EL
REY LEÓN, al igual que la versión de 1994, presenta música inolvidable
de un equipo galardonado, que incluye a John y al letrista ganador de premios Óscar®
y GRAMMY® Tim Rice, así como música del compositor de bandas sonoras ganador de
premios Óscar® y GRAMMY® Hans Zimmer.
También incluye arreglos vocales y de coro africanos del productor y compositor
sudafricano ganador del GRAMMY® Lebo M (“Rhythm of the Pride Lands”).
Pharrell Williams, cantante, compositor y productor nominado a premios Óscar® y
ganador de premios GRAMMY® (productor de “Hidden Figures”, “Happy”), produjo cinco canciones de la banda
sonora.
La nueva película, que incluirá canciones favoritas como “Circle of Life”, “Hakuna Matata” y “I Just Can’t Wait to Be King”, también presentará canciones originales. Entre ellas, se encuentra la inspiradora “Never Too Late”, escrita por John y Rice, e interpretada por John, que incluye un coro africano. Según John, el mensaje de la canción puede aplicarse a la película y más allá. “Nunca es demasiado tarde para cambiar”, asegura John. “Eso es lo que Simba atraviesa en todo este viaje. Nunca es demasiado tarde para cambiar de idea sobre algo. Puedes mirar tu vida y decir: ‘Tengo que cambiar’. Me sucedió durante mi vida. En 1990, tuve una epifanía. Se trata de tener una epifanía en tu vida y decir: ‘Necesito abordar lo que estoy haciendo desde una nueva perspectiva’”.
MÚSICA
Cuando Disney contactó por primera vez
a Zimmer para que creara la banda sonora de la película de 1994, inicialmente
no le interesó. “Pero mi hija Zoe, en ese momento, tenía 6 años”, recuerda. “Me di cuenta de que nunca había podido
llevarla a un estreno, así que pensé: ‘Lo haré para mi hija’. Pero, luego, me di cuenta de que la
película tenía mucho contenido. Esta historia sobre un padre que moría era
increíblemente conmovedora. Mi padre falleció cuando tenía 6 años, así que tuve
que lidiar con la carga emocional que había guardado bajo llave con mucho
cuidado. En realidad, se volvió una experiencia muy emotiva”.
Al repasar la música de EL
REY LEÓN, Zimmer se dio cuenta de que los temas y la música originales
eran el soporte emocional de la historia. “Me sorprendió que los temas que había
escrito hace tantos años todavía seguían vigentes”, dice Zimmer. “Lo que había hecho hace 25 años —sin saber realmente cómo funcionaba una
película animada—, había escrito temas enormes y épicos. Esta vez, al tener
este aspecto fotorrealista y la dirección de Jon, lo que sucedió fue que lo
abrimos para que los temas pudieran respirar”.
El compositor volvió a convocar a
muchas personas que habían trabajado en la película original, como Lebo M, que
grabó coros en Sudáfrica; el orquestador Bruce Fowler; el director de orquesta
Nick Glennie-Smith; el arreglista Mark Mancina; y varios cantantes del coro,
entre otros, Carmen Twillie (que interpretó “Circle of Life” en la película de 1994).
Zimmer quería un enfoque diferente para la grabación de la música de la nueva película y convocó a la Re-Collective Orchestra (liderada por sus fundadores Matt Jones y Stephanie Matthews), junto con la Hollywood Studio Symphony (compuesta por músicos de estudio que residen en Los Ángeles) y su banda. El objetivo era ensayar y grabar la música como si fuera un concierto en vivo. “Puse 20 asientos adelante para los realizadores, realmente se sintió como si diéramos un concierto. Interpretábamos la música de la película como si fuera una obra, y eso le aportó energía”.
Por su parte, la
versión para Latinoamérica de la banda sonora original de EL REY LEÓN
cuenta con canciones interpretadas por los cantantes mexicanos Carlos Rivera y
Fela Domínguez, quienes le dan su voz a Simba y Nala en la versión doblada al español de la película; e incluye una
versión adicional de la emblemática canción “Ciclo Sin Fin”, interpretada por
la actriz de Disney Channel, Sofia Carson, que solo estará disponible en el
álbum digital.
El álbum digital de la
banda sonora de la película original de Walt Disney ya se encuentra
disponible en plataformas
digitales. A continuación, se incluye la lista de
canciones incluida en la banda sonora original en inglés de EL REY
LEÓN.:
“Circle of Life”/“Nants’ Ingonyama”: interpretada por
Lindiwe Mkhize; las voces africanas son interpretadas por Lebo M; escrita y
compuesta por Elton John y Tim Rice; “Nants’ Ingonyama” fue escrita por
Lebohang Morake y Hans Zimmer; producida por Hans Zimmer; voces producidas por
Stephen Lipson.
“Life’s Not Fair”: Hans Zimmer.
“Rafiki’s Fireflies”: Hans Zimmer.
“I Just Can’t Wait to Be
King”: interpretada
por JD McCrary, Shahadi Wright Joseph y John Oliver; escrita por Elton John y
Tim Rice; producida por Pharrell Williams; coproducida por Stephen Lipson.
“Elephant Graveyard”: Hans Zimmer.
“Be Prepared” (2019): interpretada por Chiwetel Ejiofor; escrita por Elton
John y Tim Rice; producida por Hans Zimmer y David Fleming.
“Stampede”: Hans Zimmer.
“Scar Takes the Throne”: Hans Zimmer.
“Hakuna Matata”: interpretada por Billy Eichner, Seth Rogen, JD McCrary y
Donald Glover; escrita por Elton John y Tim Rice; producida por Pharrell
Williams; coproducida por Stephen Lipson.
“Simba Is Alive!”: Hans Zimmer
“The Lion Sleeps Tonight”: interpretada por Billy Eichner y Seth
Rogen; escrita por Luigi Creatore, Hugo Peretti, George David Weiss y Solomon
Linda; producida por Pharrell Williams.
“Can You Feel the Love Tonight”: interpretada
por Beyoncé, Donald Glover, Billy Eichner y Seth Rogen; escrita por Elton John
y Tim Rice; producida por Pharrell Williams; coproducida por Stephen Lipson.
“Reflections of Mufasa”: Hans Zimmer.
“Spirit”: interpretada por Beyoncé; escrita por Timothy McKenzie, Ilya Salmanzadeh y Beyoncé;
producida por Beyoncé, ILYA para MXM
Productions y Labrinth
“Battle for Pride Rock”: Hans Zimmer.
“Remember”: Hans Zimmer.
“Never Too Late”: interpretada por Elton John; arreglos
vocales y de coro africanos creados y producidos por Lebo M; escrita por Elton
John y Tim Rice; producida por Greg Kurstin; producción adicional de Elton John
y Matt Still.
“He Lives in You”: interpretada por Lebo M; escrita por
Mark Mancina, Jay Rifkin y Lebohang Morake; producida por Lebo M y Mark
Mancina.
“Mbube”: interpretada por Lebo M; arreglos vocales y de coro
africanos creados y producidos por Lebo M; escrita por Solomon Linda; producida
por Pharrell Williams.
Listado canciones
Banda Sonora Original EL REY LEÓN para Latinoamérica:
Ciclo Sin Fin: interpetada por Grizz Piña
Life’s Not Fair
Rafiki’s Fireflies
Yo quisera ya ser un rey: interpretada por Mateo Ramírez Velasco, Regina Tiscareño, Gerardo Alonso
Elephant Graveyard
Listos Ya (2019): intepretada por Pisano
Stampede
Scar Takes the Throne
Hakuna Matata: intepretada por Carlos Rivera, Luis Leonardo Suárez, Sergio Carranza, Mateo Ramírez Velasco
Simba Is Alive!
El león Rey duerme ya: interpretada por Luis Leonardo Suárez
Esta noche es para amar: interpretada por Carlos Rivera, Fela Domínguez, Luis Leonardo Suárez, Sergio Carranza
Maleficent de Walt Disney Pictures sobrepasa las expectativas que tenías antes de verla en el cine.
Hay una experiencia pre y post ver Maleficent en el cine, Disney supo editar tan bien todos los trailers y TV Spots de la película, que la realidad del film se aleja completamente de ellos.
No solo es una historia muy bien contada, la actuación de Angelina Jolie es magnánime, Elle Fanning es increíblemente fresca y todo el cast secundario toma bastante fuerza.
La película no es solo un imaginario mágico, sino una obra de arte. Cada detalle perfectamente cuidado, traído a la gran pantalla por su director Robert Stromberg. Lo explicaremos por partes:
La Dirección de Arte literalmente representa la definición de “Un Cuento de Hadas”, Maleficent es un hada y todo su mundo es mágico. En cada cuadro hay una pintura paisajista cargada de colores, recreada por Gary Freeman y Dylan Cole junto al decorador Lee Sandales.
Desde el diseño de los grandes salones del castillo, el bosque encantado de hadas y la cabaña donde creció Aurora, los diseñadores de producción tuvieron un trabajo arduo junto al director construyendo más de 40 sets para cada secuencia.
Para el hogar del Rey, se puede decir que utilizaron como base el famoso castillo Disney y lo fusionaron con referencias góticas, romanas y victorianas.
Para el mundo de las hadas tenían dos versiones distintas que se complementaban, el día y la noche. No se basaba en quitar color del día cuando cae el sol, sino de revivir los colores en versión nocturna y agregarles elementos de luz.
En el diseño de las criaturas fántasticas del bosque encantado se unió Carey Villegas, como la cabeza del Departamento de FX. Villegas había trabajado anteriormente con Stromberg en Alice in Wonderland.
La película en este departamento se destacó por sobre todos los niveles, no solo en los escenarios de producción se supo utilizar perfectamente el maquillaje de efectos especiales, sino también en el desarrollo de las criaturas mágicas que viven en el bosque; gnomos, un dragón, elfos, lobos, todo tipo de hadas, las clásicas con alitas de colores, las luciérnagas y las mutaciones de árbol.
Pero esto no es todo, la película no se completa sin un maravilloso equipo de Vestuario y Maquillaje, simplemente por caer en la premisa base de que las alas de Maleficent no son animadas sino construídas en físico.
Dirigido por Anna B. Sheppard, desde el diseño de los cuernos, pasando por todo el vestuario a detalle, las prótesis de rostro y terminando en los lentes de contactos pintados a mano especialmente realizados para Maleficent.
Por último hablaremos de la historia, así que si no has visto la película aún, la recomendación es no seguir leyendo.
El guión de Maleficent va de mano de la escritora Linda Woolverton, que también se encargó en su momento de adaptar Alice in Wonderland para Tim Burton.
La adaptación de Maleficent está basada en el cuento original de Sleeping Beauty por Charles Perrault “La Belle au bois dormant” y de la historia de los hermanos Grimm “Little Briar Rose”.
Maleficent no es mala, no es un verdadero villano. Es como decir que la maldad no nace, se hace. Maleficent es simplemente el hada más poderosa del reino, es un espíritu bondadoso desde pequeña que solo se dedica a proteger a su gente. El mundo de las hadas está separado del mundo humano, esto hasta que un niño algo ambicioso trata de robar a las hadas y es aquí donde Maleficent comienza su amistad con quien sería el futuro Rey Stefan.
Pero Stefan no es un príncipe o heredero al trono, la única forma en que puede ganarlo es asesinando a la más potente de las hadas, Maleficent. Es acá cuando la traiciona cortandole las alas y por un corazón roto se convierte en la hechizera villana que todos creemos conocer.
Acá empieza la historia de Maleficent maldiciendo a la única hija del rey, Aurora. Pero el giro hermoso y maravilloso de la historia es que como en el cuento original, Aurora es trasladada al bosque a ser criada y protegida por tres hadas. Mientras que Maleficent desde un rincon escondida la ve crecer y la niña la adopta como su hada madrina protectora, todo esto sin conocer de la maldición ni que supuestamente Maleficent es malvada.
Esta no es una historia romantica en que una princesa se enamora de un príncipe a primera vista, es una verdadera historia de amor. Cuenta que no todo es lo que parece y que los prejuicios que se puedan tener contra una persona solo por ser diferente, pueden llevarla por un camino errado.
Nuevamente Disney se enfoca en los valores que son realmente importantes, entregando una historia hermosa y maravillosa por donde quiera que se la mire.
Maleficent es la nueva obra maestra de Walt Disney Pictures y por eso es la película que ha logrado mayor recaudación en taquilla este verano.
La séptima entrega de la saga de X-Men claramente supera a sus predecesoras: X-Men, X2: X-Men United, X-Men: The Last Stand, X-Men Origins: Wolverine, X-Men: First Class y The Wolverine.
X-Men: Days of Future Past, hasta ahora, es la historia mejor desarrollada a nivel argumentativo. Todo esto lo logró uno de los mejores productores de Hollywood en existencia actualmente, Bryan Singer. En esta oportunidad, Singer no solo se encargó de la producción del film, sino que también lo dirije.
Bryan Singer
Aunque resulta un riesgo de continuidad saltar al pasado, el guión de esta película es preciso en los detalles, todo está muy bien justificado y cada personaje tiene un peso crucial en la historia.
Dicho esto, los personajes, es increíble el repertorio de mutantes que no esperabas ver y aparecen en esta entrega. Sin contar que el cast esta plagado de A-Listers, se juntan los viejos Magneto y Xavier con sus versiones jóvenes, Ian McKellen, Patrick Stewart con Michael Fassbender y James McAvoy respectivamente.
Beast y Wolverine
Wolverine nuevamente juega un papel crucial en la historia, después de todo es el personaje más importante de los X-Men, cuenta ya con dos películas propias y una tercera en camino para 2017.
Adiciones al cast como Peter Dinklage, quien es conocido por su papel ganador de un Golden Globe, Tyrion Lannister en Game of Thrones, hacen que este sea un film que alcanza un nivel nunca antes visto en la saga de mutantes.
Peter Dinklage
Hasta ahora las películas de X-Men habían sido entretenidas, más no interesantes, no al nivel de una trilogía de Batman de Christopher Nolan.
Se puede decir también que en comparación con sus aliadas de Marvel, supera en creces a las dos últimas entregas de Iron Man, la segunda parte de Thor y la primera de Captain America.
La película cuenta con un puñado de secuencias fenomenales, en el que no escatimaron en el uso de FX. Una de las mejores es el rescate de Quicksilver interpretado por Evan Peters (American Horror Story).
El departamento de efectos especiales es enorme, pero aun así, utilizaron muy bien los recursos y no se excedieron a lo Michael Bay.
Bryan Singer es un productor con una extensa carrera en esta área, era de esperarse que supiera hacer buen uso de todos los elementos que incrementan la calidad de un film, sin agotar al expectador.
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Michael Fassbender y James McAvoy sorprenden con el desarrollo de sus personajes, Magneto y el Profesor Charles Xavier respectivamente, en una época decisiva y tortuosa para la raza mutante. El propósito es evitar que el proyecto “Centinela” se desarrolle y extinga a todos los mutantes del mundo en un futuro no tan distante.
Sin duda, X-Men: Days of Future Past es la apuesta más acertada para ver en el cine ahora, es imperdible y merece ser vista en la gran pantalla.
Cuando el ganador del Oscar Robert Stromberg fue apuntado por Disney, para dirigir la adaptación live-action de la famosa bruja Maleficent, tomo la decisión de que esta no sería una adaptación basada en re-diseñar al personaje. Por lo contrario, Stromberg, que ha ganado dos Premios de la Academia en Dirección de Arte, apostó porque Angelina Jolie fuese la viva réplica de la bruja que tantos idolatran.
Para recrear el vestuario y maquillaje de Maleficent, reclutó al mejor equipo que se puede imaginar para este oficio, liderado por Anna B. Sheppard, diseñadora de vestuario (Shindler’s List); Rick Baker, diseñador de maquillaje de efectos especiales (Star Wars); Arjen Tuiten, maquillaje de efectos especiales (Pan’s Labyrinth); Justin Smith, diseñador de sombreros (Pasarela de Stella McCartney); Rob Goodwin, diseñador de calzado couture (Vogue Italia); Manuel Albarran, diseñador de accesorios (Madonna) y Tony G., la maquilladora personal de Angelina Jolie con una extensa carrera en cine.
Rick Baker
Arjen Tuiten
Justin Smith
Rob Goodwin
Anna B. Sheppard
Manuel Albarran
Toni G
DISEÑO DE VESTUARIO
En el proceso para desarrollar el concepto de vestuario y maquillaje, Anna B. Sheppard buscó referencias desde el siglo XV hasta el Renacimiento, el período del arte Francés e Italiano, incluyendo pinturas, dibujos y esculturas.
También se tomo como referencia el look original creado en 1959 para la versión animada del personaje, realizado por Marc Davis, quien diseño los cuernos de Maleficent junto al vestuario estilizado. El resultado del concepto para la versión con Jolie, es una fusión entre el clásico animado y todas las referencias recolectadas por el equipo de Arte. Tomando en cuenta que fue importante resaltar los cuernos y diversas piezas de joyería que cargaba el personaje, brindándole un aspecto único e imponente. Sheppard afirma que las referencias también en cuanto a colores, son estrictamente fieles al vestuario de la versión animada, se quiso mantener el link fundamental entre ambas películas a manera de tributo, una forma de embellecer al personaje.
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A diferencia de muchos actores, Angelina Jolie estuvo completamente involucrada en el diseño y desarrollo del concepto, tanto de vestuario y maquillaje para su representación de Maleficent. Logró transformar el color en el vestuario, a plumas artificiales, cuero y accesorios para lograr el look mucho más oscuro y siniestro.
Shepperd a su vez le dio línea y forma al vestuario, junto a un staff de diseño y arte inigualable.
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MAQUILLAJE DE EFECTOS ESPECIALES
Uno de los primeros elementos creados para el vestuario, fueron los majestuosos cuernos, de la mano del ganador de siete Oscares, Rick Baker. El diseñador se encargó de hacer una réplica digital sobre cómo debían resultar estos cuernos. Baker agrega que se enfoco en los cuernos y orejas, ya que es el caso especial de Angelina Jolie, les interesaba que el rostro destacara sobre todo.
Según los aportes de Angelina en esta etapa de diseño, quería utilizar aplicaciones para lograr el look de Maleficent. Por lo cual Baker desarrollo diversas aplicaciones que se unían y armaban el look por completo. Terminaron confeccionando a mano innumerables sets de mejillas falsas, orejas y cuernos.
Baker creo las aplicaciones de mejillas, nariz y orejas con silicón y rellenas de gel. Lo que dio como resultado que las mejillas de Maleficent se vieran sumamente pronunciadas en el film, a pesar de que las aplicaciones eran bastante pequeñas.
El artista de efectos especiales en maquillaje Arjen Tuiten, es el que se encargaba de colocar las aplicaciones en Angelina Jolie todos los días de filmación. Era sumamente importante que las aplicaciones de mejilla se fusionaran con los huesos de su cara, así seguía naturalmente la línea del rostro y se lograba el efecto. Tuiten empezaba colocándole las orejas desde arriba hasta que llegaba a las aplicaciones de mejillas, para lograr que se mantuviera la linealidad en el contorno del rostro. Este proceso tomaba cuatro horas cada día y Angelina se mostraba bastante paciente.
En la parte de los cuernos, es lo que resulto más difícil de hacer, fue todo un reto. Básicamente porque tenían que ser muy ligeros y fácil de remover, puesto a que no querían verse en la situación de que Angelina tuviera que utilizarlos todo el día de rodaje. Principalmente para evitar accidentes en el set de filmación, como actor te estás moviendo mucho durante el día y no es apto tropezarse con una cornamenta en la cabeza, comentaba Baker. Junto a su equipo esculpieron cuatro diseños de cuernos, todos digitalizados, luego los desarrollaron en físico. De los cuatro escogieron uno que más se adecuaba y efectuaron todo el diseño en torno a esa pieza.
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Para comodidad, los cuernos eran muy ligeros y delgados, creados con resina colada de Uretano. El diseño era una base con la forma de la cabeza de Angelina, en una maxi-forma con los cuernos adaptados a ella. Los primeros centímetros de los cuernos estaban adheridos a la base, lo restante lo adaptaron con imanes. Lo que ayudaba a remover el casco con facilidad entre tomas.
Los imanes protegían a Angelina Jolie cuando le tocaba hacer stunts complicados, por esto si se tropezaba con algo, los cuernos se removían fácilmente. Gracias a ello, les toco hacer muchas réplicas, porque si se caían, se partían. También dentro de esa versión de cuernos, desarrollaron una de goma, así no lastimaban a nadie. El desarrollo de los cuernos a su boceto final encajo perfectamente, su composición de líneas hizo fácil que se les implantaran los imanes para sostenerlos sin que se notara. El equipo creó un total de 20 sets de cuernos de distintos tipos y reemplazos.
Baker también diseño junto a Angelina Jolie el set de lentes de contacto que iban a completar el look de Maleficent. Fueron pintados a mano por un artista que es experto en esa área.
DISEÑO DE SOMBREROS
Posterior a que se confeccionaron los cuernos, se unió al staff el diseñador de sombreros Justin Smith. Se encargó de crear la cobertura de los cuernos y lo que iba a lucir Maleficent en la cabeza. Lo primero que hizo fue fusionar su visión con el diseño de vestuario de Sheppard junto a las referencias de la animación original del personaje, todo esto para lograr un look icónico. Diseño varios bocetos centrándose en el personaje original, que capturaran la tensión amenazadora y mágica de la bruja. Angelina se sentó con Smith para este proceso. Jolie quería algo que cubriera completamente la cabeza, tapando el cabello, pero que no fuera un turbante o algo por el estilo. Así que le tomo un tiempo a Smith desarrollar la idea de lo que querían.
El diseñador sorteó entre muchas telas dispuestas para este fin, terminó utilizando piel de pitón, cuero muy fino y piel de pescado. Basado en ser simple y limpio, con siluetas que involucraban la técnica de envolver la cabeza.
Uniendo sus referencias, especialmente la de Michael Parks, uno de sus artistas favoritos. Tomo muestras de sus técnicas para crear nudos y las fusiono con su estilo, logrando que el resultado fuera sencillo y práctico. Le toco desarrollar de cero varias telas para la construcción de la pieza. La definición era futurista y basada en los animales del bosque encantado.
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Las cuatro versiones de los tocados creados por Smith para Maleficentserían: El Look de Verano, piel de pitón forrando la cabeza; el Look del Bautizo, un turbante de cuero con los cuernos forrados en el mismo material; el Look de Primavera, varias tiras de cuero cosidas para crear un efecto arrugado con laqueado y pintura; y por último, el Look Mantarraya que consiste en utilizar la piel para envolver un lado de la cabeza como especie de turbante.
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DISEÑO DE CALZADO
En el área de calzado, se monto a bordo de la producción el diseñador de calzado couture Rob Goodwin, especialista en cuero. El look de los pies de Maleficent tenía que acoplarse completamente a todo el concepto de vestuario, de una forma imponente con matices oscuros. Angelina ayudo mucho con las referencias históricas para el desarrollo del calzado.
Goodwin se enfoco en trabajar con cuero y combinarlo con plumas, piedras y otros materiales. El objetivo era darle textura al calzado. Los diseños que le resultaron más difícil, fueron los que Angelina iba a utilizar en escenas de batalla. El calzado debía ser formidable y al mismo tiempo elegante. La forma de casco estaba esculpida y cubierta en cuero con apariencia reptil y los detalles continuaban en las botas, los tacones fueron customizados como huesos. Lo que sugería que Maleficent no es humana.
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DISEÑO DE ACCESORIOS
En el departamento de accesorios, Manuel Albarran un reconocido diseñador de joyas y escultor en metales se hizo cargo de esta área.
Albarran se encargó de diseñar los collares, anillos, broches, brazaletes, hombreras y espinas. Su diseño es basado en la naturaleza de Maleficent, muy orgánica, utilizando la mayor cantidad de materiales “verdes” posibles.
El diseñador está acostumbrado a utilizar metales y materiales orgánicos en sus creaciones, para el look de Maleficent se inspiro en arquitectura histórica. Luego invento técnicas nuevas para perfeccionar las piezas y adaptarlas así al diseño completo de vestuario.
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Los materiales que utilizo Albarran fueron varios metales, tales como oro, latón y cobre, piedras preciosas y cristales, diferentes cueros, plumas y otros materiales naturales.
Creo piezas únicas para cada cambio de vestuario, una de las más importantes fue una serie de collares que estaban unidos con las hombreras y la espina dorsal en una sola pieza de cuero, que se sostenía en la estructura base, luego agrego varias pieles y plumas para crear el diseño final. En la pieza habían capas armadas con plumas de pato pintadas a mano, los colores degradando en diferentes tonos de gris entre azules y verdes, lo que conformaba los hombros y espina dorsal, creando un look bastante orgánico. Una silueta femenina y poderosa.
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Albarran también se encargo de crear el traje que Angelina utiliza en la batalla final. Lo más importante del diseño era la movilidad, para que pudiera saltar y desenvolverse libremente en una escena muy agresiva. El peso y balance eran esenciales.
MAQUILLAJE FINAL
El look de Maleficent se completó finalmente con la maquillista personal de Angelina, Toni G. La inspiración fue lograr looks naturales, literalmente basados en la naturaleza. La paleta estaba diseñada en tonos marrones, junto a una variación de colores como: concreto, marrón rojizo, para un contorno más natural, un marrón oscuro más negro carbón para que los ojos salten de forma dramática, con un toque de dorado para resaltar los ojos y los lentes de contacto.
Carbon
Ground
Grey Brown
Concrete
Goldmine
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Los labios rojos resultaron más un reto, ya que Toni tuvo que probar con diversos tonos, hasta que concluyo en un rojo realmente brillante, pigmentado con un poco de brillo. El resultado final fue increíblemente dramático.
Luego de que el artista de efectos especiales Arjen Tuiten aplico las prótesis y les pinto una línea iluminada para equilibrar el rostro, es cuando Toni empieza su trabajo.
La maquillista comenzó iluminando de abajo hacia arriba en forma de triangulo debajo de los ojos, por fuera de las mejillas y la parte inferior de la nariz. Los principios básicos de cualquier maquillaje natural.
Según Toni, los rasgos principales del maquillaje eran las prótesis y los lentes de contactos. Los ojos fueron inspirados en la piedra Labradorita. Una mezcla entre verdes, azules y amarillos degradados.
Por esto la artista decidió no utilizar colores tan fuertes para los ojos, así no perdían protagonismo los lentes, prefirió que el maquillaje no fuera tan teatral ya que se supone que los lentes de contacto son el color verdadero de los ojos de Maleficent.
Las uñas del personaje también tenían un look especial, estaban pintadas por dentro de color negro y por arriba con un tono perlado. Para la escena del bautizo cambiaron el fondo de negro a rojo sangre.
Dale click a las imágenes para agrandarlas Para evitar daños permanentes en la piel de Angelina por el uso de las prótesis con pegamento, Toni aplicaba una mezcla entre aceite de coco y argán para removerlas. Lo que ayudo a que la piel no se irritara por disolventes de pega muy fuertes.
Aun así, lo más complicado del maquillaje fue lograr un equilibrio. Todo se basaba en que Angelina tuviese el outfit completo y el tono de la escena, para lograr equilibrar sus ojos con la emoción que se requería en el momento. Maleficent de Walt Disney Pictures, estrena mundialmente el 30 de mayo y es entonces cuando se apreciará a plenitud, el trabajo de tan grandes artistas del gremio. Este artículo es un análisis técnico realizado por Patricia Vergara con el apoyo de Walt Disney Pictures, para Solo en Cines.
Los creadores de la aclamada serie de HBO, Game of Thrones, se sentaron a responder preguntas bastante reveladoras sobre lo que viene esta cuarta temporada. El estreno es este domingo 6 de abril.
Al pié de la entrevista les dejamos todos los TRAILERS, especiales y TV Spots de la 4ta temporada.
Traumatizaron a todos con “La Boda Roja” ¿Contentos? Dan Weiss: Se siente bien cuando haces sentir a tanta gente mal. David Benioff: Estabamos en Dubrovnik cuando alguien nos mando por mail el video de las reacciones, fue divertido de ver.
¿Qué define a la 4ta temporada para ustedes? Benioff: Siempre es muy difícil cuando tratas de encontrar una oración que unifique todo, porque el show tiene que lidiar con muchos personajes distintos con historias diferentes. Cuando logramos dar con algo que suene bien, es una pequeña síntesis de todo lo que ocurre. Weiss: Mientras hablas, estoy tratando de pensar en un buen resumen.
Lo preguntaremos de esta forma: ¿Qué los emociona de esta temporada?
Weiss: Lo que más nos emociona de esta temporada es lo que da más miedo de esta temporada, y eso es el salto gigante entre ambición y conseguir lo que quieren. Y hay un monton de cosas que nos costaron hacer que preferimos no mencionar. Benioff: En la segunda temporada, tuvimos una gran batalla al final y fue un reto muy grande. Estabamos realmente preocupados de desarrollar una batalla con corte cinematográfico para un programa de televisión, y muchos de nuestros recursos se fueron en esto. Al final, gracias a la dirección de Neil Marshall y las actuaciones, fue uno de nuestros mejores episodios. Pero los otros episodios no se acercaban en dificultad. Esta temporada tenemos una batalla que esperamos sobrepase la de Blackwater- y aun así, probablemente no sea nuestro episodio más grande en la temporada. Hay episodios que resultan un reto, por el tema de los efectos especiales- ni siquiera la cantidad de acciones- pero la complejidad de la acción. Realmente no existe tiempo para calmarse esta temporada, es más intensa que nunca. Hay más acción. La cantidad de efectos que tenemos… El año pasado, sentimos que nos dimos cuenta de esto porque las cosas salieron de acuerdo al plan. En esta temporada nos dimos cuenta que realmente no puedes darte cuenta de todo lo que va a ocurrir.
Usualmente, cuando se salen del libro y añaden escenas que no están en la novela, son diálogos que se conducen solos en torno a como evolucione la secuencia. Pero por lo que hemos escuchado, en esta temporada agregan más acción.
Weiss: Definitivamente, muchas secuencias de acción con piezas que no estaban en las novelas.
¿Sería apropiado referirse a esta temporada como la que tiene más acción? Benioff: Si, esa es la verdad objetiva. Weiss: La mayor cantidad de minutos de acción.
Como lo mencionaron antes, parte de sus escenas favoritas estaban en la tercera temporada. Todavía están sacando material del tercer libro — A Storm of Swords — pero las escenas que citaron antes específicamente- como la liberación de los dragones de Dany y la Boda Roja- están listas. ¿Se vuelve un reto más grande el show ahora que las partes que más anticiparon ya quedaron atrás? Weiss: Nosotros concebimos el tercer libro como la tercera temporada. Pero es más que un compendio de que nuestras escenas favoritas, están en la segunda parte del tercer libro. Entonces está más balanceado de lo que esperabamos. Benioff: Hay escenas de la quinta temporada que estamos empezando a planificar y anticipar. Hay muchas por las que estamos esperando a la próxima temporada. Weiss: Pero la temporada 12 va a ser la real… [Risas]
Siempre les hacemos esta pregunta todos los años, pero pensando en mejorar el show cada año: ¿Tienen confianza de que esta va a ser la mejor temporada? Weiss: No diría que estamos tan confiados. Diriamos más bien que estamos aterrorizados con que no lo sea. Porque está este acuerdo implícito que tienes con la audiencia que mientras- refiriendonos al cast y el equipo- mejore lo que estas haciendo puedes entregar más y más, en términos de personaje, escala y alcance. Es un reto que nos hemos puesto de que cada año el reto es mayor porque la vara sigue ascendiendo. Benioff: Después de la tercera temporada, por la que estuvimos esperando tanto, se siente que todo lo que viene antes de la Boda Roja es anticlimax. Recuerdo cuando desglosamos la cuarta temporada con [escritor] Bryan Cogman, pensamos que podemos lograrlo, se puede sobrepasar la tercera temporada.
¿Le pidieron más presupuesto a HBO para el episodio de la batalla, como en Blackwater? Benioff: Si, no es solo para la batalla. Esta es la temporada con más acción y efectos especiales de todas. Nos toco ponernos de rodillas de nuevo, pero no solo para el episodio de batalla. Los últimos tres episodios son enormes. Necesitabamos ayuda y afortunadamente nos la dieron.
Le dieron a los dragones mayor crecimiento posible esta temporada ¿Cómo son en esta oportunidad? Weiss: Están entrando en su adolescencia. Están teniendo mentes y deseos propios y no les interesa lo que sus madre les tenga que decir. Y es difícil cuando nuestros hijos pesan 680 Kgs. Son bestias realmente masivas. Benioff: Piensen en el cráneo en el que Arya se escondió en la primera temporada- ese se supone que es un dragón completamente desarrollado. Y nuestros dragones aun no se acercan a esto. Para cuando lleguemos al final, en la séptima temporada, ahí tendrán que llegar- suponiendo que sobrevivan.
¿Pueden hablar de la jornada de Daenerys Targaryen? Benioff: Dany la tiene algo fácil — no fácil, pero en términos de conquista — desde que se fue de Qarth. Se las ha ingeniado para conquistar cada sitio por el que pasa, con gran éxito. En el espíritu de los libros, está descubriendo que es más fácil conquistar un país que liderarlo. Weiss: Emilia [Clarke] ha hecho un trabajo realmente impresionante este año y las cosas se le tornan más oscuras. Vamos a ver en el show como le toca lidiar con adversidades que son más problemáticas que el pasado. Se enfrenta con problemas que no pueden ser resueltos con dragones ni ejércitos. Emilia tiene que ir a sitios a los que nunca ha ido con su personaje, y lo ha hecho de forma tan natural y con tanta fuerza, que creemos que la gente se va a sentir conmovida con esto.
Hay un personaje que no hemos visto en los previews: Theon Greyjoy. ¿Qué es lo que traman él y Ramsay Snow? Weiss: Nada bueno.
No puede ser todo tortura. Weiss: No es todo tortura. Benioff: Lugares oscuros. Es difícil tocar este punto sin delatar. Evolucionaron en su relación. Salieron del cuarto de torturas. Weiss: Es la siguiente etapa.
Hemos visto a Tyrion en cadenas en los trailers, entonces sabemos que pasa un tiempo preso.
Benioff: Hemos visto a Tyrion en una celda, algo así como 70 minutos esta temporada. Es mucho. No es un cuarto grande. Obviamente no está bien iluminado. Y nunca pensamos [la cantidad de tiempo] antes que nos lo hicieran notar, porque realmente te atrapa. Son de nuestras escenas favoritas de la temporada, solo dos personas hablando en un pequeño cuarto oscuro. Es un testamento para Peter, que creemos que se ha vuelto mejor y mejor cada temporada, pero esta temporada el salto es aun mayor y ha mejorado. Hemos estado esperando mucho por esta temporada, ya que bastante de la 4ta se centra en Tyrion.
También esta la historia de Arya y The Hound esta temporada… Weiss: Si va a existir algún centro de interés que va a volar la cabeza de la audiencia de hacia una dirección que no imaginaban, iba a ser la relación de Arya y The Hound. Que esta completamente centrada en el poder que [Maisie Williams y Rory McCann] le dan a esas escenas. Maisie es un fenómeno. Y cuando tienes acceso a eso, y eres lo suficientemente afortunado de tenerla en tu show, te aprovechas de ello. Y Rory sigue creciendo cada año con su representación de un hombre que está quebrado en todos los sentidos posibles. Los dos hacen una dupla perfecta. Arya está en un lugar oscuro porque su vida fue arrebatada de ella y está totalmente sumida en odio y venganza. Y tiene un mentor en The Hound.
Y también nos presentan al Principe Oberyn, The Red Viper, que tiene otra agenda y un estilo de vida diferente. Benioff: Es un personaje con el que nunca hemos lidiado y siempre quisimos. Nunca conocimos a un Dornishman. Es un país totalmente distinto. El personaje llega teniendo conflictos con los principales, precisamente por su diferencia cultural. Da mucha curiosidad imaginarse a la amante de Oberyn conversando con Cersei en la boda.
Habrá una aparición de Mark Gatiss (Sherlock) en un episodio esta temporada. Benioff: Estabamos muy emocionados cuando vimos que el estaba en la lista de los que audicionaban para el papel, no sabíamos que era una opción. Esperamos traerlo de vuelta el año que viene.
¿Cuál es la secuencia de la que más están orgullosos?
Benioff: La Boda Roja. Estuvimos anticipandola mucho tiempo. Hasta que nos toco desarrollarla y nos preguntabamos: “¿Existe una forma de retratarla para obtener la misma reacción emocional que en los libros?” Quedamos muy contentos que gustó en la audiencia.
¿Existe la posibilidad de que personajes que han muerto en temporadas previas aparezcan como flashbacks o sueños esta temporada? Benioff: Vean el show y averigüen.
Ustedes conocen el plan maestro de George R.R. Martin [Autor de los libros] ¿Existe algún pesonaje en este show cuya pérdida va a absorber la vida de la serie?
Benioff: Hay personajes que van a morir que no creo que la audiencia pueda predecir. Y como lo ha dicho George, hemos matado más personajes que en los libros y lo seguiremos haciendo. Weiss: Hay muchos personajes cuya pérdida causara eso. Pero esto no significa que no morirán.
Anoche estrenó en US, el episodio final de temporada de la exitosa serie de AMC, The Walking Dead.
Debo advertir que trajo sorpresas muy grandes, sobre todo dos principales, que las detallaré a continuación. Así que si aún no vieron el episodio final, no bajen en el artículo porque habrán SPOILERS, o pueden ver el episodio final de temporada en los siguientes links:
INGLÉS
SUBTITULADO
A continuación mi reseña del final y la cuarta temporada, SPOILER ALERT:
La cuarta temporada estuvo repleta de momentos muy tensos, desde que los sobrevivientes de la “ciudad del Gobernador” se situaron en la prisión con el cast original, la epidemia con la que tuvieron que lidiar desde que empezó la temporada e inició una cuarentena, hasta el momento final del mid season cuando el Gobernador (que sobrevivió), conducido por su venganza, lanza un ataque inminente a la prisión resultando en varias muertes trágicas, incluyendo la ejecución pública de Hershel.
Rick hasta que fallece su esposa, había llevado la carga principal de líder del grupo con afluencia. Claramente el personaje se quiebra después de esto y posterior a la ejecución de Hershel, que todos terminan huyendo de la prisión y dispersándose a distintos lados, una de las premisas era pensar que a el policía le aguardaba una muerte segura.
Es lo que pasa muchas veces en los guiones televisivos, cuando se siente que pierde la fuerza en linealidad argumentativa un personaje, la intuición concluye que este va a ser cortado de la serie en algún momento.
Aparte Norman Reedus (Daryl), claramente declaró en una entrevista previa al estreno de la 2da parte de la temporada, que iba a ser muy emotiva y que ocurriría una muerte trágica. Y sí, después de la muerte de las niñas, una ejecutada a manos de Carol, se esperaba que este no fuese el clímax de final de temporada.
Tanto así, que hicimos una encuesta estando seguros de que un protagonista no pasaba a la 5ta temporada. La balanza se inclinaba entre Rick y Maggie, puesto que sabemos que Daryl es el personaje más popular de la serie y por marketing es inmortal.
Pues todas las predicciones se concluyen en un final simple, pero muy tenso. Nadie muere. A pesar de que el episodio 16 empieza con un Rick bastante traumado, solo y con la cara manchada de sangre, no se cargan a nadie para el final de temporada.
Terminus como era de esperarse, aparenta ser un sitio de reclutamiento en que unos sobrevivientes psicópatas capturan gente que llega. Tipo Hansel y Gretel con el rastro de migas, estas para que lleguen a la casa de la bruja del bosque y se los coma. Según lo que se puede resumir en la velocidad del desenlace en el episodio, es que en Terminus alimentan walkers ¿Para qué? Ni idea.
Parte de nuestro cast principal se re-encuentra en Terminus: Rick, Daryl, Michonne, Carl, Glenn, Maggie y compañía. Carol y Tyrese brillan por su ausencia, al igual que la desaparecida Beth.
Otra de las conclusiones más relevantes de este cierre, es que finalmente le volvemos a ver la cara de líder a Rick. Sorprende de maneras increíbles, sobre todo después que lo vimos siendo molido a golpes por el Gobernador, como se menciona arriba, es un personaje con la moral quebrada y esto no se esperaba.
La conclusión en general, es que los productores del show se la pensaron, mercadearon un cierre exagerado y desgarrador, pero al final decidieron renovar contratos y no quebrar tantos personajes, después de todo AMC no es HBO.
Aparte podemos agregar, que a pesar el comic termina en pocos capítulos, la serie va para largas. Esta no es una historia que llevada de tal manera, pueda ser concluida en dos temporadas más, así que bastante nos queda de los walkers por descubrir.
Para cerrar les dejo una galería muy divertida, con parte del Behind the Scenes de esta temporada:
SOLO EN CINES 