Disney nos invitó a ver LUCA previo a su estreno y finalmente podemos contarles, lo genial que es esta nueva película animada de Pixar.
En su sinópsis oficial se lee:
Ambientada en un hermoso pueblo costero de la Riviera italiana, la nueva película animada original de Disney y Pixar LUCA es la historia del paso de la niñez a la adultez de un niño que vive un verano inolvidable repleto de gelato, pastas y viajes interminables en scooter. Luca comparte estas aventuras con su nuevo mejor amigo Alberto, pero toda la diversión se ve amenazada por un secreto muy bien escondido: ambos son monstruos marinos de un mundo que se encuentra justo por debajo de la superficie del agua. LUCA presenta las voces originales en inglés de Jacob Tremblay como Luca Paguro; Jack Dylan Grazer como Alberto Scorfano; Emma Berman como Giulia Marcovaldo; Saverio Raimondo como Ercole Visconti; Maya Rudolph como Daniela, la mamá de Luca; Marco Barricelli como Massimo, el papá de Giulia; Jim Gaffigan como Lorenzo, el papá de Luca; Sandy Martin como la abuela de Luca y Giacomo Gianniotti como el pescador local. LUCA, la película número 24 de Pixar Animation Studios, está dirigida por el nominado a los premios Oscar® Enrico Casarosa (LA LUNA), producida por Andrea Warren (LAVA, CARS 3) y cuenta con música del galardonado compositor Dan Romer (Una niña maravillosa, Maniac).
Dicho esto, también tuvimos la oportunidad de participar en un Masterclass + behind the scenes con Enrico Casarosa, director y creador del film.
En este evento hicimos la primera pregunta del Q&A y logramos sacar detalles muy interesantes sobre algo fundamental de la película, la Animación.
Pat: Nuestra pregunta está relacionada con el estilo de animación. ¡Es espectacular! Además de esto completamente único. Parecen mezclar ilustración y diseños tradicionales con 3D ¿Por qué eligieron fusionar estas técnicas?
Enrico Casarosa: Esta parte fue bastante interesante porque la idea principal era lograr un 3D que pareciera más clásico 2D, para que se pudiera asociar con los estilos de la época del film. Fue muy divertido hacer las pruebas de animación con el equipo, para lograr que los movimientos de los personajes fueran diseñados desde una mirada subjetiva infantil, los ángulos de las tomas, la primera persona. El objetivo es que la animación 3D no solo traslade este estilo tradicional del 2D sino que lo haga completamente adaptado a un “mundo de niños”.
Enrico nos contó en la conferencia que LUCA fue realizada gran parte durante la pandemia y que en la producción ocurrieron cosas tan peculiares como que los actores debían grabar las voces en sus respectivas casas. En el caso de Jack Dylan Gracer (Alberto), le tocó hacerlo en el closet de su mamá.
El director realizó varios viajes a la costa italiana para empapar al equipo de producción con el look and feel de la película, después de todo, es prácticamente una biopic de su infancia en Italia.
Con respecto a nuestra opinión sobre la película y #review sin spoilers…
LUCA logra irse a las bases más simples de storytelling que hemos visto en Pixar y Disney, la amistad, la infancia y el querer aspirar a ser más.
Además con una pincelada psicológica a lo INSIDE OUT enseñando a los niños a callar sus voces negativas “¡Silencio Bruno!”
No pudimos dejar de preguntar a Enrico sobre la animación porque es lo más resaltable de la película, es impecable y hermosa. Tomando referencia de dibujos clásicos tipo los libros de los hermanos Grimm, literatura que leían nuestros padres que crecieron en los años 60.
Si LUCA hubiese tenido un estilo de animación moderno, la historia sería completamente distinta. Acá el estilo de animación tiene un rol fundamental.
No hay nada más que comentarios positivos sobre la película, además de sugerir verla con los más pequeños y grandes de la casa, los abuelos la disfrutan un montón.
Para conocer más del behind the scenes de la película acá pueden acceder a las Notas de Producción.
LUCA está disponible exclusivamente en Disney+ a partir del viernes 18 de Junio.
Este 9 de junio es el cumpleaños del pato más famoso y querido de todos los tiempos. El pato Donald, protagonista en más de 150 películas y cortos de Disney, ha conquistado generaciones con su personalidad enérgica y temperamento exaltado. Un tanto irascible, Donald tiene un corazón de oro y no duda en lanzarse a vivir diferentes aventuras con sus mejores amigos Goofy y Mickey Mouse para crear la receta perfecta de diversión y risas, ni de atravesar contratiempos que ponen a prueba su poca paciencia.
Asimismo, la novia de este adorable plumífero Daisy, protagonista en un gran número de películas, hizo su primera aparición como tal el 7 de junio de 1940. La novia del pato Donald y mejor amiga de Minnie Mouse es luchadora y coqueta, atrevida y sofisticada. Si bien puede ser obstinada y temperamental, también es muy leal y romántica. Daisy es muy extrovertida y disfruta ser el centro de atención, un espíritu libre e independiente que busca crear su propio camino.
Algunos datos curiosos sobre Donald y Daisy:
El nombre completo de Donald es Donald Fauntleroy Duck.
El nombre original de Daisy era Donna Duck y su primera aparición fue junto a Donald en corto Don Donald.
El temperamento explosivo de Donald solo es igualado por el de la propia Daisy.
Daisy ha protagonizado decenas de programas de televisión de Disney y especiales, incluidos programas como La casa de Mickey Mouse, Patoaventuras y Quack Pack disponibles en Disney+.
Donald tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.
Disney+ es parte del festejo con algunos contenidos como:
Patoaventuras: la serie animada de 1987 compuesta por tres temporadas que sigue las andanzas del más famoso multimillonario, Rico McPato; sus sobrinos trillizos, los traviesos Hugo, Paco y Luis; su temperamental sobrino el pato Donald y el confiable equipo de la mansión McPato. También disponible en Disney+ están las dos temporadas de 25 episodios de Patoaventuras lanzadas en 2017 y 2018 y la serie de cortos dePatoaventuras (2017) compuesta por 15 episodios que incluyen desde la celebración de cumpleaños de Donald hasta la búsqueda de un tesoro escondido.
La leyenda de los tres caballeros (2018): en esta serie animada, Donald, José Carioca y Panchito heredan un atlas mágico y viajan por el mundo luchando contra monstruos míticos. También está disponible en Disney+ la película animada de 1945 Los Tres Caballeros en la que Donald recibe regalos mágicos de sus amigos José Carioca y Panchito, que se convierten en su pasaporte a un fantástico viaje musical repleto de sorpresas.
Quack Pack (1996): en esta serie animada Hugo, Paco y Luis son ahora adolescentes y viven con su tío, el pato Donald. Las aventuras continúan mientras pasan el tiempo jugándole bromas a su desafortunado tío.
Fantasía 2000: el siglo XXI revive el audaz experimento de luces y sonidos que Walt Disney llevó a la pantalla grande en 1940: Fantasía 2000 ofrece un apasionante espacio en el que una nueva y talentosa generación de animadores y creadores ilustra las composiciones de Beethoven, Shostakovich, Respighi, Saint-Sans, Elgar y Stravinsky. Concebido como un programa de varios repertorios con distintas piezas musicales, la película regresa a tiempo para celebrar el nuevo milenio con siete piezas nuevas y un eterno favorito de la película clásica
Saludos amigos (1943): es un colorido caleidoscopio de arte, aventura y música que se mueve al ritmo de la samba con el pato Donald y Goofy como compañeros de viaje.
Un nuevo asesinato da inicio a una nueva investigación. Los estudiantes miran hacia el futuro, pero las consecuencias del pasado los atormentan.
Ozark: Temporada 3 (27/3/2020)
Tercera temporada de la serie ganadora del Emmy sobre una familia suburbana que lava dinero en los lagos de Ozark en Misuri.
Los asesinatos de Valhala (13/3/2020 )
Dos detectives: ella, de Islandia; él, de Noruega. Una misión: investigar una serie de asesinatos con la marca tenebrosa del pasado.
Kingdom: Temporada 2 (13/3/2020)
El drama histórico de zombis ambientado en la era Joseon de Corea vuelve para una segunda temporada.
Black Lightning: Temporada 3 (26/3/2020)
Cress Williams (Prison Break) da vida al primer superhéroe afroamericano y protagonista de DC Comics en esta serie, ahora en su tercera temporada.
Carta al rey (20/3/2020 )
En esta deslumbrante serie de fantasía, un muchacho que lleva consigo el destino del reino se embarca en una aventura con el fin de entregar un mensaje secreto.
The Circle: Brasil (11/3/2020)
¿Ganarías siendo tú mismo? Eso deben decidir los participantes que se disputan el premio en efectivo que entrega esta competencia de estrategia que llega a Brasil.
100 Humanos (13/3/2020)
Cien voluntarios diversos participan en experimentos que abordan preguntas sobre la edad, el género, la alegría y otros aspectos de lo que significa ser humano.
Madam C. J. Walker: Una mujer hecha a sí misma: Miniserie (20/3/2020)
Esta miniserie narra la increíble y verdadera historia de Madam C. J. Walker, la primera afroamericana en convertirse en millonaria por su propio esfuerzo.
On My Block: Temporada 3 (11/3/2020)
Tercera temporada de esta serie cómica que presenta a un grupo de amigos que confronta los retos de crecer en un barrio peligroso de Los Ángeles.
Poco ortodoxa (26/3/2020)
Una joven de Brooklyn huye a Berlín para evitar un casamiento arreglado. Lo que no sospecha es que los secretos del pasado van con ella.
Velvet Colección: Grand Finale (1/3/2020)
Navidad, 1969. La inminente venta de Velvet reúne en Madrid al personal pasado y presente para compartir recuerdos, segundas oportunidades y nuevos comienzos.
Brooklyn Nine-Nine: Temporada 6 (22/3/2020)
Mientras Jake y Amy se acostumbran a la vida de casados, y Holt se enfrenta a su rival, no paran las bromas, los robos ni la lucha contra el crimen en la comisaría 99.
El señor de los Cielos: Temporada 1 (Próximamente)
Sigue los pasos de Aurelio Casillas en su odisea por convertirse en el narcotraficante más grande en México, el único que ocupe el lugar de Pablo Escobar.
El señor de los Cielos: Temporada 2 (Próximamente)
Perseguido por traficantes rivales y la DEA, el zar de las drogas Aurelio Casillas decide alterar su apariencia con una cirugía y adoptar una nueva identidad.
El señor de los Cielos: Temporada 3 (Próximamente)
Con la ida de una figura clave del entorno de Casillas, Aurelio considera cambiar sus alianzas, y Ballesteros intenta ser fiel a sus principios.
El señor de los Cielos: Temporada 4 (Próximamente)
Aurelio tiene un grave problema y la única manera de enfrentarlo es volver a ver a todas las mujeres que alguna vez fueron sus amantes.
El señor de los Cielos: Temporada 5 (Próximamente)
Aurelio se ve obligado a declararle la guerra a un miembro de la familia que está destruyendo México, y debe rescatar a otro, que ha estado escondido.
El señor de los Cielos: Temporada 6 (Próximamente)
Aurelio, presuntamente muerto, vive una vida tranquila con su amante, pero se acerca una guerra con su sobrino en la que, en lugar de ser el cazador, será la presa.
Heartland: Temporada 13 (1/3/2020)
Asuntos de negocio y dramas familiares ponen a prueba el matrimonio de Amy y Ty, que continúan educando a Lyndy y a su hijo adoptivo, Luke.
Películas
Spenser: Confidencial (6/3/2020)
Recientemente liberado de la cárcel, Spenser vuelve al lado oscuro de Boston para investigar una muerte. Basada en los exitosos libros y protagonizada por Mark Wahlberg.
Sitara: Que las niñas sueñen por fin (8/3/2020)
Una joven pakistaní sueña con convertirse en piloto sin saber que su padre planea casarla con un hombre mayor. Dirigida por la ganadora del Óscar Sharmeen Obaid-Chinoy.
Chicas perdidas (13/3/2020)
En este drama basado en una historia real, la búsqueda de una madre por su hija destapa una ola de asesinatos no resueltos. Protagonizado por Amy Ryan y Gabriel Byrne.
El hoyo (20/3/2020)
En una cárcel donde los presos de los pisos de arriba comen y los de abajo se arreglan con las sobras, un hombre lucha para que todos reciban lo suficiente.
Hogar (25/3/2020)
Un ejecutivo se ve obligado a vender su departamento. Cuando descubre que aún tiene las llaves, se obsesiona con la familia que vive ahí y decide recuperar su vida.
La marca del demonio (27/3/2020)
Dos hermanas encuentran un libro antiguo y abren una puerta hacia el infierno. Ahora, el bien depende del mal; la salvación, de un cura lleno de demonios.
Ultras (20/3/2020)
Una historia de amistad intergeneracional y madurez personal enmarcada en la cultura de los ultras durante las cinco últimas semanas de un torneo de fútbol.
El silencio de la ciudad blanca (6/3/2020)
Un inspector experto en perfiles criminales debe cazar al asesino ritual que lleva aterrorizando a la ciudad española de Vitoria desde hace dos décadas.
Godzilla (1/3/2020)
Un equipo de científicos expertos debe evitar que una lagartija gigante y furiosa acabe con Manhattan.
Los juegos del hambre: En llamas (20/3/2020)
Después de ganar los Juegos del Hambre, Katniss Everdeen hace una gira a través de los distritos mientras una rebelión empieza a tomar forma a su alrededor.
Los juegos del Hambre: Sinsajo (Parte 1) (20/3/2020)
Ya en el Distrito 13 tras demoler los Juegos del Hambre, Katniss se convierte en el símbolo de una gran rebelión en contra del Capitolio.
Los Juegos del Hambre: Sinsajo (Parte 2) (20/3/2020)
Katniss Everdeen dirige a los rebeldes hacia el Capitolio donde intentará asesinar al presidente Snow, y así, liberarse de su tiranía..
Atrápame si puedes (1/3/2020)
Un agente del FBI asume como propia la misión de capturar al astuto estafador Frank Abagnale Jr., pero Frank no solo se escapa, sino que se deleita con la persecución.
Hasta que la muerte los juntó (1/3/2020)
Cuando fallece su padre, cuatro hermanos vuelven a casa para llorar su pérdida durante una semana, pero el luto rápidamente da paso a disputas y puñaladas traperas.
Terminator: Génesis (1/3/2020)
Treinta años después del día del juicio, John Connor envía a un amigo al pasado para salvar a su madre y detener el gran incendio, pero no sabe que las cosas cambiaron.
El señor de los anillos: Las dos torres (1/3/2020)
Frodo y Sam se dirigen a Mordor para destruir el Anillo único mientras Gimli, Legolas y Aragorn buscan a Merry y Pippin, capturados por los orcos.
La leyenda de Rick, el Blanco (11/3/2020)
Periodistas, policías, agentes federales y sicarios hablan sobre la leyenda de un adolescente que habría encabezado una gran operación de narco en Detroit en los ochenta.
Documentales y especiales
Ugly Delicious: Temporada 2 (6/3/2020)
Dave viaja a Bombay, Sídney, Estambul y otros destinos en busca del próximo desafío culinario mientras se prepara para su mayor aventura: ser papá.
Dirty Money: Temporada 2 (11/3/2020)
Imperios corporativos levantados sobre mentiras. Escándalos que dejaron al mundo sin palabras. La serie regresa con nuevas historias de codicia, audacia y corrupción.
Rey tigre: Miniserie (20/3/2020)
Esta miniserie explora el mundo turbio de la cría de tigres y revela los extremos conflictos entre las beligerantes facciones de criadores.
Campamento extraordinario (25/3/2020)
Cerca de Woodstock, en un campamento de verano para jóvenes con discapacidades, floreció una revolución que transformó vidas e impulsó un importante movimiento.
Marc Maron: End Times Fun (10/3/2020)
Nuevo especial de stand up del comediante Marc Maron.
Fangio: El hombre que domaba las máquinas (20/3/2020)
“El pentacampeón mundial Juan Manuel Fangio era el rey de la de la Fórmula 1 a principios de los cincuenta, antes de que se implementaran medidas de seguridad en la pista.
Taylor Tomlinson: Quarter-Life Crisis (3/3/2020)
A mitad de los veinte y harta de la juventud, Taylor Tomlinson está decidida a cometer la cantidad suficiente de errores como para dar buenos consejos cuando tenga hijos.
Niños y familia
El pequeño Bheem: Festival de colores (5/3/2020)
El pequeño Bheem prepara todo tipo de travesuras para el festival de primavera, ¡desde espectáculos improvisados a una lluvia de colores con amigos!
Tut Tut Cory Bólidos: Temporada 2 (1/3/2020)
Fiestas, bailes, cumpleaños, búsquedas del tesoro… y una que otra pinchadura. Pero la vida es para vivirla, ¡y Cory siempre tiene el tanque lleno!
Carmen Sandiego: ¿Robar o no robar? (10/3/2020)
Zack y Ivy cayeron en las garras de V.I.L.E., y Carmen necesita tu ayuda para salvarlos. En esta aventura interactiva, ¡tú estás al mando!
Shaun, el cordero: Aventuras en Mossy Bottom (17/3/2020)
Shaun, un cordero inusualmente listo y hábil, vuelve con más aventuras en esta encantadora serie derivada de Wallace y Gromit.
Dragons: Rescue Riders: Hunt for the Golden Dragon (27/3/2020)
El Equipo de Rescate debe enfrentar más de una aventura para encontrar el precioso huevo del Dragón Dorado y mantenerlo a salvo de los malvados piratas.
Un jefe en pañales: De vuelta a los negocios- Temporada 3 (16/3/2020)
Tras perder su trabajo en Bebé-Corp, Jefe Bebé improvisa un equipo con sus compañeritos y se lanza por su cuenta. ¡Se viene una misión clave!
Buddi (20/3/2020)
Esta colorida y entretenida serie para niños menores de 4 años sigue las aventuras diarias de cinco mejores amigos.
DC Super Hero Girls (1/3/2020)
Las superadolescentes Wonder Woman, Supergirl, Bumblebee, Batgirl, Zatanna y Green Lantern luchan contra el crimen, los deberes y los romances.
Masha y el oso: Temporada 3 (Nuevos episodios) (1/3/2020)
Masha y su amigo Oso inventan cuentos de hadas, aprenden sobre tecnología, celebran la amistad y descubren que los osos y las abejas no se llevan nada bien.
Anime
Castlevania: Temporada 3 (5/3/2020)
Belmont y Sypha se mudan a un pueblo con secretos siniestros, Alucard orienta a un par de admiradores, e Isaac se embarca en una misión para encontrar a Héctor.
Altered Carbon: Reenfundados (19/3/2020)
Dai Sato, la mente creativa detrás de Cowboy Bebop, explora y amplía el universo de Altered Carbon en esta adaptación animada.
7SEEDS: Parte 2 (26/3/2020)
El mundo que conocían ya no existe. Su nuevo entorno es peligroso, pero no tanto como los otros humanos. Basada en el manga de Yumi Tamura. Temporada 2 de 7SEEDS.
BEASTARS (13/3/2020)
En un mundo donde conviven bestias de todo tipo, un lobo manso lucha con sus instintos predatorios mientras las autoridades de su escuela investigan un asesinato.
La princesa Mononoke (1/3/2020)
Un príncipe herido por una maldición mortal viaja en busca de la cura y llega al medio de una batalla entre un pueblo minero y los animales del bosque.
El cuento de la princesa Kaguya (1/3/2020)
Una ninfa mágica extraída de un tallo de bambú se convierte rápidamente en una hermosa mujer a quien la persiguen varios pretendientes enamorados.
Mis vecinos los Yamada (1/3/2020)
Esta película animada cuenta las aventuras de la divertida familia Yamada, en un estilo similar al de las acuarelas de la conocida historieta japonesa Nono-chan.
El regreso del gato (1/3/2020)
Haru salva a un gato de ser atropellado por un camión. Pero no es un gato común, es Lune, el Príncipe del Reino de los Gatos.
El viaje de Chihiro (1/3/2020)
Chihiro se adentra en un mundo mágico reinado por una bruja, donde quienes no obedecen son transformados en animales.
Arrietty y el mundo de los diminutos (1/3/2020)
Una diminuta “inquilina” se hace amiga de un niño mucho más grande que ella, y deberá esconder a su familia de los gigantes humanos.
Nausicaä del Valle del Viento (1/3/2020)
Ante la destrucción de los recursos naturales de su planeta, la princesa guerrera Nausicaa lidera a su pueblo contra el violento ejército de una reina malvada.
En Drama Total: La Guardería, reaparecen algunos de los integrantes favoritos del elenco, incluido el adorable Owen y la nerviosa Courtney, quienes retroceden en el tiempo desde la adolescencia hasta la niñez. Puede que los personajes sean pequeñitos, pero sus personalidades adolescentes completamente formadas los hacen sabios más allá de su edad, mientras desatan ataques verbales destructivos contra un modesto Chef, que rápidamente se retira a la sala de profesores cuando las cosas se ponen difíciles. ¡En enero, te traemos un especial con los mejores episodios y estrenos del show que te harán reír sin parar! No te pierdas nuestro especial deDrama Total: La Guardería, de lunes a viernes a las 11:00 y a las 22:00, sábados a las 15:00, y domingos a las 12:00. ¡Solo en Cartoon Network!
Ben 10
Estrenos semanales en Cartoon Network
Durante unas vacaciones de verano aparentemente interminables con su abuelo Max y su prima Gwen, Ben Tennyson descubre un reloj alienígena: el Omnitrix. ¡Este dispositivo increíble le da a Ben la capacidad de transformarse en poderosos alienígenas! Ben, Gwen y Max recorren el país en su casa rodante, miran los paisajes, se meten en problemas y vencen a los villanos mientras se divierten muchísimo. ¡Acompáñalos en sus aventuras! Disfruta de los nuevos episodios de Ben 10, todos los viernes a las 17:45.
Además, no te pierdas los estrenos de Los Jóvenes Titanes en Acción, DC Super Hero Girls, Oswaldo, Pokémon, Scooby-Doo y ¿quién crees tú?, ThunderCats Rugen y más, de lunes a viernes. ¡Solo en Cartoon Network!
DESTACADOS DE PROGRAMACIÓN NICKELODEON Y NICK JR. LATINOAMÉRICA
OCTUBRE 2020
NICKELODEON
En octubre la imaginación sigue al frente, es por eso que este mes nuestros espectadores tendrán el mejor contenido que puedan imaginar con nuevos episodios de The Loud House, Los Casagrande, Dorg Van Dango, El Sustituto, el estreno de Ollie’s Pack, Danger Force y Le Temes a la Oscuridad. Además, a partir del 19 de octubre, prepárate para los mejores días espeluznantes con los mejores especiales de Halloween de todos tus programas favoritos de Nick y nuevos episodios aterradores de The Loud House, Es Pony y Las Pistas de Blue y Tú.
Para los pequeños de Nick Jr., tendremos el estreno de Paw Patrol Ready, el especial Race Rescue, el especial Paw Patrol Super Paws & Charge Up y el evento más esperado, el especial Baby Shark Aventuras Submarinas.
Danger Force Estreno Sábado, 3 de octubre (nuevos episodios cada sábado) a las 5 pm Argentina / 6 pm Colombia / 7 pm Venezuela / 8 pm México y Chile / 8:30 pm Brasil
Cuatro niños, Chapa, Miles, Mika y Bose, son reclutados para asistir a Swellview Academy, una escuela concebida por el Capitán Man y traída a la vida por Schwoz, después de haber mutado accidentalmente en la pelea para salvar Swellview. Mientras están allí, los niños deben aprender a aprovechar sus superpoderes, frecuentemente problemáticos y, a veces, incontrolables, mientras comienzan a luchar contra el crimen. A pesar de las peligrosas circunstancias de sus nuevas vidas, los superhéroes deben mantener en secreto sus identidades reales al igual que las de sus familias como de los villanos que quieren destruirlos.
Ollie y Los Monstruos EstrenoSábado, 10 de octubre (nuevos episodios cada sábado) a las 9 am Colombia / 9:30 am México / 10 am Venezuela / 11 am Chile / 4 pm Brasil / 7:30 pm Argentina
Ollie y Los Monstruos es una serie animada sobre Ollie, un niño de 13 años que, con la ayuda de sus mejores amigos Cleo y Bernie y el entrenador de monstruos el Capitán Wowski, protege y controla un portal desde su mochila hacia el mundo de los monstruos.
¿Le Temes a la Oscuridad? Estreno Viernes, 16 de octubre (nuevos episodios cada viernes) a las 8 pm Colombia / 8:30 pm México / 9 pm Venezuela y Argentina / 9:30 pm Brasil / 10 pm Chile
¡Vuelve la icónica serie de Nickelodeon que emocionó y asustó a una generación! Esta serie de tres partes trata sobre el miembro más nuevo de la Midnight Society, su primer cuento de terror y lo que sucede con el grupo cuando los terribles eventos de su historia comienzan a suceder realmente en su pequeña ciudad.
Mezclando terror con humor y aventura, el programa explora el vínculo poco probable de cinco niños mientras superan juntos sus mayores miedos. Un paseo divertido, con momentos de comedia para aliviar la tensión.
Los Casagrande & The Loud House Semana de estreno Lunes, 12 de octubre – viernes, 16 de octubre (de lunes a viernes) a las 5 pm Colombia / 5:30 pm México / 6 pm Venezuela y Brasil / 6:30 pm Argentina / 7 pm Chile
Ronnie Anne está lista para grandes aventuras, un gran amor… y grandes risas con su familia mexicana-americana y Lincoln conocido por ser “el hombre con un plan”, estará elaborando planes con un objetivo específico, la mayoría de ellos para su propio beneficio.
Hallow-nick! Especial Sábado, 31 de octubre a las 11 am – 6 pm Colombia / 12 pm – 7 pm Venezuela / 12:30 pm – 11 pm Argentina / 1 pm – 8 pm México / 1 pm – 8:30 pm Chile / 2:30pm – 8 pm Brasil
¿Estás listo para una historia de terror? Entonces, sintoniza Nickelodeon para disfrutar de un regalo especial con tus amigos favoritos en grandes episodios de terror.
NICK JR.
Paw Patrol con Mighty Pups Super Paws Charged Up (Súper Héroes) Especial Lunes, 5 de octubre – viernes, 9 de octubre a las 10 am Brasil / 5 pm México y Colombia Repetición Sábado, 10 de octubre a la 1 pm Brasil / 4 pm México y Colombia
Durante toda la semana, Paw Patrol recibe poderes de Mighty Pup, desde la súper velocidad de Chase hasta el poderoso calor de Marshall.
Paw Patrol. Ready, Race, Rescue: La Carrera Estreno Viernes, 16 de octubre (todos los sábados) a las 6 pm Brasil / 7:30 pm México y Colombia
¡Es la Bahía Aventura 500! ¡Los cachorros han construido una pista de carreras increíble y están listos para ser el equipo de mecánicos de su héroe de carrera, El Whoosh! Pero cuando el legendario corredor no puede conducir en la carrera del campeonato, pide a su mayor fan-cachorro, Marshall, que tome el volante y corra en su lugar. Marshall debe superar su falta de confianza y su vil competencia, el Cheetah, para cumplir su sueño de convertirse en el cachorro de carreras más rápido de todos los tiempos. ¡Prepárate para correr y rescatar!
Baby Shark Aventuras Submarinas Lunes, 19 de octubre – viernes, 23 de octubre a las 3:30 pm Brasil / 6 pm México y Colombia
El equipo de Nick Jr.está listo para jugar con un nuevo amigo, únete a Baby Shark para una semana de aventuras submarinas con Paw Patrol, Bubble Guppies y Blaze. Una semana de episodios y videos musicales súper llamativos presentados por Baby Shark.
Los realizadores crearon una tecnología totalmente nueva combinando técnicas de acción real con herramientas de realidad virtual e imágenes digitales fotorrealistas
El director, Jon Favreau, dirigió el éxito de taquilla de 2016 EL LIBRO DE LA SELVA, que ganó el premio Óscar® a Mejores Efectos Visuales. Los resultados deslumbrantes de la tecnología utilizada en esa película motivaron al director a aspirar a más con EL REY LEÓN.
Los personajes clásicos vuelven a la
pantalla grande como nunca antes
Para el director Jon Favreau, la selección del elenco de EL
REY LEÓN representó una oportunidad clave para introducir nuevos
enfoques a los personajes clásicos, y les dio la bienvenida a famosos artistas
del mundo de la televisión, el teatro y la música, cada uno de los cuales les
insufla más vida a los adorados personajes.
“Jon tiene un gran respeto por los
actores”,
opina la productora Karen Gilchrist. “Eligió a cada actor sabiendo que aportaría su talento único
a la película. Es genial ver lo que resulta de combinar estos talentos
increíbles”.
Los
cineastas usaron la técnica que ellos llaman “caja negra” para capturar a los actores
representando una actuación de forma tradicional, pero en un espacio no
tradicional. El productor Jeffrey Silver dice: “Cuando empezamos, sabíamos que no
trabajaríamos con actores en escena, así que tuvimos que hacer algo
fundamentalmente diferente sobre la forma en que captábamos las actuaciones de
los actores. Entonces, Jon Favreau —que también es actor— estuvo muy atento para mantener la
película enraizada en las emociones humanas reales. Empleó el teatro de caja
negra para no tener actores parados delante de los atriles con lentes de
lectura y guiones. Lo llevamos al siguiente nivel y construimos un anfiteatro
para que los actores se involucraran y expresaran sus sentimientos”.
El
supervisor de efectos visuales Rob Legato explica: “La idea de la caja negra es ayudar a
que los actores se sientan desinhibidos. Podían caminar, improvisar alguna
cosa, reaccionar al otro. Y la interpretación que se obtiene de eso es mucho
mejor u otra iteración de la actuación”.
“Fotografiamos con múltiples cámaras para que los animadores
pudieran ver la intención de los actores, aunque no se traduce directamente
porque no son animales”, continúa Legato. “Pero cuando hacen una pausa y miran, y los ves pensar, sabes
que eso es lo que impulsa la interpretación. Lo traduces: ¿qué hace un león
para hacer lo mismo? Es mucho más informado que solo las voces. Y las voces son
incorpóreas; leer de un papel es muy diferente a interactuar en escena y probar
tu idea con otra persona. Si cometes un error y yo lo cubro, tal vez, eso sea
más interesante. Es como un accidente feliz nuevamente que aprovechas todo el
tiempo en una película de acción real”.
Favreau afirma que, en última instancia, las actuaciones —ricas, estratificadas, provocadoras y conmovedoras— no solo lo ayudaron a lograr su visión, sino que lo ayudaron a darle forma. “Es el sueño de todo director —señala— reunir un equipo talentoso como este para darle vida a esta clásica historia. Fui muy afortunado al haber podido ver desde primera fila las maravillosas actuaciones y de colaborar con personas que tienen tanto talento y de las que aprendí mucho con solo mirarlas”.
EL ELENCO
SIMBA está destinado a convertirse en un poderoso rey desde el
momento en que nació.
Es un cachorro confiado que no ve la hora de convertirse en rey y aprende de su
padre, Mufasa, y de su madre, Sarabi, a respetar el ciclo de la vida. Pero no
todos apoyan al futuro rey. Sin importar cuánto entrenamiento y consejos
reciba, ocupar su lugar en la Roca del rey y ocupar el puesto de su adorado
padre será mucho más difícil de lo que imaginaba. El diseñador de producción
James Chinlund afirma que, junto con el supervisor de animación Andrew R. Jones, obtuvieron inspiración para Simba de la
vida real el último día de su viaje de investigación en Masái Mara,
Kenia. “Nos
topamos con una manada de leonas y sus cachorros que acababan de darse un
banquete con un antílope eland”, cuenta. “Todos estaban muy llenos y soñolientos. Pero un cachorro se
despertó y comenzó a moverse entre la manada. De inmediato, nos dimos cuenta de
que el cachorrito era especial. Fue muy emocionante verlo tan de cerca”.
Donald Glover presta su voz en la versión original en inglés al
futuro rey. Su currículum incluye trabajos musicales ganadores de premios GRAMMY®®
bajo su nombre artístico, Childish Gambino. “Donald es un cantante increíble
y un improvisador fantástico, que es una de las cosas que me llevaron hacia él”, confiesa Favreau. “Él y yo tenemos raíces
similares en el mundo de la comedia. Donald trabajó con muchos actores con los
que yo también me relacioné en la escena de la improvisación de Chicago, como
el teatro-escuela UCB (Upright Citizens Brigade Theatre) y el mundo de Tina
Fey, por eso sabía que íbamos a compartir un mismo enfoque en lo que a comedia
e interpretación se refiere. Su éxito en innumerables proyectos, con un gran
talento en todas las áreas, sentí que era adecuado. Sabía que Donald le
aportaría dinamismo al personaje en lo que respecta a su compromiso creativo y
que el público quedaría cautivado”.
No fue nada difícil convencer a Glover que hiciera el papel. “Me siento muy conectado con la travesía de Simba”, plantea Glover. “EL REY LEÓN es una historia muy
humana y honesta sobre lo que todos nosotros atravesamos. Creo que la historia
es una manera hermosa de contar que la permanencia no es el objetivo. El objetivo
es estar aquí y ser responsables con el otro y amarnos entre nosotros.
Ocurrirán hechos traumáticos, el objetivo está en no permitir que consuman toda
tu vida. Se puede crecer y aprender de esa experiencia”.
Simba aparece en la historia como un cachorro recién nacido, por
eso Favreau necesitaba convocar a otro actor para darle vida a ese joven Simba.
JD McCrary, que es el artista más joven de la historia contratado por Hollywood
Records, colmó las expectativas. “Es fantástico”, comenta Favreau sobre McCrary. “Tuvimos la suerte de
encontrarlo. Y, además de ser una sensación en YouTube como cantante que ahora
tiene su propio sencillo, colaboró con Donald Glover en un álbum de Childish
Gambino. Cuando le conté a Donald que él participaría, estuvo encantado. Tener
a JD en el papel del joven Simba, y escucharlos cantar a ambos es maravilloso.
Su forma de cantar refleja una tremenda humanidad y personalidad. Me alegra
tener la oportunidad de contar con actores que se conectan de esa manera”.
McCrary, que estaba encantado de obtener este papel icónico, fue
transportado virtualmente a África para estar en el set. “Me puse el visor de realidad virtual y podía
mirar a mi alrededor y ver la Roca del rey y el cementerio de elefantes”, agregó. “Tenía unos controles
pequeños en ambas manos y podía recorrer todo hasta la cima del mundo. Podía
ver todo. Fue increíble”.
NALA se hace amiga de Simba cuando es cachorra. Juguetones,
competitivos, una pareja de iguales: se los ve como una pareja mucho antes de
que ellos mismos se den cuenta.
Nala, una cachorra fuerte y segura de sí misma, se convierte en una leona
poderosa que se preocupa por el futuro de las Tierras del reino. Cuando ella y
Simba se reencuentran, la esperanza regresa a estas tierras castigadas, y Nala,
audaz y determinada, intenta convencer a Simba de cumplir con su destino.
Beyoncé Knowles-Carter fue convocada para darle vida a esta
leona feroz e inteligente. “Si piensas en alguien que
te gustaría que interprete el papel de Nala, en especial las secuencias
musicales, Beyoncé es inigualable”, explica Favreau. “Cuando tienes hijos preadolescentes y adolescentes en casa, es
muy difícil agradarles porque les resultas irritante. Pero tener a Beyoncé en
mi película, sin dudas, me hizo ganar mucha credibilidad en casa tanto con mis
hijos como con sus amigos. Soy un gran fanático de su música, y me resultaba
muy emocionante explorar lo que ella era capaz de aportar”.
“También tiene hijos, y trabajar en EL
REY LEÓN es una experiencia que también puede compartir con su familia”, agrega Favreau. “Hacer estas películas,
que son tan divertidas, te da la oportunidad de compartir experiencias. Los
niños tienen sus opiniones bien definidas, y he tomado muy buenas decisiones en
estas películas familiares porque escuché a mi familia. Definitivamente no
temen decirme lo que piensan sobre lo que pienso hacer”.
Para el papel de la joven Nala, Favreau necesitaba una actriz
que fuera capaz de aportar una gran personalidad tanto a la actuación como al
canto. Allí es donde entra en escena Shahadi Wright Joseph, que representó a la
joven Nala en la producción de Broadway de El
Rey León. “No hubo mucho debate sobre quién interpretaría
a la joven Nala. Desde el comienzo, el papel era de ella. Recordaba de haberla
visto en TV, en Hairspray Live!”.
Al haber representado el personaje en Broadway, Wright Joseph
estaba familiarizada con la joven Nala. “Tiene tanto entusiasmo”, comenta de su personaje. “Es muy inteligente y tan
generosa. Creo que solo quiere compartir sus increíbles cualidades con el resto
del mundo. Me encanta ese aspecto de ella. Genera tanta inspiración”.
TIMÓN es una suricata graciosa que se encuentra con un Simba
afligido después de su huida de la Roca del rey en busca de una vida diferente. Timón y su amigo Pumba acogen a este
cachorro solitario y le enseñan a sobrevivir en su hábitat, donde no hace falta
cazar. Timón no es ningún tonto, sabe muy bien que tener a un león como amigo
puede ser muy útil, aunque este tenga un destino de grandeza.
El comediante y actor Billy Eichner hace la voz original en
inglés de Timón, que había sido interpretado por el legendario Nathan Lane en
la versión original. “Crecí en la ciudad de Nueva York y fui a
innumerables espectáculos de Broadway”, cuenta Eichner. “Nathan Lane era uno de mis héroes de la comedia cuando era niño”.
“Pero preferí no volver a mirar la película”, agrega Eichner. “Toda la película es tan
icónica que pensé que me iba a resultar más difícil darle mi toque personal si
la voz de Nathan comenzaba a resonar en mi cabeza. Lo único que deseo es haber
honrado su trabajo y haber aportado nuevos condimentos, y alguna que otra broma”.
PUMBA es un jabalí que siempre tiene gases y es el mejor amigo
de Timón, la suricata.
Tras los pasos de su compañero, Pumba se hace amigo del joven Simba, tan pronto
dejan en claro que este león no piensa comérselos. Pumba, cuyo nombre significa
“tonto” en suajili, tiene un gran corazón y un
alma sensible.
Favreau
eligió a Seth Rogen para que le diera vida a este adorado jabalí. “Ansiaba en secreto conseguir este papel”, revela Rogen. “Cuando Jon me escribió por correo
electrónico y me preguntó: ‘¿Te gustaría interpretar a Pumba?’. Le contesté: ‘¡Totalmente!’”.
Con su experiencia en improvisación, Favreau llegó a las
grabaciones de Rogen y Eichner, quienes tienen a su cargo gran parte de la
comedia de la película, con un gran nivel de entendimiento. “Por naturaleza, los comediantes son exigentes con ellos mismos”, explica Favreau. “Suelen ser un poco más
pragmáticos porque están acostumbrados a un gran éxito o un gran fracaso. Ya
sea que estés trabajando en un standup
o en una película que está a punto de estrenarse, todo se trata de cómo lo
comuniques, hacer reír al público y obtener una respuesta directa de la
audiencia. Te haces susceptible a eso. Por eso, fue tan bueno para mí haber
comenzado en el escenario porque allí obtienes un sentido del ritmo inherente
de lo que es entretenido. Sabes cuando las secuencias divertidas están
funcionando o no. Tienes una respuesta inmediata y lo puedes corregir. Billy y
Seth tenían esta actitud de ‘probemos otra’ o ‘repitamos la escena, tengo una idea’. Eso fue divertido y se sentía fresco, nuevo y diferente”.
MUFASA
es el rey inteligente y capaz de la Roca del rey, y padre de Simba. Mufasa es
el compañero gentil y amoroso de Sarabi, y siempre está listo para divertirse
con su pequeño cachorro. Está dispuesto a enseñarle a Simba todo lo que sabe
con la esperanza de que su hijo, algún día, dirija los destinos de las Tierras
del reino con compasión e integridad. Mufasa es un ferviente defensor del ciclo
de la vida y sabe que no vivirá para siempre. Su devoción por su familia y su
reino no tiene límites.
Según
el guionista Jeff Nathanson, el vínculo entre padre e hijo —y la sabiduría que imparte Mufasa—
era un hilo
fundamental de la película. “Mufasa le dice a Simba: ‘Mientras otros buscan lo que pueden
tomar, un verdadero rey busca lo que puede dar’. Este tema se refleja en toda nuestra
película”.
James Earl Jones vuelve a
prestar su voz a Mufasa en la versión original en inglés. “Cuando tuvimos que asignar el papel de Mufasa, James Earl Jones
era tan eterno que era imposible visualizar a otro actor en ese papel”, comenta Favreau. “Se trata del mismo personaje, el mismo hombre, pero James le
regala a Mufasa una visión algo diferente porque esta es otra etapa de su vida”.
La emotiva historia todavía
conmueve a Jones. “Es una historia sobre la relación universal de
padre e hijo”, afirma Jones. “La escena en la que muere
Mufasa y Simba intenta despertarlo me conmovió muchísimo. Estaban apenas
comenzando la relación más importante de sus vidas y, de repente, quedó
incompleta”.
SARABI es la esposa fuerte y
sofisticada de Mufasa, la adorada y sensata madre de Simba, y la respetada
reina de la Roca del rey. Al lado de todo gran león, hay una gran leona. Favreau aclara: “En la cultura del mundo
de los leones, las leonas ocupan un lugar esencial. Una actriz tan maravillosa
como Alfre Woodard, que hizo la voz original en inglés de Sarabi, le aportó
seriedad al personaje, la sensación de que es de la realeza, la reina y
compañera de Mufasa”.
Según Woodard, el enfoque
de Favreau dejará asombrado al público. “Nuestra mirada y nuestros
sentimientos adquieren un tono refinado en términos de lo que es posible y de
lo que se hace norma”, relata la actriz. “Sin dudas, los más
pequeños estarán fascinados. Pero para todos los que ya somos más grandes, no
sabíamos que se podía generar ese tipo de realismo en una película. Es lo que
aún puede sorprenderte. Es como probar helado por primera vez”.
ZAZÚ
es un toco de pico rojo y la mano derecha de Mufasa, por así decirlo. Es los
ojos y oídos del reino, se encarga de transmitir las buenas y no tan buenas
noticias del día. Su lealtad alcanza al pequeño Simba, aunque este leoncito
demasiado seguro de sí mismo no aprecia tanto como Mufasa los servicios de
Zazú.
Favreau
eligió a John Oliver para darle vida a esta entrometida ave. “Creo que Zazú es básicamente un ave a
la que le gusta el orden”, opina Oliver. “Solo quiere que todo sea como debe ser. Creo que hay ecos
británicos allí porque nosotros solemos favorecer la estructura en lugar de
reaccionar de manera emocional a cualquier suceso”.
RAFIKI es el sabio primate chamán y
consejero real de Mufasa. Está allí cuando nace Simba y también cuando el
futuro rey se encuentra en una encrucijada. Su risa, caracterizada por aires de
sabiduría y extravagancia, es desconcertante y contagiosa a la vez. Este
personaje fue el elegido para hacer una prueba piloto que mostraba el potencial
de la nueva técnica que estaban desarrollando los realizadores. “Estoy seguro de que, si tomaras la
prueba que se hizo con Rafiki y se la mostraras a la audiencia, dirían que se
trata de un video de un babuino de verdad”, comenta el productor Jeffrey Silver. “Si no hubiera sabido que estaba viendo
una prueba, me podrían haber engañado”.
El actor, director y
guionista sudafricano John Kani da su voz en la versión original en inglés a
este atractivo personaje. “Todos tienen un abuelo
que significaba muchísimo para ellos cuando eran pequeños”, explica el Dr. Kani. “Rafiki hace que todos
recordemos a ese pariente sabio y especial. Su sabiduría, humor y lealtad a la dinastía de
Mufasa es lo que hace que nos agrade. Siempre está feliz y hace bromas como
lecciones de vida y supervivencia”.
Según el guionista Jeff
Nathanson, crear el personaje de una forma más real no fue tarea fácil. “Rafiki presentó muchos desafíos —afirma Nathanson—, como la forma en que dibujaría la imagen de Simba cachorro en
el árbol. En nuestra realidad, esto sería imposible. Así que fue divertido
sentarme con Jon y su equipo para intentar resolver estos acertijos y, luego,
ver cómo pasaban de ser simples dibujos de desarrollos secuenciales a imágenes
totalmente producidas”.
SCAR
es el hermano ignorado y subestimado del rey Mufasa. Siempre creyó que era el
justo soberano de las Tierras del reino, si tan solo su hermano, de una nobleza
irritante, se hiciera a un lado. Cuando nace Simba, los sueños de Scar se
alejan todavía más. Por eso, este tío desdichado trama un plan para deshacerse
de Mufasa y del pequeño cachorro con la ayuda de sus secuaces, las hienas. Hay
un buen motivo por el que Scar nunca debió ser el soberano de la Roca del rey.
Chiwetel Ejiofor fue
seleccionado para interpretar a este tío malvado. Para Favreau, la
interpretación de Ejiofor es única. “Chiwetel Ejiofor es un
actor fantástico que nos trae un poco la cadencia del inglés transatlántico y
una nueva mirada del personaje”, cuenta el director. “Aporta la sensación de villano shakespeariano por su experiencia
como actor. Es maravilloso contar con un actor tan experimentado como Chiwetel,
le da un soplo de vida maravilloso a este personaje”.
Ejiofor ciertamente
disfrutó de este papel. “Scar es un personaje malvado y complejo, y,
por eso, muy divertido de interpretar”, explica. “Su vida no tiene nada de rutinaria. Quiere poder. Lo quiere
todo. Y no hay nada que no haría para conseguirlo. Traspasará todos los límites
y hará absolutamente todo lo que haga falta para alcanzar su objetivo. Su
personaje está escrito con astucia y un poco de picardía. Eso lo hace tan
interesante y divertido de abordar”.
“Todos los personajes tienen un desarrollo increíble”, agrega Ejiofor. “Son grandes héroes y
grandes villanos. Es una historia maravillosa con un sentido verdadero de
conciencia social en su corazón, y estos personajes te invitan a embarcarte en
un viaje emocional, complejo y extraordinario”.
LAS
HIENAS son las aliadas y soldados malvadas de Scar. Aunque le temen a Mufasa,
con su rugido intimidante e impresionante, las hienas no tardan en aliarse a
Scar cuando este les promete el prestigio y el respeto que anhelan. Los realizadores decidieron que el enfoque de las hienas
sería único en la nueva versión de la película. Favreau explica: “Dada la naturaleza fotorrealista de la película, tener una
mirada muy cómica de las hienas no coincidía con lo que estábamos haciendo. Por
eso, optamos por interpretaciones y textos que se basaran más en el interés de
la historia en lugar de en la comedia. Quisimos subir la apuesta con Shenzi y
darle ciertos momentos cómicos con Azizi y Kamari”.
SHENZI
es la líder de la manada. Shenzi, que significa “salvaje” en suajili, haría cualquier cosa por
ganar poder. Florence Kasumba fue convocada para hacer la voz original en
inglés del ambicioso personaje. “Shenzi quiere poder”, comienza Kasumba. “Ella entra en una habitación y todos se
quedan callados, le tienen miedo. Pero no se siente a gusto con su vida. No
percibí eso cuando vi la versión animada original. Esas hienas eran graciosas.
Estas son peligrosas”.
“En el papel de Shenzi, Florence le aporta una calidad
maravillosa”, destaca Favreau. “Su voz tiene una textura
hermosa, y ella tiene una concentración increíble. Nos dio un punto de partida
fantástico para construir a partir de allí”.
AZIZI
no adhiere al espíritu malvado de su manada. Las sutilezas, las metáforas y el
sarcasmo suelen pasar inadvertidos para él. Eric
André fue el elegido para darle vida a Azizi. “Me encanta interpretar cualquier
personaje que me permita reír a carcajadas”, explica. “Mi personaje entiende todo de manera literal y no comprende el
sentido figurado de las expresiones”.
KAMARI,
por el contrario, es inteligente e impulsivo. Su ingenio es tan filoso como sus
dientes. Keegan-Michael Key interpreta a Kamari y acompaña a la perfección al
Azizi de André. “Kamari siente que es el segundo al mando”, describe Key. “Piensa rápido y entiende cómo funciona
el sistema. Es un soldado leal de la causa de las hienas y le tiene mucha
paciencia a Azizi”.
Favreau explica: “Keegan-Michael Key y Eric
André tienen experiencia en la improvisación y en la comedia. Ambos son grandes
actores y se involucran en las historias. Al tenerlos juntos explorando e
improvisando, es como sazonar a gusto. Descubrimos cuánto humor podíamos
incorporar y en qué medida”.
Por sobre todas las
cosas, Favreau estaba decidido a permitirles a los actores adueñarse de los
personajes y de la historia, que, en última instancia, no era una tarea
difícil. Key comenta: “Creo que la razón por la que EL
REY LEÓN ha perdurado de esta forma es porque la historia nos inspira
de modo personal. Cuanto más personal, más universal se vuelve la historia”.
“Disney está contando una historia sobre madurar y convertirte en la persona que estás destinada a ser”, continúa Key. “Creo que es eso lo que resuena en las personas. Simba descubrió lo que debía hacer. Reconoció y aceptó su derecho de nacimiento. Como ciudadanos de este mundo, la raza humana conforma un gran rompecabezas, y cada uno de nosotros es una pieza única”.
Los realizadores viajaron a la sabana
africana para obtener referencias de la vida real y lograr un enfoque
fotorrealista
EL REY LEÓN, de Disney, dirigida por Jon Favreau,
lleva al público a la sabana africana, donde nace un futuro rey. Pero, antes de terminar el guion, antes de reunir al
elenco y antes de poder diseñar los sets
digitales, los realizadores se comprometieron a asegurar la autenticidad y
credibilidad de las criaturas y los hábitats que se crearían para la película.
“Investigamos muchísimo”, asegura Favreau. “Para que esta película pareciera fotorrealista, tuvimos que
asegurarnos de hacer bien todo. Lo bueno de la película de 1994 es que también
investigaron mucho en ese momento. Y, si bien es en 2D y estilizada, igualmente
puedes ver y comprender de dónde partían los dibujos. Intentamos volver al
material original y miramos los lugares que exploraron. Eso es lo bueno de
estar en Disney: tienes acceso a todo este material”.
La investigación tomó
varias formas y comenzó con estudios intensos de imágenes y películas. Los
realizadores miraron documentales que capturaban la migración de los animales
en África, entre otros fenómenos. El equipo fue invitado a Disney’s Animal Kingdom para estudiar a las estrellas de su película de
cerca (leones, hienas y jabalíes, entre otros) y lograr capturar sus
comportamientos y particularidades reales. Quizás el punto destacado de sus
esfuerzos fue un viaje de dos semanas a África, que demostró ser invaluable
para lograr los detalles que necesitarían para llevar el mundo de EL
REY LEÓN a la pantalla grande de una manera totalmente nueva.
DISNEY’S ANIMAL KINGDOM
Los realizadores trabajaron con el
Departamento de Ciencia Animal de Disney’s Animal Kingdom en Orlando, Florida,
para establecer un sistema de cámaras no invasivo a fin de grabar cerca del 75%
de los animales que estarían representados en la película. Luego, las imágenes
capturadas les servirían de referencia a los animadores de MPC Film.
También grabaron a los leones y otros
animales que habitan Disney’s Animal Kingdom para agregarle vocalizaciones auténticas a
la película. El equipo de sonido viajó al zoológico de Magdeburgo, Alemania,
para grabar audios de leones cachorros y, así, poder capturar el rugido de
Simba bebé, que cambia la trama.
Para experimentar el
mundo de EL REY LEÓN y sus habitantes salvajes, los realizadores
necesitaron viajar al segundo continente más grande del mundo, hogar de Kenia y
una enorme cantidad de hábitats con muchos animales. Favreau hizo un safari por
África seis meses antes de reunirse con Disney para hablar sobre EL
REY LEÓN. Durante ese viaje, se dio cuenta del impacto que tenían la
historia y los personajes sobre las personas de todo el mundo. Para honrar la
historia y el lugar donde transcurre, Favreau quería encontrar la manera de
transportar al público a la sabana para que experimente su majestuosidad. Pero
antes, tendría que enviar al equipo de producción.
“Jon Favreau nos envió en una misión a
África”,
cuenta el productor Jeffrey Silver. “Nos dijo: ‘Que se vea real’. Él quería que todo lo que se viera en la película tuviera
origen en la vida real. Sentía que, si empezábamos a mejorar la realidad,
empezaríamos una bola de nieve hacia una película poco creíble, sin emoción y
con la que las personas no podrían identificarse. Nuestra misión era mantener
todo lo más natural posible: las especies correctas, los colores de las rocas
correctos, la luz del amanecer y anochecer correctos, el cielo de noche
correcto, los tipos de plantas correctos”.
Entonces, a principios de 2017, trece
miembros clave del equipo de Favreau se embarcaron en un safari de dos semanas
para explorar Kenia con el objetivo de observar de primera mano el entorno
natural y los animales de las Tierras del reino, el escenario principal de EL
REY LEÓN. En el transcurso del viaje, el equipo observó todas las
especies de animales que formaron parte de la película original, visitó toda la
región de norte a sur, se hospedó en cinco alojamientos, usó tres helicópteros
diferentes y seis camionetas para safari. Necesitaron más de una tonelada de
equipos fotográficos para capturar la increíble cantidad de 12,3 TB de
fotografías.
Los miembros del equipo que viajaron a
África obtuvieron información valiosa e inspiración. Entre los asistentes, se
encontraban el diseñador de producción, James Chinlund; el director de
fotografía, Caleb Deschanel; el supervisor de efectos visuales, Rob Legato; el
supervisor de efectos visuales de MPC Films, Adam Valdez; y el supervisor de animación,
Andy Jones. “Andy pudo observar el comportamiento real de los leones en
su entorno natural”, dice la productora Karen Gilchrist. “Tenemos un video de referencia que
filmó de un león bebé. Nos gustó cómo caminaba el cachorro; se notaba todo en
su forma de andar, cuán llena estaba su barriga, el espesor de sus patas e,
incluso, la cantidad de moscas que le sobrevolaban”.
Según Jones, el equipo preparó el viaje
de investigación mirando muchos documentales. “Pero estar allí me abrió los ojos a
muchísimas posibilidades diferentes”, afirma. “Desde Masái Mara hasta el parque nacional de Amboseli y el
de Samburu, todos son terrenos variados y climas diferentes. Es increíble lo
extremas que pueden ser las temperaturas y lo seco que es por momentos. Los animales
aprenden a lidiar con todo eso y sobrevivir. Es realmente sorprendente”.
El productor Jeffrey Silver agrega: “Andy se convirtió en nuestro Dr.
Dolittle. Salió a buscar a cada animal bajo el sol, se despertaba al amanecer y
grababa hasta el anochecer, filmó rinocerontes, leones y cebras, y estudió la
forma de caminar de los animales y sus patrones de pastoreo y movimiento. Fue
una experiencia verdaderamente maravillosa para Andy ver tan de cerca a estos
animales, que luego influyeron tanto en la animación”.
Los realizadores se esforzaron por
capturar detalles que los ayudaran a lograr un mundo creíble y auténtico, no
perfecto. Silver comenta: “Queríamos el ejercicio de poner un lente en el paisaje
sabiendo cuáles eran los desafíos, así, cuando lo trajéramos a Los Ángeles,
podríamos capturar cómo es realmente en el mundo real con todos los desafíos
del mundo real. Si haces una película digital perfecta, le quitas la esencia.
Queríamos devolverle esa imperfección visual; el polvo y el aire, los destellos
del sol, todo lo que filmamos en África a modo de prueba nos sirvió de
información cuando creamos la película de forma digital”.
Los objetos de sus filmaciones les
dieron, tal vez las lecciones más importantes. Deschanel opina: “Lo extraordinario de Kenia es la
variedad de paisajes que tiene: desde la arena del desierto hasta las
increíbles montañas, lagos y arroyos, y la vegetación más hermosa y exuberante.
También hay, obviamente, la más extraordinaria variedad de animales salvajes
que puedas imaginarte. Fue una verdadera revelación”.
Chinlund fue a África con un objetivo
importante. “Jon [Favreau] está comprometido con transmitir la verdad de
África”,
dice Chinlund. “Creo que mi obligación era salir y ver qué partes del mundo
servirían para la historia”.
Silver agrega: “Él debía volver y crear el rompecabezas
que es la Roca del rey, las Tierras del reino, el exilio y el cementerio de
elefantes; todo armado a partir de fragmentos de lo que vio y experimentó en el
safari”.
Para Valdez, fueron los animales los
que más los impresionaron. “Tuvimos la suerte de poder sobrevolar todo en helicóptero.
En el norte, vimos camellos en el desierto, en lechos de lagos secos y
agrietados. En el sur, estaban las verdes planicies de Masái Mara. Todo es muy
diferente, pero había animales en todos lados, entremezclados con la población
humana. No importa la altitud o el tipo de paisaje, hay animales haciendo lo
suyo.
“Queríamos retratar a nuestros
personajes de la forma más natural posible”, continúa Valdez. “Si haces bien todos los detalles
pequeños, funcionan bien. Así que los observábamos desde el amanecer hasta el
anochecer”.
Según Valdez, el viaje les reveló lo
que se convertiría en uno de los desafíos y oportunidades más grandes para la
película. “Captar
el cielo africano es complicado”, explica. “Es muy dinámico y cambia segundo a segundo. Hay que
considerar el viento y el ángulo del sol, y es un sol ecuatorial brillante. La
atmósfera cambia según la hora del día”.
Si bien África fue, por lejos, la mayor
fuente de inspiración para los realizadores, ellos no temieron aprovechar zonas
más cercanas a sus hogares para visualizar el viaje de Simba de forma más
dinámica y convincente.
INSPIRACIONES:
LAS TIERRAS DEL REINO
Masái
Mara, en Kenia, que es parte del parque nacional Serengueti, fue la inspiración
para las Tierras del reino. Los realizadores fotografiaron praderas icónicas y
acacias, y también los cielos, que están en constante cambio. Entre los
animales había leones, leopardos, guepardos, ñus, búfalos cafre, cebras y
antílopes.
Los
montes Chyulu, en Kenia, son una cordillera que se encuentra en el sudeste del
país y que tiene praderas y bosques montañosos. La Roca del rey de la película
se inspiró en las formaciones de piedra encontradas allí.
Borana,
en la región norcentral de Kenia, sirvió de referencia para la zona que rodea
la Roca del rey.
Challenge
Beach, en Kenia, sirvió de referencia para los abrevaderos dentro de las
Tierras del reino.
Las
tobas del lago Mono, en California, proporcionaron una referencia
extraordinaria para el cementerio de elefantes.
Las
áreas geotérmicas de Dallol, Etiopía, fueron muy inspiradoras, pero
inaccesibles debido a los gases tóxicos que emanan. Entonces, los realizadores
visitaron el parque nacional de Yellowstone, en Wyoming, para fotografiar las
áreas geotérmicas.
LA ESTAMPIDA DE LOS ÑUS
El
cañón de Sesriem, en Namibia, fue una referencia perfecta para la escena
dramática de la película en la que Simba practica su rugido. El estrecho cañón
tiene casi un kilómetro de largo y 30 metros de profundidad.
EL ESCAPE DE SIMBA
Sossusvlei, en el desierto de Namib, en Namibia, y sus
espectaculares dunas sirvieron de referencia para la zona en la que se
encuentra Simba cuando se va de las Tierras del reino. Turkana, en Kenia, también sirvió como
inspiración.
El
monte Kenia, con su enorme flora, les ofreció a los realizadores el aspecto de
bosque nublado que necesitaban para que Simba creciera junto a Timón y Pumba.
Los lagos del lugar fueron la referencia perfecta para que Simba viera reflejos
de Mufasa.
Las
cataratas de Aberdare, incluidas las cataratas de Karuru —las más altas de Kenia—, sirvieron de referencia para el
regreso de Nala a la vida de Simba.
Según el supervisor de efectos
visuales, Rob Legato, la experiencia transcendió las necesidades de la
película. “Hay
algo espiritual en África”, cuenta. “Hay algo sobre el colectivo de la naturaleza, sobre cómo se
equilibra, cómo se comporta una criatura y cómo los demás animales o se
alimentan de ella o crean algo que permite funcionar a la ecología del lugar.
Nos dimos cuenta de que hay un gran diseño en algún lugar. No puedes terminar
un viaje como este sin una sensación espiritual sobre la cuna de toda la vida”.
BUENAS IMÁGENES
Los realizadores crean un mundo impactante inspirado en lugares
de la vida real que rinden homenaje a la película original
El objetivo del extenso
viaje de investigación a Kenia fue, sin lugar a dudas, captar la majestuosidad
y la belleza del paisaje, así como sus condiciones difíciles y, a veces, hasta
despiadadas. La película requería la creación de diversos entornos variados,
como las Tierras del reino lideradas por Mufasa, el cementerio de elefantes que
exploran Simba y Nala, el imponente cañón donde se produce la estampida de cientos
de ñus, el desierto y el bosque nublado hacia donde escapa Simba, y, por
supuesto, la Roca del rey, a la que el director de fotografía, Caleb Deschanel,
llama “el pilar de toda la historia”.
Según el diseñador de
producción, James Chinlund, fue importante que los realizadores pudieran partir
de la realidad para crear los entornos de la película. “Desde el comienzo,
nuestro objetivo fue crear un mapa del mundo que tuviera cohesión. Para ello,
nos aseguramos de que la ubicación de las Tierras del reino fuera coherente en
relación con el bosque nublado y con el cementerio de elefantes. Queríamos que
el espectador se sintiera seguro y anclado en un sentido estable de la
geografía”.
Todos los lugares tenían
que apoyar y respetar la narración de la historia, y, al mismo tiempo,
incorporar el estilo fotorrealista que promete diferenciar la película de
Favreau del clásico de 1994.
“Gran parte de la nueva tecnología es procedimental. Utilizas una
herramienta para poblar la sabana con los elementos o para crear texturas que
se repetirán y que, luego, podrán aplicarse en todos lados”, explica la supervisora de sets
de MPC, Audrey Ferrara. “Sin embargo, igualmente necesitas el ojo
humano para mantenerlo en orden porque puede complicarse rápidamente. A veces,
lo tienes frente a los ojos y te preguntas: ‘¿Es realidad o animación?
Realmente no distingo la diferencia en este momento’”.
Tanto artistas como
técnicos crearon y poblaron los entornos con vegetación auténtica de África,
montículos de termitas, peñas y tierra, elementos variados que tuvieron que ser
dibujados, modelados, duplicados, posicionados, iluminados y renderizados para
la versión final de la película.
ROCA DEL REY
La Roca del rey es un
lugar icónico que se encuentra arraigado en los recuerdos y los corazones del
público desde 1994. Por este motivo, los realizadores se propusieron crear una
versión que le hiciera justicia. Chinlund comenta: “En la película original,
la Roca del rey es una torre de roca en el medio de un enorme paisaje cubierto
por vegetación, totalmente desprovisto de colinas u otras rocas. Al construirla
en el mundo animado, nuestra preocupación era de dónde provenían esas rocas”.
La pregunta sirvió de
puntapié inicial para Chinlund y su equipo. “¿Cuánto más terreno, roca
o paisaje podíamos agregar para que la Roca del rey resultara familiar, como la
Roca del rey que conocemos y amamos, pero que, al mismo tiempo, estuviera
respaldada por la geología y el terreno a su alrededor para que el público la
aceptara visualmente? Si ves una formación rocosa en el medio de un paisaje
vacío, tus ojos harán sonar una alarma de inmediato porque algo no se siente
del todo bien. En general, mucho de lo que hicimos en esos espacios implicaba
intentar captar la calidad romántica de la película original sin dejar de lado
cierto fundamento en la realidad”.
“Por eso, encontrar una
manera de ubicar la Roca del rey en el terreno que resultara familiar y también
real fue todo un desafío”, continúa Chinlund. “Nuestras Tierras del
reino y la Roca del rey son amalgamas directas de cosas que vimos en Kenia. De
hecho, algunas rocas del paisaje provienen directamente de escaneos reales de
rocas que encontramos en Kenia, y el manantial está basado en un lugar que
encontramos allí. Las texturas, los colores y las características de la roca
que representa la Roca del rey se basaron directamente en formaciones rocosas
de Kenia”.
EL TOQUE MÁGICO
Los realizadores crean una técnica totalmente nueva combinando
técnicas de acción real con herramientas de realidad virtual e imágenes
digitales fotorrealistas
El director, Jon Favreau, dirigió el
éxito de taquilla de 2016 EL LIBRO DE LA
SELVA, que ganó el Óscar® a Mejores
Efectos Visuales. Los resultados deslumbrantes de la tecnología utilizada en
esa película motivaron al director a aspirar a más con EL REY LEÓN. “Teníamos a nuestra disposición la
tecnología que, en manos de los artistas, podía presentar a estos personajes
como si fueran animales de verdad”, cuenta Favreau, quien se propuso crear entornos y
personajes que se vieran y se sintieran reales. “Quería hacerlo de esta manera porque
estaba convencido de que el público no quería ver una versión tradicional
generada por computadora de EL REY LEÓN. La película animada
original aún se ve increíblemente bien”.
“Me pareció interesante que, a pesar de
que el público aprecia tanto la película animada, aceptara con tanto entusiasmo
la aclamada obra de teatro”, continúa Favreau. “La historia de la obra de teatro no se
apartó demasiado de la película animada. Creo que el público la aceptó porque
se trataba de una interpretación en un medio totalmente nuevo. Parte de nuestra
responsabilidad aquí era presentar esta versión en incluso otro medio nuevo,
contar la historia de un modo completamente distinto y hacer que la experiencia
se sienta diferente, aunque nos apeguemos a lo que es en realidad una historia
atemporal”.
Combinar
una historia excelente con innovación técnica es un sello distintivo de Walt
Disney, a quien Favreau admira desde siempre. “Se convierte en un enigma de cómo
colmar las expectativas de todo el mundo y, a la vez, sorprenderlos. Sentí que
debía usar el enfoque que Walt Disney siempre usó: apelar a las emociones. De
esta manera, te abres camino ante muchas miradas inquisidoras. Si puedes
conectar, si puedes hacer que el público sienta algo, apagas la parte crítica.
Apela a la parte inmersiva, empática, emocional, que, para mí, es el aspecto
clave de la experiencia cinematográfica. El otro truco que Walt usaba con tanta
eficacia era mantener una curiosidad constante, explorar tecnologías de
vanguardia”.
La idea era dejar al público
preguntándose qué fue exactamente lo que vio. ¿Es una animación? ¿Es real?
Favreau afirma: “Nos propusimos crear algo con estos arquetipos míticos que,
a la vez, se sintiera natural, hermoso y real. Miramos muchísimos documentales
de la naturaleza para ver lo hermoso que podía verse todo y lo artístico que
es, al fotografiar y editar cuidadosamente la naturaleza con buena música,
crear historias con imágenes de un documental”.
El enfoque por capas que eligió Favreau
para hacer la película incluyó una combinación asombrosa de técnicas
cinematográficas tradicionales de acción real, herramientas de realidad virtual
de vanguardia y animación generada por computadora del más alto nivel. El resultado
final fue un aspecto totalmente creíble y fotorrealista que transportará al
público a las Tierras del reino.
Junto a Favreau trabajaron Rob Legato,
supervisor de efectos visuales tres veces ganador del Óscar® ; Ben Grossman,
supervisor de producción virtual ganador de un Óscar® ; Andrew Jones,
supervisor de animación dos veces ganador del Óscar® ; James Chinlund,
diseñador de producción; y el director de fotografía Caleb Deschanel. MPC Film fue una parte
integral del proceso desde el comienzo. Los supervisores de efectos visuales de
MPC Adam Valdez (parte del equipo de efectos visuales ganador del Óscar® por EL
LIBRO DE LA SELVA) y Elliot Newman ayudaron en la elaboración de enfoques
sobre cómo podría hacerse la película. Su equipo de producción virtual trabajó
junto con los realizadores para desarrollar la tecnología de producción virtual
de EL
REY LEÓN.
PRODUCCIÓN
Luego del extenso viaje de
investigación del equipo, Favreau dispuso la producción de EL REY LEÓN dentro de una
instalación sin particularidades construida especialmente para la ocasión
ubicada en Playa Vista, California, un área que, recientemente, comenzó a ser
llamada “Silicon
Beach”
por su industria
de juegos y de alta tecnología.
La instalación era lo suficientemente
grande para albergar todo bajo un mismo techo, incluso un espacio de realidad
virtual. Con dos salas de proyección de vanguardia, llamadas “Simba” y “Nala”, el equipo de Los Ángeles podía
interactuar en tiempo real con el equipo de MPC Film en Londres para trabajar
en conjunto en la revisión de la animación y en los efectos visuales. “En EL
LIBRO DE LA SELVA, iba corriendo de un lugar a otro, y era complicado. Por
eso, concentramos todo y usamos la tecnología como base para que nos diera la
libertad de utilizar el tiempo con más eficiencia y para estar en estrecho
contacto con las personas con las que colaboramos en otros lugares. Allí
también teníamos la caja negra para grabar las interpretaciones, en la misma
sala que usábamos como espacio de realidad virtual, donde exploramos y filmamos
la película. Teníamos distintos sistemas de realidad virtual y una docena de
estaciones de realidad virtual diferentes en toda la zona de estaciones de
trabajo. Buscábamos que se pareciera más a una compañía tecnológica que a un
estudio de cine, así que creamos un ambiente de campus. Hacíamos que
estacionaran al frente los camiones de comida para el equipo o yo mismo
cocinaba arriba”, describe Favreau.
Tsavo Park , Kenya
La productora Karen
Gilchrist declara que la producción en sí era similar a la filmación de una
película de acción real.
“Se sentía mucho como una película
tradicional”,
afirma. “Teníamos
un cronograma de rodaje, un asistente de dirección, un director de fotografía
que trabajaba las ruedas, una dolly
(plataforma móvil para la cámara), una steadicam.
Si bien el diseño de arte y de producción se realizó en un motor de videojuego,
teníamos un departamento de arte y un supervisor de guion. Contábamos con un
sistema de repetición de escenas en video. Salvo por no tener que despertarnos
a las 5 de la mañana y trasladarnos a otro lugar o preocuparnos por el clima,
se sentía muy similar al set de una
película de acción real”.
Producción
virtual
Todo lo que, en última instancia, se
verá en pantalla fue creado en la computadora, pero lejos está de ser una
animación tradicional. Favreau explica: “Donde nos apartamos de la animación,
más allá del aspecto fotorrealista, fue en el momento en que normalmente
operarías los distintos planos de las cámaras en una computadora. Allí
detuvimos el proceso, llevamos toda la filmación a la realidad virtual, y
nuestro equipo de acción real desplegó verdadero equipo de cámaras”.
Legato asegura que este
enfoque único es revolucionario. “Tenemos personas que están estudiando la referencia a los
animales, y los animadores les están dando vida en estas plataformas digitales.
Tomamos un medio digital antiséptico y contamos con estas herramientas una de
las historias más emotivas de nuestra tradición. Esa dicotomía y tensión
subyacente crea muchas oportunidades creativas. Es lo más cercano que podrás
estar a una filmación práctica con una película animada”.
Los realizadores iniciaron la producción con una fase de
visualización previa utilizada habitualmente en la cinematografía animada. El supervisor de animación, Andrew Jones,
y el equipo de artistas crearon secuencias animadas simplificadas para que
funcionara en tiempo real en realidad virtual. Estas
versiones preliminares de los entornos y de los personajes se volvió parte del
sistema de juegos Unity. Favreau comenta: “En lugar de reproducirlo en
la pantalla de la computadora, podíamos entrar al lugar y pararnos al lado de
un león animado”.
Según el director, la producción virtual utilizada en EL REY LEÓN es una extensión de lo que hicieron en EL LIBRO DE LA SELVA. Favreau y su equipo podían ponerse visores de realidad virtual y caminar dentro del set virtual, y así preparar tomas, coreografiar movimientos, ajustar luces, personajes y piezas del set en tiempo real antes de enviar la versión de cada escena a edición.
Favreau relata: “Con EL REY LEÓN, estamos
poniendo literalmente a los realizadores dentro del monitor por medio de un
conjunto de herramientas de propiedad exclusiva que se comunican con el sistema
de realidad virtual HTC Vive y con el motor de juegos Unity”.
Ben Grossman trabaja con Magnopus, una
compañía que ayudó a reunir tecnologías, hardware
y software para crear una plataforma
para el juego de múltiples jugadores de cinematografía con realidad virtual
basada en motores de juegos. “Desde la llegada de los efectos digitales, los realizadores
han luchado por llevar esos elementos visuales al escenario para ver la imagen
completa en contexto”, comenta Grossman. “AVATAR abrió una pequeña ventana a este
escenario, ya que les permitió a los realizadores espiar ese mundo que estaban
creando. EL REY LEÓN da vuelta todo eso y pone a los realizadores —y los equipos que han usado durante
décadas— completamente
dentro del mundo que están construyendo para la película”.
En el motor de juegos, se construyó un
mundo que abarcaba cientos de millas. “Los dispositivos físicos están hechos a medida, y los
equipos tradicionales para cine fueron modificados para que los realizadores
pudieran ‘tocar’
sus equipos —cámaras, grúas, dollies— mientras trabajan en realidad virtual para permitirles usar
las habilidades que han desarrollado por décadas en los sets de acción real”, agrega Grossman. “Ya no tienen que señalar un monitor de computadora por
encima del hombro de un operador; cualquier realizador que haya estado en un set tradicional puede acceder a la
tecnología de próxima generación más sofisticada”.
Según Favreau, la idea detrás de
incorporar lenguaje de acción real en la película era para convencer al público
de que lo que están viendo es auténtico. “Mi generación, las personas que
crecimos con los videojuegos, es muy sensible a la fotografía y las tomas que
se ven totalmente digitales”, explica. “Puedes percibir la diferencia entre un efecto visual que se
agregó a un cuadro de acción real y otro que se generó por completo en una
computadora. ¿Cómo haces para que se vea como si hubiera sido filmado? El modo
en el que se diseñan las tomas cuando son digitales es mucho más efectivo. El
movimiento de la cámara se planifica con anterioridad. Los puntos de corte, de
edición, la actuación, los movimientos de la cámara, todo eso es meticuloso y
perfecto. Pero esa perfección provoca una sensación artificial. No todas las
generaciones de realizadores son igual de sensibles a esto. Con mi grupo de
pares compartimos el mismo estándar: queremos que se vea como algo que fue
fotografiado. Por eso, en lugar de diseñar el movimiento de la cámara como lo
harías en la visualización previa de una computadora, colocamos la plataforma dolly en el espacio virtual”.
“Por este motivo, a pesar de que el
sensor tiene el tamaño de un disco de hockey, lo montamos en una dolly y en el riel de una dolly de verdad”, continúa Favreau. “Tenemos un técnico especializado en dolly que lo va empujando. Este
interactúa con Caleb, nuestro cinematógrafo, quien hace funcionar ruedas
verdaderas que codifican esos datos y mueven la cámara en el espacio virtual.
Hay un montón de pequeñas idiosincrasias para las que nunca tendrías los
recursos necesarios si quisieras incluirlas en una toma digital. Lo mismo puede
decirse del trabajo de las grúas. También para las tomas aéreas”.
Favreau fue el operador de helicóptero
virtual designado en el equipo. “También desarrollamos plataformas nuevas para algo que imita
a una steadicam y algo que imita una
cámara manual estableciendo el peso y el equilibrio adecuados en este equipo”, agrega Favreau.
Legato comenta: “Cuando trabajas con fotografía real, el
cinematógrafo puede distinguir qué operador hizo determinada toma mientras
estás en la sutileza de observar las pruebas de rodaje (dailies). Buscamos heredar todos esos accidentes felices, todas
esas idiosincrasias humanas. ¿Cómo infundes emoción y humanidad? Bueno, eso
proviene de la propia humanidad de las personas que están operando los equipos”.
Si bien Deschanel nunca había filmado
una película creada totalmente dentro de una computadora, su experiencia en la
acción real era exactamente lo que necesitaba este proyecto. “Mi experiencia en fotografía es captar
imágenes de acciones reales”, explica. “En cierto modo, mi trabajo consiste en preservar el realismo
de lo que ocurre normalmente frente a cámara, entender lo que hace la
iluminación y cómo se comporta la cámara”.
“Cuando filmas animales salvajes,
obviamente no tienes idea de lo que van a hacer”, continúa Deschanel. “Para preservar esa realidad para los
animales que creamos dentro de la computadora, queríamos crear esa sensación de
que el operador de cámara se sorprende ante sus acciones. La interpretación es
diferente de lo que se podría haber esperado, y eso provoca un impacto
maravilloso de emoción y entendimiento del personaje”.
Para Deschanel, el viaje a África no
solo recopiló material que luego ayudaría a los artistas a crear personajes
auténticos, sino que también guio el movimiento de las cámaras que imitaría al
mundo real. “Hubo momentos en los que estaba siguiendo a un animal, y me
engañaba. Me equivocaba. Esos elementos terminaron formando parte de la
estructura de cómo hicimos la película”.
Favreau relata: “Por lo general, en las películas con
más tecnología, utilizarían la captura de movimientos para las actuaciones y,
luego, trabajarían las cámaras con herramientas esencialmente digitales porque
eso te da una libertad máxima. Pero nosotros no captamos actuaciones porque se
trata de animales y tiene fotogramas clave. Captamos el movimiento de las
cámaras. Todo nuestro trabajo se enfoca en capturar los datos de las cámaras y
en mostrar que la cámara virtual está siendo operada por personas, y, a la vez,
permitir que el naturalismo de las interpretaciones fluya a partir de la
habilidad artística de los animadores”.
El equipo de animación utilizó los
datos obtenidos durante la producción virtual. Las escenas y las grabaciones
fueron exportadas a edición como archivos de video, y a efectos visuales como
archivos de datos, lo que les brindó una orientación clara a los equipos de
efectos visuales de todo el mundo que diseñaron la estética fotorrealista de la
película. Preservar la mano invisible de los realizadores en todo momento
mantuvo el estilo de acción real de la película.
Animación
Una vez que se completaron las tomas de
cámara y se grabaron las voces, la producción pasó a la fase de animación. Para
el supervisor de animación, Andrew Jones, se trataba de mejorar el pasado. “En términos de realismo, creo que dimos
un gran paso al frente”, opina. “Alcanzamos cierto nivel con el que estaba satisfecho en EL LIBRO DE LA SELVA, pero queríamos dar
un paso más con EL REY LEÓN. Queríamos que los animales fueran más creíbles.
Queríamos tomar una historia hermosa que todos aman y contarla de manera única
y novedosa. Se parece un poco más a un estilo de documental porque no estás
anticipando todo lo que los personajes van a hacer o podrían hacer”.
Los efectos visuales de EL
REY LEÓN estuvieron a cargo de MPC Film, una compañía internacional de
efectos visuales. El supervisor de efectos visuales de MPC, Adam Valdez, cuenta
que llevó a sus hijos a ver la versión de 1994 y que le encantaba la idea de
acercar la historia a una nueva generación. “El lenguaje del tiempo en el que están
creciendo, la sofisticación a la que están acostumbrados en términos de calidad
visual, todo esto significa que es posible revivir historias viejas y hacerlas
accesibles para un público moderno. Si lo piensas desde el punto de vista
tecnológico, ahora podemos crear animales sofisticados y de aspecto muy real”.
“El truco mágico de Jon es tomar la
fascinación de los seres humanos por la naturaleza y representarla de una
manera muy directa, pero elaborada para la narrativa”, continúa Valdez. “No sé si antes se podía alcanzar este
grado de realismo que le permite al público creer tanto. Realmente marca una
diferencia en tu percepción de la historia, en cómo la lees e interactúas con
ella”.
Valdez reitera que los realizadores no
cambiaron la historia, sino que cambiaron las herramientas con las que
trabajaron. “La versión original de EL
REY LEÓN cambia con gran habilidad entre el drama y la comedia, el color y
los sentimientos”, afirma Valdez. “Hay algo en ese tratamiento visual que lo permitía. Cuando
adoptas un enfoque fotorrealista, no es posible cambiar de marcha con tanta
agilidad. Por eso, si bien perdemos algunas de las herramientas originales, las
reemplazamos con otras”.
Un equipo de 130 animadores de 30
países diferentes ayudó a darles vida a los animales de EL REY LEÓN. Cada
personaje, cuyo desarrollo total llevó alrededor de nueve meses, se basó en
arte conceptual, en referencias de la vida real y en los personajes
arquetípicos de la película original. “Se necesitó repensar todo el trabajo para trasladar un
personaje animado a una criatura fotorrealista”, confiesa el diseñador de producción,
James Chinlund. “Ahondar en las investigaciones y en nuestras experiencias de
exploración [en África] siempre fue el punto de partida. Jon [Favreau] y el
equipo encontraban un grupo de imágenes clave que captaba el sentimiento que
estábamos buscando, y eso servía de modelo para los ilustradores de los
personajes. Hicieron dibujos y esculturas en 3D de nuestros personajes, que
pasaron rondas de revisión de Jon y el equipo. Luego, cuando nos acercamos a la
etapa final, hacíamos una impresión en 3D del personaje para una revisión final
con nuestra propia impresora 3D”.
Una vez que se aprobaban los diseños
del personaje, los artistas de MPC le daban forma en la computadora y prestaban
especial atención a la anatomía, las proporciones adecuadas, el pelaje o las
plumas. Para lograrlo, aplicaban texturas y color, les daban tono a los ojos y
se aseguraban de que el movimiento fuera fiel a sus pares en la vida real. El equipo de investigación y desarrollo de MPC, conformado
por más de 200 ingenieros de software,
desarrolló nuevas herramientas de software
para simular mejor los músculos, la piel y el pelaje.
Mientras que el trabajo de crear y animar
personajes auténticos podía basarse en la realidad, hacerlos hablar y cantar
requería otros métodos. “Intentamos inclinar sus cabezas hacia abajo para no dirigir
nuestras miradas directamente a sus bocas”, explica Jones. “Al mismo tiempo, nos
esforzamos para no agregar atributos corporales en lo que respecta a los
movimientos físicos que cada animal es capaz de hacer con la boca. El control
muscular que tenemos alrededor de la boca les permite moverla solo del modo que
podrían hacerlo en la vida real. Allí recurrimos al playback: hacer que las bocas se movieran de una forma que, por
ejemplo, un gato podría hacerlo realmente e intentar producir sonidos que se
adaptaran a esas formas”.
Jones explica que los artistas también
trabajaron para regular la respiración de los personajes con su diálogo. “Contrajimos los músculos
del abdomen y del diafragma para que parezca que el animal expulsa aire de su
boca mientras habla, al compás de determinadas sílabas”.
“En el caso de las leonas, que tienen los cuellos
descubiertos porque no tienen melena, agregamos movimientos particular en el
esófago y en el cuello para vender la idea de que están hablando, mediante el
movimiento de la lengua y de la laringe”, describe Jones.
En total, los artistas de efectos visuales de
MPC Film, con sede en Londres, les dieron vida a 86 especies diferentes para EL
REY LEÓN, desde los personajes icónicos de la película, como Simba,
Nala, Rafiki, Mufasa, Pumba y Timón, Scar y las hienas, hasta las criaturas más
pequeñas de la sabana.
EL REY LEÓN RUGE
La banda sonora original de
la película incluye “Never Too Late”, la nueva canción compuesta por Elton John y Tim Rice, e
interpretada por Elton John; con música del compositor Hans Zimmer
Cuando el director Jon Favreau decidió retomar EL REY LEÓN, sabía que la música de la nueva película tendría que estar a la altura de su presencia y potencia en la primera película. “Solo escuchar esa música te conmueve profundamente”, afirmó Favreau. “Incluso si no conoces la película o la obra de teatro, tiene una fortaleza espiritual. Pero si conoces la película y creciste con esta música, puede evocar la historia en sí de manera repentina e inmediata, así como todas las emociones y los recuerdos relacionados que tienes de tu propia experiencia anterior con EL REY LEÓN o del momento de la vida en el que estabas, tu niñez o los acontecimientos de la vida con que está conectada”.
La música de la película animada de
1994 ganó dos premios de la Academia (Mejor Canción Original y Mejor Música
Original), cuatro premios GRAMMY® y dos Globos de Oro. La banda sonora ocupó el
primer puesto de la lista Billboard de los 200 mejores álbumes durante 10
semanas no consecutivas y obtuvo el disco de Diamante de la asociación
Recording Industry Association of America (RIAA) por la venta de 10 millones de
unidades.
La superestrella ganadora
de premios Óscar® y GRAMMY® Elton
John afirma que su experiencia en EL REY
LEÓN hizo que su carrera avanzara en otra dirección y describe la banda
sonora original como un enfoque nuevo a la música en una película animada. “Las canciones eran más pop”, declara. “‘Can You Feel the Love Tonight’, ‘Circle of Life’ y ‘I Just Can’t Wait to Be King’
eran canciones pop
más tradicionales que combinamos con la hermosa música africana que compuso
Lebo M; en realidad, eso no había sucedido antes. Modernizó todo el producto”.
La película EL
REY LEÓN, al igual que la versión de 1994, presenta música inolvidable
de un equipo galardonado, que incluye a John y al letrista ganador de premios Óscar®
y GRAMMY® Tim Rice, así como música del compositor de bandas sonoras ganador de
premios Óscar® y GRAMMY® Hans Zimmer.
También incluye arreglos vocales y de coro africanos del productor y compositor
sudafricano ganador del GRAMMY® Lebo M (“Rhythm of the Pride Lands”).
Pharrell Williams, cantante, compositor y productor nominado a premios Óscar® y
ganador de premios GRAMMY® (productor de “Hidden Figures”, “Happy”), produjo cinco canciones de la banda
sonora.
La nueva película, que incluirá canciones favoritas como “Circle of Life”, “Hakuna Matata” y “I Just Can’t Wait to Be King”, también presentará canciones originales. Entre ellas, se encuentra la inspiradora “Never Too Late”, escrita por John y Rice, e interpretada por John, que incluye un coro africano. Según John, el mensaje de la canción puede aplicarse a la película y más allá. “Nunca es demasiado tarde para cambiar”, asegura John. “Eso es lo que Simba atraviesa en todo este viaje. Nunca es demasiado tarde para cambiar de idea sobre algo. Puedes mirar tu vida y decir: ‘Tengo que cambiar’. Me sucedió durante mi vida. En 1990, tuve una epifanía. Se trata de tener una epifanía en tu vida y decir: ‘Necesito abordar lo que estoy haciendo desde una nueva perspectiva’”.
MÚSICA
Cuando Disney contactó por primera vez
a Zimmer para que creara la banda sonora de la película de 1994, inicialmente
no le interesó. “Pero mi hija Zoe, en ese momento, tenía 6 años”, recuerda. “Me di cuenta de que nunca había podido
llevarla a un estreno, así que pensé: ‘Lo haré para mi hija’. Pero, luego, me di cuenta de que la
película tenía mucho contenido. Esta historia sobre un padre que moría era
increíblemente conmovedora. Mi padre falleció cuando tenía 6 años, así que tuve
que lidiar con la carga emocional que había guardado bajo llave con mucho
cuidado. En realidad, se volvió una experiencia muy emotiva”.
Al repasar la música de EL
REY LEÓN, Zimmer se dio cuenta de que los temas y la música originales
eran el soporte emocional de la historia. “Me sorprendió que los temas que había
escrito hace tantos años todavía seguían vigentes”, dice Zimmer. “Lo que había hecho hace 25 años —sin saber realmente cómo funcionaba una
película animada—, había escrito temas enormes y épicos. Esta vez, al tener
este aspecto fotorrealista y la dirección de Jon, lo que sucedió fue que lo
abrimos para que los temas pudieran respirar”.
El compositor volvió a convocar a
muchas personas que habían trabajado en la película original, como Lebo M, que
grabó coros en Sudáfrica; el orquestador Bruce Fowler; el director de orquesta
Nick Glennie-Smith; el arreglista Mark Mancina; y varios cantantes del coro,
entre otros, Carmen Twillie (que interpretó “Circle of Life” en la película de 1994).
Zimmer quería un enfoque diferente para la grabación de la música de la nueva película y convocó a la Re-Collective Orchestra (liderada por sus fundadores Matt Jones y Stephanie Matthews), junto con la Hollywood Studio Symphony (compuesta por músicos de estudio que residen en Los Ángeles) y su banda. El objetivo era ensayar y grabar la música como si fuera un concierto en vivo. “Puse 20 asientos adelante para los realizadores, realmente se sintió como si diéramos un concierto. Interpretábamos la música de la película como si fuera una obra, y eso le aportó energía”.
Por su parte, la
versión para Latinoamérica de la banda sonora original de EL REY LEÓN
cuenta con canciones interpretadas por los cantantes mexicanos Carlos Rivera y
Fela Domínguez, quienes le dan su voz a Simba y Nala en la versión doblada al español de la película; e incluye una
versión adicional de la emblemática canción “Ciclo Sin Fin”, interpretada por
la actriz de Disney Channel, Sofia Carson, que solo estará disponible en el
álbum digital.
El álbum digital de la
banda sonora de la película original de Walt Disney ya se encuentra
disponible en plataformas
digitales. A continuación, se incluye la lista de
canciones incluida en la banda sonora original en inglés de EL REY
LEÓN.:
“Circle of Life”/“Nants’ Ingonyama”: interpretada por
Lindiwe Mkhize; las voces africanas son interpretadas por Lebo M; escrita y
compuesta por Elton John y Tim Rice; “Nants’ Ingonyama” fue escrita por
Lebohang Morake y Hans Zimmer; producida por Hans Zimmer; voces producidas por
Stephen Lipson.
“Life’s Not Fair”: Hans Zimmer.
“Rafiki’s Fireflies”: Hans Zimmer.
“I Just Can’t Wait to Be
King”: interpretada
por JD McCrary, Shahadi Wright Joseph y John Oliver; escrita por Elton John y
Tim Rice; producida por Pharrell Williams; coproducida por Stephen Lipson.
“Elephant Graveyard”: Hans Zimmer.
“Be Prepared” (2019): interpretada por Chiwetel Ejiofor; escrita por Elton
John y Tim Rice; producida por Hans Zimmer y David Fleming.
“Stampede”: Hans Zimmer.
“Scar Takes the Throne”: Hans Zimmer.
“Hakuna Matata”: interpretada por Billy Eichner, Seth Rogen, JD McCrary y
Donald Glover; escrita por Elton John y Tim Rice; producida por Pharrell
Williams; coproducida por Stephen Lipson.
“Simba Is Alive!”: Hans Zimmer
“The Lion Sleeps Tonight”: interpretada por Billy Eichner y Seth
Rogen; escrita por Luigi Creatore, Hugo Peretti, George David Weiss y Solomon
Linda; producida por Pharrell Williams.
“Can You Feel the Love Tonight”: interpretada
por Beyoncé, Donald Glover, Billy Eichner y Seth Rogen; escrita por Elton John
y Tim Rice; producida por Pharrell Williams; coproducida por Stephen Lipson.
“Reflections of Mufasa”: Hans Zimmer.
“Spirit”: interpretada por Beyoncé; escrita por Timothy McKenzie, Ilya Salmanzadeh y Beyoncé;
producida por Beyoncé, ILYA para MXM
Productions y Labrinth
“Battle for Pride Rock”: Hans Zimmer.
“Remember”: Hans Zimmer.
“Never Too Late”: interpretada por Elton John; arreglos
vocales y de coro africanos creados y producidos por Lebo M; escrita por Elton
John y Tim Rice; producida por Greg Kurstin; producción adicional de Elton John
y Matt Still.
“He Lives in You”: interpretada por Lebo M; escrita por
Mark Mancina, Jay Rifkin y Lebohang Morake; producida por Lebo M y Mark
Mancina.
“Mbube”: interpretada por Lebo M; arreglos vocales y de coro
africanos creados y producidos por Lebo M; escrita por Solomon Linda; producida
por Pharrell Williams.
Listado canciones
Banda Sonora Original EL REY LEÓN para Latinoamérica:
Ciclo Sin Fin: interpetada por Grizz Piña
Life’s Not Fair
Rafiki’s Fireflies
Yo quisera ya ser un rey: interpretada por Mateo Ramírez Velasco, Regina Tiscareño, Gerardo Alonso
Elephant Graveyard
Listos Ya (2019): intepretada por Pisano
Stampede
Scar Takes the Throne
Hakuna Matata: intepretada por Carlos Rivera, Luis Leonardo Suárez, Sergio Carranza, Mateo Ramírez Velasco
Simba Is Alive!
El león Rey duerme ya: interpretada por Luis Leonardo Suárez
Esta noche es para amar: interpretada por Carlos Rivera, Fela Domínguez, Luis Leonardo Suárez, Sergio Carranza
Love, Death & Robots es una mezcla de cortos animados de fantasía, terror y comedia. Cada episodio está escrupulosamente narrado para resultar fácil de ver y difícil de olvidar.
Con la producción ejecutiva de David Fincher, Tim Miller, Jennifer Miller y Josh Donen, la serie, una antología de cortometrajes animados cautivadores, logró reunir artistas de primer nivel para contar historias que prometen ofrecer una experiencia visceral única para los espectadores.
Todos los episodios son geniales y únicos, pero hay algunos en particular que resaltan, subrayamos nuestros recomendados:
Alternate Histories: ¿Quieres ver morir a Hitler de las maneras más fantásticas? ¡Te damos la bienvenida a Multiversidad!
Beyond The Aquila Rift: Luego de viajar años luz fuera de su curso, la tripulación de una nave deberá descifrar hasta dónde ha llegado.
Blindspot: Una temeraria pandilla de ladrones cíborgs lleva a cabo un frenético robo a un convoy totalmente blindado.
Fish Night: Una avería del auto los deja varados en el desierto, donde experimentan un onírico y letal viaje al pasado.
Good Hunting: El hijo de un cazador de espíritus entabla una amistad con una criatura mitológica atrapada en una forma humana.
Ice Age: Una joven pareja se muda a un departamento y encuentra una civilización perdida en un refrigerador antiguo.
Helping Hand: Una astronauta deberá elegir entre la vida y su brazo antes de quedarse sin oxígeno y morir.
Lucky 13: Nadie quiere volar la infame nave Trece de la Suerte, pero a la novata no la dejan elegir.
Shape-Shifters: En Afganistán, dos marines con poderes sobrenaturales enfrentan una amenaza que les resultará muy familiar.
Secret War: En las profundidades de los bosques de Siberia, unidades de élite del Ejército Rojo luchan contra viles demonios.
Sonnie’s Edge: En el submundo de las luchas entre bestias, Sonnie es imbatible. Solo debe asegurarse de no perder su ventaja…
Sucker of Souls: Una excavación arqueológica libera un demonio ávido de sangre que deberá enfrentar mercenarios armados con ¡gatos!
Suits: Una comunidad de granjeros deberá defenderse de una invasión alienígena con sus robots caseros.
The Dump: Para el Feo Dave, el vertedero es un hogar, y no dejará que nada ni nadie lo saque de allí.
The Witness: Tras presenciar un homicidio brutal, una mujer logra escapar del asesino por las calles de una ciudad surrealista.
Three Robots: La humanidad llegó a su fin, y una ciudad posapocalíptica es el destino turístico de tres curiosos robots.
When The Yogurt Took Over: Por error, científicos cultivan un yogur superinteligente, que lo único que quiere es dominar el mundo.
Zima Blue: El reconocido artista Zima relata su misterioso pasado y su ascenso a la fama antes de develar su obra final.
James Cameron y Robert Rodríguez se unieron en un esfuerzo inigualable, para traer a la gran pantalla, la obra maestra de Kishiro.
James Cameron & Robert Rodríguez
Cameron, quien es
reconocido mundialmente por ser el creador de mundos 3D impresionantes, es fan
de la obra de Kishiro desde los 90’s. Pensó en Robert Rodríguez como un asset
visionario, que a pesar de estar completamente fuera de su zona de confort, junto
al talento de Cameron iban a lograr representar este universo de la forma
correcta. También no se puede obviar el hecho de que Rodríguez es fan de los
mangas de Kishiro desde hace muchos años.
Alita: Battle Angel es
una fiel representación del manga, dirigida por Robert Rodríguez y Producida
por James Cameron, ambos también adaptan el guion junto a la reconocida Laeta
Kalogridis (Altered Carbon).
Utilizando CGI y
rotoscope, modificaron la cara de Rosa Salazar para que fuese exactamente igual
a la versión del anime de Alita.
El cast repleto de actores ganadores y nominados al Oscar, como Christoph Waltz, Mahershala Ali y Jennifer Connelly; le suma otro peldaño más que sobre pasa el maravilloso imaginario creado por Rodríguez y Cameron.
El mundo recreado es impresionante, le roba completamente el trueno a Aquaman que fue uno de los despliegues de CGI más importantes en los últimos meses.
Te hace sentir que esta franquicia podría ser explotada no solo como una película, sino llevada también a formato de Streaming, tipo Netflix por ejemplo. De igual forma, depende del arco que quieras lograr con cada film, fusionas uno o dos tomos y la historia te cierra. Esta tan bien lograda, que se le pueden dar muchos giros de realización, el material raw es increíble.
Sin mucho más que agregar, la historia de Kishiro es bastante conocida entre mangakas y todavía queda un mundo gigantesco por explorar en más películas (9 tomos). Pero dado el éxito de esta adaptación, solo queda soñar que la dupla Cameron-Rodríguez se tope accidentalmente con el Anime más famoso del mundo, más difícil de realizar y que tantos fans añoran por ver en pantalla grande, Neon Genesis Evangelion.
Para la creación del mundo de los Eva’s, que mezcla lo post apocalíptico y drama con los mechas, esta dupla con Alita demostró que tienen lo necesario para llevarlo a la gran pantalla.
Alita: Battle Angel en todas las salas de cine este 14 de febrero.
Cuando el ganador del Oscar Robert Stromberg fue apuntado por Disney, para dirigir la adaptación live-action de la famosa bruja Maleficent, tomo la decisión de que esta no sería una adaptación basada en re-diseñar al personaje. Por lo contrario, Stromberg, que ha ganado dos Premios de la Academia en Dirección de Arte, apostó porque Angelina Jolie fuese la viva réplica de la bruja que tantos idolatran.
Para recrear el vestuario y maquillaje de Maleficent, reclutó al mejor equipo que se puede imaginar para este oficio, liderado por Anna B. Sheppard, diseñadora de vestuario (Shindler’s List); Rick Baker, diseñador de maquillaje de efectos especiales (Star Wars); Arjen Tuiten, maquillaje de efectos especiales (Pan’s Labyrinth); Justin Smith, diseñador de sombreros (Pasarela de Stella McCartney); Rob Goodwin, diseñador de calzado couture (Vogue Italia); Manuel Albarran, diseñador de accesorios (Madonna) y Tony G., la maquilladora personal de Angelina Jolie con una extensa carrera en cine.
Rick Baker
Arjen Tuiten
Justin Smith
Rob Goodwin
Anna B. Sheppard
Manuel Albarran
Toni G
DISEÑO DE VESTUARIO
En el proceso para desarrollar el concepto de vestuario y maquillaje, Anna B. Sheppard buscó referencias desde el siglo XV hasta el Renacimiento, el período del arte Francés e Italiano, incluyendo pinturas, dibujos y esculturas.
También se tomo como referencia el look original creado en 1959 para la versión animada del personaje, realizado por Marc Davis, quien diseño los cuernos de Maleficent junto al vestuario estilizado. El resultado del concepto para la versión con Jolie, es una fusión entre el clásico animado y todas las referencias recolectadas por el equipo de Arte. Tomando en cuenta que fue importante resaltar los cuernos y diversas piezas de joyería que cargaba el personaje, brindándole un aspecto único e imponente. Sheppard afirma que las referencias también en cuanto a colores, son estrictamente fieles al vestuario de la versión animada, se quiso mantener el link fundamental entre ambas películas a manera de tributo, una forma de embellecer al personaje.
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A diferencia de muchos actores, Angelina Jolie estuvo completamente involucrada en el diseño y desarrollo del concepto, tanto de vestuario y maquillaje para su representación de Maleficent. Logró transformar el color en el vestuario, a plumas artificiales, cuero y accesorios para lograr el look mucho más oscuro y siniestro.
Shepperd a su vez le dio línea y forma al vestuario, junto a un staff de diseño y arte inigualable.
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MAQUILLAJE DE EFECTOS ESPECIALES
Uno de los primeros elementos creados para el vestuario, fueron los majestuosos cuernos, de la mano del ganador de siete Oscares, Rick Baker. El diseñador se encargó de hacer una réplica digital sobre cómo debían resultar estos cuernos. Baker agrega que se enfoco en los cuernos y orejas, ya que es el caso especial de Angelina Jolie, les interesaba que el rostro destacara sobre todo.
Según los aportes de Angelina en esta etapa de diseño, quería utilizar aplicaciones para lograr el look de Maleficent. Por lo cual Baker desarrollo diversas aplicaciones que se unían y armaban el look por completo. Terminaron confeccionando a mano innumerables sets de mejillas falsas, orejas y cuernos.
Baker creo las aplicaciones de mejillas, nariz y orejas con silicón y rellenas de gel. Lo que dio como resultado que las mejillas de Maleficent se vieran sumamente pronunciadas en el film, a pesar de que las aplicaciones eran bastante pequeñas.
El artista de efectos especiales en maquillaje Arjen Tuiten, es el que se encargaba de colocar las aplicaciones en Angelina Jolie todos los días de filmación. Era sumamente importante que las aplicaciones de mejilla se fusionaran con los huesos de su cara, así seguía naturalmente la línea del rostro y se lograba el efecto. Tuiten empezaba colocándole las orejas desde arriba hasta que llegaba a las aplicaciones de mejillas, para lograr que se mantuviera la linealidad en el contorno del rostro. Este proceso tomaba cuatro horas cada día y Angelina se mostraba bastante paciente.
En la parte de los cuernos, es lo que resulto más difícil de hacer, fue todo un reto. Básicamente porque tenían que ser muy ligeros y fácil de remover, puesto a que no querían verse en la situación de que Angelina tuviera que utilizarlos todo el día de rodaje. Principalmente para evitar accidentes en el set de filmación, como actor te estás moviendo mucho durante el día y no es apto tropezarse con una cornamenta en la cabeza, comentaba Baker. Junto a su equipo esculpieron cuatro diseños de cuernos, todos digitalizados, luego los desarrollaron en físico. De los cuatro escogieron uno que más se adecuaba y efectuaron todo el diseño en torno a esa pieza.
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Para comodidad, los cuernos eran muy ligeros y delgados, creados con resina colada de Uretano. El diseño era una base con la forma de la cabeza de Angelina, en una maxi-forma con los cuernos adaptados a ella. Los primeros centímetros de los cuernos estaban adheridos a la base, lo restante lo adaptaron con imanes. Lo que ayudaba a remover el casco con facilidad entre tomas.
Los imanes protegían a Angelina Jolie cuando le tocaba hacer stunts complicados, por esto si se tropezaba con algo, los cuernos se removían fácilmente. Gracias a ello, les toco hacer muchas réplicas, porque si se caían, se partían. También dentro de esa versión de cuernos, desarrollaron una de goma, así no lastimaban a nadie. El desarrollo de los cuernos a su boceto final encajo perfectamente, su composición de líneas hizo fácil que se les implantaran los imanes para sostenerlos sin que se notara. El equipo creó un total de 20 sets de cuernos de distintos tipos y reemplazos.
Baker también diseño junto a Angelina Jolie el set de lentes de contacto que iban a completar el look de Maleficent. Fueron pintados a mano por un artista que es experto en esa área.
DISEÑO DE SOMBREROS
Posterior a que se confeccionaron los cuernos, se unió al staff el diseñador de sombreros Justin Smith. Se encargó de crear la cobertura de los cuernos y lo que iba a lucir Maleficent en la cabeza. Lo primero que hizo fue fusionar su visión con el diseño de vestuario de Sheppard junto a las referencias de la animación original del personaje, todo esto para lograr un look icónico. Diseño varios bocetos centrándose en el personaje original, que capturaran la tensión amenazadora y mágica de la bruja. Angelina se sentó con Smith para este proceso. Jolie quería algo que cubriera completamente la cabeza, tapando el cabello, pero que no fuera un turbante o algo por el estilo. Así que le tomo un tiempo a Smith desarrollar la idea de lo que querían.
El diseñador sorteó entre muchas telas dispuestas para este fin, terminó utilizando piel de pitón, cuero muy fino y piel de pescado. Basado en ser simple y limpio, con siluetas que involucraban la técnica de envolver la cabeza.
Uniendo sus referencias, especialmente la de Michael Parks, uno de sus artistas favoritos. Tomo muestras de sus técnicas para crear nudos y las fusiono con su estilo, logrando que el resultado fuera sencillo y práctico. Le toco desarrollar de cero varias telas para la construcción de la pieza. La definición era futurista y basada en los animales del bosque encantado.
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Las cuatro versiones de los tocados creados por Smith para Maleficentserían: El Look de Verano, piel de pitón forrando la cabeza; el Look del Bautizo, un turbante de cuero con los cuernos forrados en el mismo material; el Look de Primavera, varias tiras de cuero cosidas para crear un efecto arrugado con laqueado y pintura; y por último, el Look Mantarraya que consiste en utilizar la piel para envolver un lado de la cabeza como especie de turbante.
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DISEÑO DE CALZADO
En el área de calzado, se monto a bordo de la producción el diseñador de calzado couture Rob Goodwin, especialista en cuero. El look de los pies de Maleficent tenía que acoplarse completamente a todo el concepto de vestuario, de una forma imponente con matices oscuros. Angelina ayudo mucho con las referencias históricas para el desarrollo del calzado.
Goodwin se enfoco en trabajar con cuero y combinarlo con plumas, piedras y otros materiales. El objetivo era darle textura al calzado. Los diseños que le resultaron más difícil, fueron los que Angelina iba a utilizar en escenas de batalla. El calzado debía ser formidable y al mismo tiempo elegante. La forma de casco estaba esculpida y cubierta en cuero con apariencia reptil y los detalles continuaban en las botas, los tacones fueron customizados como huesos. Lo que sugería que Maleficent no es humana.
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DISEÑO DE ACCESORIOS
En el departamento de accesorios, Manuel Albarran un reconocido diseñador de joyas y escultor en metales se hizo cargo de esta área.
Albarran se encargó de diseñar los collares, anillos, broches, brazaletes, hombreras y espinas. Su diseño es basado en la naturaleza de Maleficent, muy orgánica, utilizando la mayor cantidad de materiales “verdes” posibles.
El diseñador está acostumbrado a utilizar metales y materiales orgánicos en sus creaciones, para el look de Maleficent se inspiro en arquitectura histórica. Luego invento técnicas nuevas para perfeccionar las piezas y adaptarlas así al diseño completo de vestuario.
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Los materiales que utilizo Albarran fueron varios metales, tales como oro, latón y cobre, piedras preciosas y cristales, diferentes cueros, plumas y otros materiales naturales.
Creo piezas únicas para cada cambio de vestuario, una de las más importantes fue una serie de collares que estaban unidos con las hombreras y la espina dorsal en una sola pieza de cuero, que se sostenía en la estructura base, luego agrego varias pieles y plumas para crear el diseño final. En la pieza habían capas armadas con plumas de pato pintadas a mano, los colores degradando en diferentes tonos de gris entre azules y verdes, lo que conformaba los hombros y espina dorsal, creando un look bastante orgánico. Una silueta femenina y poderosa.
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Albarran también se encargo de crear el traje que Angelina utiliza en la batalla final. Lo más importante del diseño era la movilidad, para que pudiera saltar y desenvolverse libremente en una escena muy agresiva. El peso y balance eran esenciales.
MAQUILLAJE FINAL
El look de Maleficent se completó finalmente con la maquillista personal de Angelina, Toni G. La inspiración fue lograr looks naturales, literalmente basados en la naturaleza. La paleta estaba diseñada en tonos marrones, junto a una variación de colores como: concreto, marrón rojizo, para un contorno más natural, un marrón oscuro más negro carbón para que los ojos salten de forma dramática, con un toque de dorado para resaltar los ojos y los lentes de contacto.
Carbon
Ground
Grey Brown
Concrete
Goldmine
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Los labios rojos resultaron más un reto, ya que Toni tuvo que probar con diversos tonos, hasta que concluyo en un rojo realmente brillante, pigmentado con un poco de brillo. El resultado final fue increíblemente dramático.
Luego de que el artista de efectos especiales Arjen Tuiten aplico las prótesis y les pinto una línea iluminada para equilibrar el rostro, es cuando Toni empieza su trabajo.
La maquillista comenzó iluminando de abajo hacia arriba en forma de triangulo debajo de los ojos, por fuera de las mejillas y la parte inferior de la nariz. Los principios básicos de cualquier maquillaje natural.
Según Toni, los rasgos principales del maquillaje eran las prótesis y los lentes de contactos. Los ojos fueron inspirados en la piedra Labradorita. Una mezcla entre verdes, azules y amarillos degradados.
Por esto la artista decidió no utilizar colores tan fuertes para los ojos, así no perdían protagonismo los lentes, prefirió que el maquillaje no fuera tan teatral ya que se supone que los lentes de contacto son el color verdadero de los ojos de Maleficent.
Las uñas del personaje también tenían un look especial, estaban pintadas por dentro de color negro y por arriba con un tono perlado. Para la escena del bautizo cambiaron el fondo de negro a rojo sangre.
Dale click a las imágenes para agrandarlas Para evitar daños permanentes en la piel de Angelina por el uso de las prótesis con pegamento, Toni aplicaba una mezcla entre aceite de coco y argán para removerlas. Lo que ayudo a que la piel no se irritara por disolventes de pega muy fuertes.
Aun así, lo más complicado del maquillaje fue lograr un equilibrio. Todo se basaba en que Angelina tuviese el outfit completo y el tono de la escena, para lograr equilibrar sus ojos con la emoción que se requería en el momento. Maleficent de Walt Disney Pictures, estrena mundialmente el 30 de mayo y es entonces cuando se apreciará a plenitud, el trabajo de tan grandes artistas del gremio. Este artículo es un análisis técnico realizado por Patricia Vergara con el apoyo de Walt Disney Pictures, para Solo en Cines.
Original de Netflix 
SOLO EN CINES 